绘画

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这蒙娜丽莎（1503–1517）莱昂纳多·达芬奇是世界上最知名的画之一。
一群艺术描述犀牛是在chauvet洞穴30,000至32,000年前。

绘画是申请的做法画，颜料，颜色或其他培养基到固体表面（称为“矩阵”或“”支持”）。[1]该培养基通常使用刷子，但是其他工具，例如刀，海绵和喷枪，可以使用。

在艺术， 期限绘画描述了动作的行为和结果（最终作品称为“绘画”）。对绘画的支撑包括墙壁，纸，画布，木材，玻璃等表面漆，陶器，叶子，铜和具体的，这幅画可能包含其他多种其他材料，包括沙子，粘土， 纸，石膏，金叶子，甚至整个对象。

绘画是重要形式视觉艺术，引入诸如绘画，作品，手势（如手势绘画），叙述（如叙事艺术）， 和抽象（如抽象主义）。[2]绘画可以是自然主义和代表性的（如静物和山水画），摄影，抽象，叙述，象征性（如象征主义艺术），情绪化（如表现主义） 或者政治的本质（如艺术）。

一部分绘画的历史在东部和西方艺术中，艺术都由宗教艺术。这种绘画的示例从描绘艺术品神话关于陶器的数字，圣经场景西斯汀教堂天花板，从生活中的场景佛（或其他图像东方宗教血统）。

历史

主要文章：绘画的历史
史前洞穴绘画奥奇斯（法语：Bos primigenius primigenius），拉斯卡克斯， 法国
最古老的象征性绘画是对公牛的描绘LubangJerijiSaléh塌陷印度尼西亚。它被绘制为40,000至52,000年前或更早。

最古老的已知绘画大约有40，000年的历史，佛朗哥 - 塔巴里亚地区在西欧，在马洛斯区的洞穴（苏拉威西，印度尼西亚）。然而，2018年11月，科学家报导了当时最古老的已知比喻艺术绘画，有40,000多名（可能年龄在52,000年）中，有一个未知动物，在LubangJerijiSaléh在印尼岛的婆罗洲（卡利曼丹）。[3][4]2019年12月，描绘猪狩猎的象征性洞穴绘画Maros-Pangkep Karst据估计，在苏拉威西州，至少有43,900年的历史了。该发现被认为是“讲故事的最古老的绘画记录，是世界上最早的象征性艺术品”。[5][6]最近，据报导，在2021年，在印尼岛上发现了一只猪的洞穴艺术，其历史可追溯至45,500年。[7][8]然而，在两个岩石中发现了绘画行为的最早证据阿纳姆土地，在澳大利亚北部。在这些地点的最低材料层中，有估计有60，000年历史的ocher块。考古学家还发现了保存在石灰石摇滚在里面金伯利澳大利亚西北部地区，历史已有40，000年。[9]有例子洞穴壁画全世界印度尼西亚，法国，西班牙，葡萄牙，意大利，中国，印度，澳大利亚，墨西哥，[10]在西方文化中，油画和水彩绘画在风格和主题上具有丰富而复杂的传统。在东方，墨水从历史上看，彩色墨水以同样丰富而复杂的传统为主。

摄影的发明对绘画产生了重大影响。在第一个几十年后照片于1829年生产摄影过程得到了改善并变得更广泛地实践，剥夺了绘画的许多历史目的，以提供可观察到的世界的准确记录。在19世纪末和20世纪初的一系列艺术运动，尤其是印象派，后印象主义，野兽派，表现主义，立体主义， 和达达主义 - 挑战了再生世界的视图。然而，东部和非洲绘画持续了悠久的历史风格化并且没有同时进行等效的转换。

现代的和当代艺术已经摆脱了工艺和文档的历史价值，有利于概念。这并没有阻止大多数活画家继续练习整体或部分作品的绘画。21世纪绘画的活力和多功能性无视其灭亡的先前“声明”。以一个以下特征多元化，对于年龄的代表性风格尚无共识。艺术家继续以各种风格和美学制作重要的艺术品气质 - 他们的优点将留给公众和市场来判断。

女权主义艺术运动[11]始于1960年代的第二波女权主义。该运动试图获得国际女性艺术家的平等权利和平等机会。

绘画元素

陈·朱肖（1598–1652），叶专辑绘画（明代）
Shows a pointillist painting of a trombone soloist.
乔治·苏拉特（Georges Seurat），马戏团杂耍（法语：Parade de cirque）（1887–88）

颜色和色调

颜色，由色调，饱和， 和价值，分散在表面上是绘画的本质，就像沥青和韵律是音乐。颜色是高度主观的，但具有可观察到的心理影响，尽管它们在一种文化之间可能有所不同。黑色与西方的哀悼有关，但在东方，怀特是。一些画家，理论家，作家和科学家，包括歌德，[12]坎廷斯基，[13]和牛顿，[14]写了自己的颜色理论.

此外，语言的使用只是颜色等效物的抽象。这个单词 ”红色的“例如，可以涵盖与纯红色的广泛变化可见光谱光。没有类似颜色的正式登记册，就像在音乐中对不同的音符达成协议，例如F或者c♯。对于画家来说，颜色不简单地分为基本（主要）和衍生（互补或混合）颜色（例如红色，蓝色，绿色，棕色等）。

画家实际处理颜料，[15]所以 ”蓝色的“对于画家来说，可以是任何蓝调：邻苯烷蓝色，普鲁士蓝，靛青，钴蓝色，群青， 等等。严格来说，颜色的心理和象征意义不是绘画的手段。颜色只会增加含义的潜力，派生的背景，因此，对绘画的看法是高度主观的。与音乐的类比相当明确 - 音乐中的想法（如c音符）类似于绘画中的“光”，“阴影”动力学，“色彩”是作为特定的音色乐器是音乐。这些元素不一定会形成自己的旋律。相反，他们可以在其中添加不同的上下文。

非传统元素

现代艺术家扩大了绘画的实践，以包括一个例子拼贴画，从立体主义并且不是严格绘画。一些现代画家结合了不同的材料，例如金属，塑料，沙，水泥，稻草，树叶或者木头因为他们的质地。例如让·杜布菲特（Jean Dubuffet）和安塞尔姆·基弗（Anselm Kiefer）。越来越多的艺术家社区使用计算机将颜色“在数字”画布上“涂上”，例如Adobe Photoshop，Corel Painter，还有许多其他。如果需要，可以将这些图像打印到传统画布上。

韵律

让·梅辛格（Jean Metzinger），La Danse（Bacchante）（C.1906），帆布上的油，73 x 54厘米，Kröller-Müller博物馆

让·梅辛格（Jean Metzinger）类似于马赛克分区学家技术在文学方面具有相似之处。联盟之间的特征象征主义者作家和新印象派艺术家：

我要求分裂的刷子不是光的客观渲染，而是虹彩和颜色的某些方面仍然是绘画的。我进行了一种色化的功能，对于音节，我使用的笔触在数量上可变，而在不修改绘画措辞的节奏的情况下，尺寸不会有所不同，该示意图的节奏注定要翻译自然引起的各种情绪。（让·梅辛格（Jean Metzinger），大约1907年）[16]

Piet Mondrian，构图En Rouge，Jaune，Bleu et noir（1921），gemeentemuseum den haag

韵律，对于这样的艺术家Piet Mondrian，[17][18]像在音乐中一样重要。如果人们将节奏定义为“暂停纳入序列”，那么绘画中可能会有节奏。这些暂停使创造力可以干预并添加新的创作 - 形式，旋律，颜色。形式或任何类型的信息的分布在给定的艺术品中至关重要，它直接影响了该作品的美学价值。这是因为审美价值取决于功能，即感知的自由被视为美丽。自由流动，艺术以及其他形式的“Techne”，直接有助于审美价值。[17]

音乐对诞生很重要抽象主义由于音乐本质上是抽象的 - 它不会试图代表外部世界，而是以直接的方式表达灵魂的内在感觉。Wassily Kandinsky经常用音乐术语来识别他的作品。他称他最自发的绘画为“即兴创作”，并将更精致的作品描述为“构图”。坎廷斯基理论上说“音乐是终极老师”，[19]随后开始了他十个中的前七个组成。坎廷斯基（KandinskyC在黄铜小号上；黑色是封闭的颜色，也是事物的终结。颜色的组合产生了振动频率，类似于钢琴上演奏的和弦。1871年，年轻的坎丁斯基学会了弹钢琴和大提琴。[20][21]坎廷斯基的舞台设计墨索尔斯基展览中的图片说明了他的形式，颜色和音乐声音的普遍对应的“系统性”概念。[22]

音乐定义了许多现代主义抽象绘画。杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）强调了他1950年的绘画的兴趣秋天的节奏（第30号）.[23]

美学和理论

主要文章：绘画理论
女画家坐在露营厂上，画一个雕像狄俄尼索斯或者Priapus在一个男孩举行的面板上。壁画来自庞贝，1世纪
A relief against a wall shows a bearded man reaching up with his hands as his clothes are draped over his body.
Nino Pisano，猿类或绘画艺术详细（1334–1336）;解脱乔托的钟楼在佛罗伦萨， 意大利

美学是研究艺术和美丽;对于18世纪和19世纪的哲学家来说，这是一个重要的问题康德和黑格尔。古典哲学家喜欢柏拉图和亚里士多德也尤其是关于艺术和绘画的理论。柏拉图在他的哲学体系中无视画家（以及雕塑家）；他坚持认为绘画不能描绘真相 - 它是现实的副本（思想世界的阴影），只不过是工艺，类似于制鞋或铁铸造。[24]到莱昂纳多（Leonardo古希腊.莱昂纳多·达芬奇相反，说“意大利人：La Pittura è cosa mentale“ （“英语：painting is a thing of the mind”）。[25]康德区分开美丽和升华，从显然将前者优先考虑的角度来看。尽管他没有特别提及绘画，但这个概念是由画家占据的J.M.W.车工和卡斯帕·戴维·弗里德里希（Caspar David Friedrich）.

黑格尔意识到未能达到普遍的美丽概念，并在他的美学文章中写道，绘画是三种“浪漫”艺术之一诗歌和音乐，因为它象征性，高度智力的目的。[26][27]写了绘画理论作品的画家包括坎廷斯基和保罗·克莱（Paul Klee）.[28][29]坎丁斯基在他的文章中坚持认为绘画具有精神价值，他依附原色对基本的感觉或概念，歌德其他作家已经尝试做。

肖像学是对绘画内容而不是其风格的研究。Erwin Panofsky和别的艺术史学家首先寻求了解所描绘的事物，然后再查看当时观众的意义，并最终分析其更广泛的文化，宗教和社会意义。[30]

1890年，巴黎画家莫里斯·丹尼斯（Maurice Denis）著名的断言：“请记住，一幅画 - 在是一名战争，裸体的女人或某些故事或其他故事之前，基本上是一个平坦的表面，上面覆盖着一定顺序的颜色。”[31]因此，许多20世纪的绘画发展，例如立体主义，是对方法绘画而不是在外部世界上自然 - 以前是其核心主题。画家和作家朱利安·贝尔（Julian Bell）提供了有关绘画思维的最新贡献。在他的书中什么是绘画？，贝尔通过历史讨论了绘画可以表达感觉和思想的观念的发展。[32]在世界镜子贝尔写道：

一个工作艺术试图引起您的注意并保持固定：历史艺术敦促它继续前进，通过想像力的家园推翻了一条高速公路。[33]

绘画媒体

通常由介质识别出不同类型的油漆，该介质悬浮或嵌入了颜料，这决定了油漆的一般工作特征，例如粘度，混血性，溶解度，干燥时间，等等。

热蜡或迷人

来自圣凯瑟琳的修道院，埃及（6世纪）

迷恋绘画，也称为热蜡绘画，涉及使用加热蜂蜡添加了彩色颜料。然后将液体/糊剂施加到表面 - 固定的木材，尽管帆布和其他材料经常使用。最简单的诱人混合物可以是通过将颜料添加到蜂蜡中制成的，但是还有其他几种食谱可以使用 - 有些包含其他类型的食谱蜡，Damar树脂，亚麻籽油或其他成分。尽管有些混合物使用油漆或其他形式的颜料，但可以购买和使用纯粉状色素。金属工具和特殊的刷子可以在冷却之前对油漆进行塑造，也可以使用加热的金属工具来操纵蜡，一旦将其冷却到表面上。其他材料可以被包裹或拼贴使用忠诚介质将其粘附到表面上，进入表面或分层。

该技术是古希腊和罗马面板绘画的普通技术，并且一直在东正教中使用图标传统。

水彩

约翰·马丁，曼弗雷德（Manfred）（1837），水彩画

水彩是一种绘画方法，其中油漆由悬挂在水溶性车辆中的颜料制成。对水彩画的传统和最常见的支持是纸。其他支持包括纸莎草纸，树皮纸，塑料，牛皮纸或者皮革，织物，木头和帆布。在东亚，带有油墨的水彩画被称为刷子绘画或滚动绘画。在中国人，韩国人， 和日本绘画它一直是主要的介质，通常是黑色或棕色的。印度，埃塞俄比亚其他国家也有悠久的传统。手指绘制带有水彩油漆起源于中国。艺术家使用了各种类型的水彩画。一些例子是锅水彩，液体水彩，水彩笔和水彩铅笔。水彩铅笔（水溶性铅笔）可以使用湿或干。

水粉

水粉是一种水基油漆，由颜料和其他材料组成，旨在用于不透明的油漆方法。水粉不同水彩因为颗粒更大，色素与水的比率更高，另一种惰性的白色颜料，例如粉笔也存在。这使水粉更重，更不透明，具有更大的反射品质。像所有水中心一样，它被水稀释。[34]

墨水

SesshūTōyō，四个季节的风景（1486），纸上的墨水和浅色

墨水绘画是用包含颜料或的液体进行的染料并用于为表面上色以产生图像，文本， 或者设计。墨水用于用笔，刷子， 或者鹅毛笔。墨水可以是复杂的介质，由溶剂，颜料，染料，树脂，润滑剂，溶剂化器，表面活性剂，颗粒物，荧光灯和其他材料。油墨的组成部分有许多目的；墨水的载体，着色剂和其他添加剂控制墨水的流动和厚度，并在干燥时外观。

搪瓷

让·德·法院（Jean de Court）（归因于），涂漆Limoges搪瓷详细菜（16世纪中叶），瓦德斯登遗赠，英国博物馆

搪瓷是通过用粉状玻璃粉给底物（通常是金属）的底物制成的；称为色氧化物的矿物提供着色。在温度为750–850摄氏度（1380–1560华氏度）的温度下发射后，结果是玻璃和金属的融合层压。与大多数绘制的技术不同，表面可以处理和湿润的搪瓷传统上用于装饰珍贵物体，[35]但也被用于其他目的。Limoges搪瓷是文艺复兴时期的搪瓷绘画的主要中心，在装饰周围的宗教和神话场景中，斑块或物体（例如盐或棺材。在18世纪，搪瓷绘画在欧洲享有时尚，尤其是作为一种媒介肖像缩影.[36]在20世纪后期，金属上的瓷搪瓷技术被用作室外壁画的耐用媒介。[37]

蛋

蛋，也称为鸡蛋蛋活页夹培养基（通常是蛋黄或其他一些粘性材料尺寸）。蛋彩带还指在这种媒介中所做的绘画。彩色绘画是非常持久的，并且最初几个世纪的例子仍然存在。鸡蛋彩蛋白是绘画的主要方法，直到1500年后，它被发明取代油画。一种通常称为蛋彩的油漆（尽管不是），该油漆通常由颜料和胶水组成海报油漆.

壁画

白天使（壁画），Mileševa修道院，塞尔维亚

壁画是否有几个相关的壁画绘画类型，完成石膏在墙壁或天花板上。壁画一词来自意大利人单词Affresco[afˈfresːko]，源自拉丁语新鲜的。经常在文艺复兴时期和其他早期时期制作壁画。Buon Fresco技术包括在颜料上绘画，与水混合在薄薄的潮湿的新鲜层上石灰砂浆或者石膏，对于意大利语的灰泥词，Intonaco， 用来。secco相比之下，绘画是在干灰泥上进行的（Secco在意大利语中为“干”）。颜料需要结合介质，例如蛋（蛋），胶或油将颜料固定在墙上。

油

HonoréDaumier，画家（1808–1879），在面板上涂上可见笔触的油

油画是与颜料与媒介结合干燥油， 如亚麻籽油，在现代欧洲早期广泛使用。通常将油与树脂（例如松树或什至）煮沸乳香;这些被称为“清漆”，并因其身体和光泽而受到珍视。油漆最终成为创作艺术品的主要媒介，因为其优势已广为人知。过渡始于荷兰早期的绘画在北欧，到达再生油画技术几乎完全更换了蛋在大多数欧洲的绘画。

柔和

Maurice Quentin de la Tour，法国路易十五的肖像（1748），粉彩

柔和是棍子形式的绘画介质，由纯粉色色素和粘合剂组成。[38]粉彩中使用的颜料与生产所有有色艺术媒体的颜料相同，包括油漆;粘合剂是中性色调和低的色调饱和。粉彩的颜色效应比任何其他过程都更接近天然干颜料。[39]由于粉彩绘画的表面易碎且易于污迹，因此其保存需要保护性措施，例如玻璃下的框架。它也可以喷洒固定剂。尽管如此，当用永久颜料制成并得到适当照顾时，柔和的绘画可能会持续数百年。粉彩不易感，就像用流体介质制成的绘画一样，是由于介质干燥时的颜色，不透明度或尺寸的变化而导致的裂纹和变色。

丙烯酸纤维

雷·伯格拉夫（Ray Burggraf），丛林弧（1998），木材上的丙烯酸涂料

丙烯酸涂料快速干燥油漆含有色素悬浮液丙烯酸纤维聚合物乳液。丙烯酸涂料可以用水稀释，但干燥时会变得耐水。根据涂料的稀释程度（用水）或用丙烯酸凝胶，培养基或糊剂修饰，成品丙烯酸绘画可以类似于水彩或一个油画，或具有其他媒体无法实现的独特特征。大多数丙烯酸和油漆之间的主要实际区别在于固有的干燥时间。油可以使更多的时间混合颜色，并在未涂料上涂抹釉料。石油的这种缓慢干燥方面可以看作是某些技术的优势，但也可能阻碍艺术家快速工作的能力。

喷漆

气溶胶涂料（也称为喷漆）是一种装在密封的加压容器中的油漆阀门按钮。一种形式喷漆，气雾剂油漆留下光滑，均匀涂层的表面。标准尺寸的罐头便宜，便宜且易于存储。气雾剂底漆可以直接应用于裸机和许多塑料。

速度，可移植性和永久性也使气溶胶涂料成为常见涂鸦中等的。在1970年代后期，街道涂鸦作家的签名和壁画变得更加精致，并成为一种独特的风格，作为气溶胶培养基的一个因素和非法工作所需的速度。现在，许多人认为涂鸦和街头艺术是一种独特的艺术形式，专门为涂鸦艺术家制作了气溶胶涂料。一种模版保护表面，除了要绘制的特定形状。模具可以作为可移动的字母购买，被订购为专业剪裁徽标或由艺术家手工切割。

水性油漆

水不良油漆（也称为“水溶性”或“混合水”）是现代的油漆设计为用水稀释和清洁，而不必使用诸如松节油。它可以使用与传统油基油漆相同的技术混合和涂抹，但是尽管仍然湿润，它可以从刷子，调色板和带有普通肥皂和水的抹布中有效地去除。它的水溶性来自使用油媒介在其中一端分子已经改变以与水分子松散结合，如解决方案.

数字绘画

主要文章：数字绘画

数字绘画是一种以数字方式创建艺术对象（绘画）或在计算机上制作数字艺术技术的方法。作为创建艺术对象的一种方法，它适应了传统的绘画媒介，例如丙烯酸涂料，油，墨水，水彩等等。并将颜料应用于传统载体，例如编织帆布布，纸，聚酯等。软件驾驶工业机器人或办公机械（打印机）。作为一种技术，它指的是计算机图形学使用一个软件程序虚拟的画布和虚拟绘画盒的刷子，颜色和其他用品。虚拟框包含许多不存在计算机外部的乐器，并且给出了一个数字艺术品从传统方式制作的艺术品中的外观和感觉不同。此外，数字绘画不是“计算机生成的”艺术，因为计算机不会使用一些数学计算在屏幕上自动创建图像。另一方面，艺术家使用自己的绘画技术在计算机上创建了一件特定的作品。[40]

绘画样式

主要文章：风格（视觉艺术）

风格有两种感觉：它可以指代特定于一个特征的独特视觉元素，技术和方法个人艺术家的作品。它也可以参考移动或艺术家与之相关的学校。这可能源于艺术家有意识地参与的实际群体，也可以是艺术史学家将画家置于的类别。在后一种意义上，“风格”一词在有关当代绘画的学术讨论中失去了青睐，尽管它继续在流行环境中使用。这样的运动或分类包括以下内容：

西

现代主义

现代主义描述了一组文化倾向和一系列相关的趋势文化运动，最初是由广泛和深远的变化引起的西方社会在19世纪末和20世纪初。现代主义是对保守价值观的反抗现实主义.[41][42]该术语涵盖了那些感觉到“传统”形式的艺术，建筑，文学，宗教信仰，社会组织和日常生活的人的活动和产量，在新出现的新经济，社会和政治条件中已经过时了世界。现代主义的显著特征是自我意识。这通常会导致形式的实验，并引起人们对所使用的过程和材料的关注（以及进一步的抽象趋势）。[43]

印象派
克劳德·莫奈（Claude Monet）1872年印象，日出启发了运动的名称

绘画中现代主义的第一个例子是印象派，最初专注于工作的绘画学校，而不是在工作室，而是在户外（en plein空气）。印象派绘画表明，人类看不到物体，而是看到光本身。尽管其领先的从业者内部有内部分歧，但学校还是越来越有影响力的人。最初拒绝当时最重要的商业表演，政府赞助巴黎沙龙， 这印象派主义者在1870年代和1880年代，在商业场所举办的年度小组展览，使他们与官方沙龙一致。1863年的重大事件是沙龙拒绝， 由...制作拿破仑三世皇帝展示巴黎沙龙拒绝的所有绘画。

抽像样式

抽象绘画使用视觉语言形式，颜色和线条创造出可能存在与世界视觉参考的独立性相关的构图。[44][45]抽象表现主义是美国邮政 - 第二次世界大战艺术运动结合了德国人的情感强度和自我克制表现主义者借助欧洲抽象学校的反基因美学，例如未来主义，包豪斯和立体主义，以及叛逆，无政府状态，高度特质的形象，有些人感到虚无主义。[46]

动作绘画，有时被打电话手势抽象，是一种绘画风格，其中油漆自发地运球，溅到或涂抹在画布上，而不是小心地涂抹。[47]最终的工作通常强调绘画本身的物理行为是成品作品或艺术家关注的重要方面。从1940年代到1960年代初，这种风格一直很广泛，并且与抽象表现主义（一些批评家互换使用了“动作绘画”和“抽象表现主义”一词）。

其他现代主义风格包括：

局外人艺术

期限局外人艺术是由艺术评论家1972年罗杰·卡迪纳（Roger Cardinal）作为Art Brut的英语同义词（法语：[aʁbʁyt]，“原始艺术”或“粗糙艺术”），由法语艺术家让·杜布菲特（Jean Dubuffet）来描述艺术在官方文化的边界之外创建；Dubuffet特别关注艺术疯狂的糖苷囚犯。[48]局外人艺术已成为成功的艺术营销类别（自1992年以来在纽约举行了年度局外人艺术博览会）。该术语有时被误导为主流“艺术世界”以外的人创造的艺术品的全部营销标签，而不论他们的情况或工作内容如何。

光真主

光真主是基于使用摄像机和照片收集信息的绘画类型照片。该术语主要应用于美国的绘画艺术运动这始于1960年代末和1970年代初。作为成熟的艺术运动，光真实主义从流行艺术[49][50][51]作为对抗抽象表现主义.

超现实主义是类似于高分辨率的绘画和雕塑的类型照片.超现实主义是一所成熟的学校艺术可以被认为是通过创建所产生的绘画或雕塑的方法来考虑光真相的进步。该术语主要适用于自2000年代初期以来美国和欧洲的独立艺术运动和艺术风格。[52]

超现实主义

超现实主义是一种始于1920年代初期的文化运动，以与与之相关的人的艺术和文学作品而闻名超现实主义运动。超现实主义的艺术品具有惊喜，不可思议，无意识，意外的并置和非续顺序的元素；然而，许多超现实主义艺术家和作家将他们的作品视为哲学运动的表达，首先是作品，这是工件。领导者安德烈·布雷顿他断言超现实主义首先是革命运动。

超现实主义从达达活动第一次世界大战运动中最重要的中心是巴黎。从1920年代开始，运动遍布全球，最终影响了视觉艺术，文学，电影和音乐在许多国家以及政治的思想和实践，哲学和社会理论.

也可以看看：绘画概述§绘画样式

东亚

东南亚

伊斯兰

印度人

微型绘画

微型绘画是印度前彩色绘画的主要形式。这些是在使用矿物和自然色的特殊纸（称为Wasli）上完成的。微型绘画不是一种风格，而是一组绘画学校的一组，例如莫卧儿，帕哈里，拉贾斯坦，公司风格等。

莫卧儿微型绘画是一种特殊的风格南亚，特别是北印度人（更具体地说是现代印度和巴基斯坦），绘画仅限于缩影作为书籍插图，要幺作为单一作品要保存在专辑中（Muraqqa）。它出现了[53]从波斯微型绘画（本身的一部分中国血统），并在法院开发莫卧儿帝国在16至18世纪。莫卧儿绘画立即对逼真的肖像画产生了比波斯缩影的典型兴趣。动物和植物是许多专辑缩影的主要主题，并且更现实地描绘了。[54][55][56]

拉贾斯坦绘画在皇家法院的发展和繁荣拉杰普塔纳[57]在印度北部，主要是在17世纪。艺术家接受了传统的训练莫卧儿微型被分散在

克里希纳和拉达，可能是NihâlChand，拉杰普特绘画的基沙加加尔大师

帝国莫卧儿法院（Imperial Mughal Court），并开发了风格，还从当地的绘画传统中汲取了风格，尤其是那些说明梵文史诗的绘画传统，摩ab婆罗多和Ramayana。受试者各不相同，但是统治家庭的肖像通常从事狩猎或日常活动，通常很受欢迎，史诗般的叙事场景或印度神话，还有一些流派场景景观和人类。[58][59][60]旁遮普山或帕哈里绘画其中坎格拉（Kangra），格勒（Guller），巴索利（Basholi）是主要的子型。Kangra绘画是坎格拉， 而得名坎格拉，喜马al尔邦， 前任王子状态，光顾艺术。随着褪色的流行Basohli绘画学校在18世纪中叶。[61][62]Kangra绘画的焦点主题是Shringar（色情情绪）。在Kangra绘画中看到这些主题表现出那个时期社会生活方式的品味和特征。[63]艺术家采用了爱情诗的主题Jayadeva和Keshav Das谁狂喜地写着爱拉达和克里希纳和巴克提是推动力。[64][65]

可汗巴哈杜尔汗（Khan Bahadur Khan）和他的氏族的男人，c。1815年，来自Fraser专辑，公司风格

公司风格是印度艺术家在印度制作的印度绘画混合风格的术语，其中许多人为欧洲顾客工作英国东印度公司或18世纪和19世纪的其他外国公司。[66]在三个英国电力中心出现了三种不同风格的公司绘画风格 - 德里，加尔各答和马德拉斯。为西方顾客制作的公司绘画的主题通常是纪录片而不是富有想像力的，因此，印度艺术家必须采用比传统上通常的绘画方法采用更自然的绘画方法。[67][68]

这锡克教风格&Deccan风格是印度的其他突出的微型绘画风格。

皮奇绘画

Pichwai绘画是纺织品上的绘画，通常描绘克里希纳勋爵一生中的故事。这些是以大格式制成的，经常用作寺庙或房屋中主要偶像的背景。Pichwai绘画是制造的，仍然主要在印度拉贾斯坦邦制作。然而，在德干地区制造的很少，但是这些非常罕见。

民间艺术

Pattachitra是传统，基于布的一般术语滚动绘画，位于东印度东部状态的奥里萨邦和西孟加拉邦.[69]Pattachitra绘画传统与敬拜主紧密相关Jagannath在奥里萨邦。[70]Pattachitra的主题仅限于宗教主题。Patachitra Artform以其复杂的细节以及刻在其中的神话叙事和民间故事而闻名。绘画中使用的所有颜色都是天然的，绘画是由Odiya Painter的Chitrakaras制成的完全古老的传统方式。Pattachitra绘画风格是最古老，最受欢迎的艺术形式之一奥里萨邦。Patachitras是一个古老的组成部分孟加拉叙事艺术，最初在歌曲的表演过程中充当视觉设备。[71][72][73]

Madhubani艺术是一种风格印度绘画，在米西拉地区印度和尼泊尔。该风格的特征是复杂的几何图案，这些绘画以代表用于节日，宗教仪式等特定场合的仪式内容而闻名。[74]

沃利是印度的另一种民间部落艺术形式。

孟加拉学校

孟加拉学校[75]曾是一个艺术运动和一种风格印度绘画起源于孟加拉，主要是加尔各答和Shantiniketan，在整个过程中蓬勃发展印度次大陆， 在此期间英国拉吉在20世纪初。[76]孟加拉学校作为一所前卫加德民族主义运动反应学术艺术风格以前曾在印度晋升，包括印度艺术家，例如Raja Ravi Varma和英国艺术学校。学校想建立一种独特的印度风格，庆祝土着文化遗产。试图拒绝殖民美学，Abanindranath Tagore还求助于中国和日本，目的是促进泛亚美学并结合了远东艺术的元素，例如日本洗涤技术.[77][78][79]

其他

19世纪的迈索尔女神画Saraswathi

非洲人

当代艺术

1950年代

1960年代

1970年代

1980年代

1990年代

2000年代

绘画类型

寓言

寓言是一个象征性模式代表传达含义以外的其他意义。寓言通过象征性数字，动作或符号表示。寓言通常被视为修辞，但是寓言不必在语：可以将其介绍给眼睛，并且经常在现实的绘画中找到。简单视觉寓言的一个例子是死神。观众了解到，死神的形像是死亡的象征性表示。

Bodegón

弗朗西斯科·德·佐尔巴拉恩（Francisco deZurbarán），静物与陶器罐（西班牙语：Bodegón de recipientes（1636），帆布上的油，46 x 84厘米，博物馆Del Prado，马德里

在西班牙艺术， 一个Bodegón是一个静物绘画描绘的食品储藏室，例如闲逛，游戏和饮料，通常安排在简单的石板上，还有一幅或多个人物的画，但静止的寿命元素通常位于厨房或小酒馆中。从巴洛克式时期，这种绘画在17世纪第二季度在西班牙流行。静物绘画的传统似乎已经开始，并且在当代中更受欢迎低地国家，今天比利时和荷兰（当时是佛兰德和荷兰艺术家），比以往欧洲南部.北部仍然生活有许多子流派：早餐被trompe-l'-il， 这花束，和Vanitas。在西班牙，这种事情的顾客更少，但是早餐确实很受欢迎，其中包含一些食品和餐具对象。

图画

一个图画是一个艺术品在任何主要主题的绘画媒体中，无论是穿衣服还是裸体。人物绘画也可能是指创建此类作品的活动。自从第一石器时代洞穴绘画以来，人类的身材一直是艺术的对比主题之一，并且在整个历史上都重新解释了各种风格。[82]一些以人物绘画而闻名的艺术家是彼得·保罗·鲁本斯，埃德加·德加（Edgar Degas）， 和ÉdouardManet.

Reza Abbasi，两个恋人（1630）

插图绘画

插图绘画是用作书籍，杂志，戏剧或电影的插图海报和漫画书。如今，人们对收集和欣赏原始艺术品的兴趣越来越大。各种博物馆展览，杂志和美术馆都为过去的插画家提供了空间。在视觉艺术世界中，与美术家和美术家相比，插画家有时被认为不太重要平面设计师。但是由于电脑游戏以及漫画行业的增长，插图变得越来越受欢迎且有利可图的艺术品，这些艺术品可以比其他两个市场更广泛地获得市场，尤其是在韩国， 日本，香港和美国。

山水画

主要文章：景观艺术
Andreas Achenbach，西西里岛的海岸清理（1847），沃尔特斯美术馆[83][84]

山水画一个术语涵盖了自然风光的描绘，例如山脉，山谷，树木，河流，湖泊和森林，尤其是艺术，其中主要主题是广阔的视野，其元素排列成一致的构图。在其他作品中，人物的景观背景仍然可以构成工作的重要组成部分。天空几乎总是包含在视图中，天气通常是组成的元素。在所有艺术传统中都找不到详细的景观作为一个独特的主题，并且在代表其他主题的复杂传统时就会发展。这两个主要传统来自西方画和中国艺术，在两种情况下都可以追溯到一千年中。

肖像画

肖像画是一个人的表现，其中面部及其表达主要是主导。目的是显示相似之处，性格，甚至人的心情。肖像的艺术在古希腊，尤其是罗马雕塑，在保姆需要个性化和现实的肖像，甚至是不讨人喜欢的肖像。西方世界上最著名的肖像之一是莱昂纳多·达芬奇标题为蒙娜丽莎，被认为是丽莎·格拉迪尼（Lisa Gherardini），Francesco del Giocondo的妻子。[85]

静物

奥托·马苏斯·范·施里克，森林地板静物（1666）

一个静物是艺术描绘大多数是无生命的主题，通常是常见的物体 - 可能是天然的（食物，鲜花，植物，岩石或贝壳）或人造的（水杯，书籍，花瓶，珠宝，珠宝，硬币，管道等）。起源于中世纪和古希腊/罗马艺术，静物画使艺术家在构图中的设计元素的布置中比其他类型的主题的绘画（例如景观或者画像。静物绘画，尤其是1700年之前，通常包含与所描绘的物体有关的宗教和寓言象征主义。一些现代静物破坏了二维障碍，并采用了三维混合媒体，并使用了发现的对象，摄影，计算机图形以及视频和声音。

Veduta

一个Veduta是一件高度详细的，通常是大规模的绘画城市景观或其他一些远景。这个类型的景观起源于法兰德斯，像这样的艺术家保罗·布里尔（Paul Bril）绘vedute早在16世纪。作为大巡回演出变得有些标准化，vedute在诸如罗马论坛或大运河之类的熟悉场景中，召回了贵族英国人的早期企业。在19世纪后期，对城市景观的更多个人印象取代了对地形准确性的渴望，而是通过绘画满足了地形准确性全景.

也可以看看

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进一步阅读

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  • W. Stanley Taft，Jr。和James W. Mayer（2000）。绘画科学。 Springer-verlag。