绘画

Leonardo da VinciMona Lisa (1503–1517)是世界上最知名的绘画之一。
在30,000至32,000年前的Chauvet洞穴中绘制了对一组犀牛的艺术描述。

绘画是将油漆颜料颜色或其他介质应用于固体表面的实践(称为“矩阵”或“支撑”)。通常用刷子将介质应用于底座,但可以使用其他工具,例如刀,海绵和喷枪

艺术中​​,“绘画”一词描述了动作的行为和结果(最终作品称为“绘画”)。对绘画的支撑包括诸如墙壁,纸张,帆布,木材,玻璃,,陶器,叶子,铜,铜和混凝土等表面,并且绘画可能包含多种其他材料,包括沙子,粘土,纸,灰泥,灰泥金叶和甚至整个对象。

绘画是视觉艺术的一种重要形式,它引入了诸如绘画构图手势叙事抽象之类的元素。绘画可以是自然主义和代表性的(如静物景观绘画),摄影,抽象,叙事,象征主义(如象征主义艺术中),情感(如表现主义)或政治性质(如artivism中)。

东方和西方艺术中绘画史的一部分都以宗教艺术为主。这种绘画的例子包括描绘陶器神话人物的艺术品,到西斯汀教堂天花板上的圣经场景,再到佛陀生活的场景(或其他宗教起源的图像)。

历史

史前Aurochs的洞穴绘画(法语Bos Primigenius Primigenius ),法国Lascaux
最古老的象征性绘画是对印度尼西亚卢本·杰里吉·萨莱(Lubang JerijiSaléh)洞穴中发现的公牛的描绘。它被绘制为40,000-52,000年前或更早。

最古老的绘画大约有40,000年的历史,在西欧的佛朗哥 - 塔巴里亚地区都发现,在马洛斯(印度尼西亚苏拉威西的洞穴中。然而,2018年11月,科学家报导了当时最古老的已知比喻艺术绘画,有40,000多名(可能年龄在52,000年)的年龄,是一只未知的动物,在印度尼西亚婆罗洲岛上的卢本·杰里吉·萨莱(Lubang JerijiSaléh)的洞穴中发现了一幅未知的动物。 ( Kalimantan )。 2019年12月,据估计,在苏拉威西Maros-Pangkep Karst中描绘猪狩猎的象征性洞穴绘画估计年龄甚至年龄至少为43,900年。该发现被认为是“讲故事的最古老的绘画记录,是世界上最早的象征性艺术品”。最近,据报导,在2021年,在印尼岛上发现了一只猪的洞穴艺术,可追溯到45,500年。但是,最早的绘画行为证据是在澳大利亚北部阿恩希姆(Arnhem)土地的两个岩石中发现的。在这些地点的最低材料层中,估计有60,000年历史的ocher块。考古学家还发现,在澳大利亚西北部金伯利地区的石灰石摇滚乐中保存了一幅岩石片段,其历史可追溯到40,000年。世界各地都有洞穴绘画的例子 -印度尼西亚法国西班牙葡萄牙意大利中国印度澳大利亚墨西哥等。在西方文化中,油画水彩画具有丰富而复杂的传统事情。在东方,墨水和颜色墨水历史上以同样丰富而复杂的传统为主。

摄影的发明对绘画产生了重大影响。在1829年制作的第一张照片后的几十年中,摄影过程得到了改善,并变得更广泛地实践,剥夺了绘画其许多历史目的,以提供可观察到的世界的准确记录。在19世纪末和20世纪初的一系列艺术运动,尤其是印象派印象派野蛮主义表现主义立体主义达达主义- 挑战了世界文艺复兴时期的观点。然而,东部和非洲的绘画持续了长期的风格化历史,同时又没有进行同等的转变。

现代当代艺术已经摆脱了有利于概念的手工艺和文档的历史价值。这并没有阻止大多数活着画家继续练习整个工作或部分作品的绘画。 21世纪绘画的活力和多功能性无视其灭亡的先前“声明”。在一个以多元主义思想为特征的时代中,就年龄的代表性风格尚无共识。艺术家继续以各种风格和美学的气质制作重要的艺术作品 - 他们的优点将留给公众和市场。

女权主义的艺术运动始于1960年代的第二波女权主义。该运动试图赢得女性艺术家在国际上获得平等的权利和平等机会。

绘画要素

Chen Hongshou (1598–1652),叶专辑绘画明朝
Shows a pointillist painting of a trombone soloist.
乔治·塞拉特 Georges Seurat

颜色和色调

色调饱和度价值组成的颜色分散在表面上是绘画的本质,就像音乐本质一样。颜色是高度主观的,但具有可观察到的心理影响,尽管它们在一种文化之间可能有所不同。黑色与西方的哀悼有关,但在东方,怀特是。一些画家,理论家,作家和科学家,包括歌德坎丁斯基牛顿,都写了自己的色彩理论

此外,语言的使用只是颜色等效物的抽象。例如,“红色”一词可以涵盖光线纯红色的各种变化。没有类似颜色的正式登记册,就像在音乐中在不同的音符上达成共识,例如fc♯ 。对于画家而言,颜色不简单地分为基本(主要)和衍生(互补或混合)颜色(例如红色,蓝色,绿色,棕色等)。

画家实际上处理了颜料,因此,对于画家来说,“蓝色”可以是任何蓝色:邻苯二甲胺蓝普鲁士蓝色靛蓝钴蓝色乌尔特马林等。严格来说,颜色的心理和象征意义不是绘画的手段。颜色只会增加含义的潜力,派生的背景,因此,对绘画的看法是高度主观的。与音乐的类比相当明显 - 音乐中的想法(如c音符)类似于绘画中的“光”,“阴影”,而“色彩”是绘画的,因为乐器的特定音色是音乐。这些元素不一定形成自己的旋律。相反,他们可以在其中添加不同的上下文。

非传统元素

现代艺术家已经扩展了大量绘画的实践,以示例拼贴画,从立体主义开始,并不是严格的绘画。一些现代画家融合了不同的材料,例如金属,塑料,沙子水泥稻草叶子木材的质地。例如,让·杜布菲特(Jean Dubuffet)安塞尔姆·基弗(Anselm Kiefer)的作品。越来越多的艺术家社区使用计算机使用Adobe PhotoshopCorel Painter等程序将计算机“绘制”数字“画布”。如果需要,可以将这些图像打印到传统画布上。

韵律

Jean MetzingerLa Danse(Bacchante) c。1906 ),帆布上的油,73 x 54 cm, Kröller-Müller博物馆

让·梅辛格(Jean Metzinger )的摩西式分裂主义技术在文学上具有相似之处。象征作家与新印象派艺术家之间的联盟的特征:

我要求分裂的刷子不是光的客观渲染,而是虹彩和颜色的某些方面仍然是绘画的。我进行了一种色化的功能,对于音节,我使用的笔触数量变化,而不需要修改绘画措辞的节奏,而绘画措辞的节奏注定要翻译自然引起的多种情绪。 (让·梅辛格(Jean Metzinger),1907年

彼得·蒙德里安 Piet Mondrian

对于诸如Piet Mondrian等艺术家的节奏,对于绘画而言在音乐中很重要。如果人们将节奏定义为“暂停纳入序列”,那么绘画中可能会有节奏。这些暂停使创造力可以干预并添加新的作品 - 形式,旋律,颜色。形式或任何类型的信息的分布在给定的艺术品中至关重要,它直接影响了该作品的美学价值。这是因为审美价值取决于功能,即感知的自由被视为美丽。在艺术以及其他形式的“ Techne ”中的自由流动直接有助于审美价值。

音乐对抽象艺术的诞生很重要,因为音乐本质上是抽象的 - 它不会试图代表外部世界,而是直接表达灵魂的内在感觉。 Wassily Kandinsky经常使用音乐术语来识别他的作品。他称他最自发的绘画为“即兴创作”,并将更精致的作品描述为“作品”。坎廷斯基(Kandinsky)理论上认为“音乐是终极老师”,随后开始了他的十个作品中的前七个。坎廷斯基(Kandinsky)在绘画时听到音调和和弦,理论上(例如),黄色是黄铜小号上中间C的颜色。黑色是封闭的颜色,也是事物的结尾。颜色的组合产生了振动频率,类似于钢琴上演奏的和弦。 1871年,年轻的坎丁斯基学会了弹钢琴和大提琴。坎廷斯基(Kandinsky)在展览上表演穆索尔格斯基(Mussorgsky )图片的舞台设计说明了他的“ Synaesthetic”概念,即形式,色彩和音乐声音的通用对应。

音乐定义了许多现代主义抽象绘画。杰克逊·波洛克(Jackson Pollock)强调了他的1950年绘画秋天节奏(第30位)的兴趣。

美学和理论

女画家坐在露营厂上,将狄俄尼索斯普里亚布斯的雕像涂在一个男孩举行的面板上。 1世纪庞贝的壁画

美学是对艺术美丽的研究。对于康德黑格尔等18世纪和19世纪的哲学家来说,这是一个重要的问题。像柏拉图亚里士多德这样的古典哲学家也尤其是关于艺术和绘画的理论。柏拉图在他的哲学体系中无视画家(以及雕塑家)。他坚持认为绘画不能描绘真相- 它是现实的副本(思想世界的阴影),只不过是一种工艺,类似于制鞋或熨烫。到莱昂纳多(Leonardo)时期,绘画已成为真理的近来代表,而不是在古希腊的绘画。相反,莱昂纳多·达·芬奇(Leonardo da Vinci)说,“意大利语lapitturaècosamentale ”(“英语:绘画是思想的东西”)。康德以明显优先考虑前者的优先事项来区分美丽崇高。尽管他没有特别提到绘画,但这个概念是由JMW TurnerCaspar David Friedrich等画家所接受的。

A relief against a wall shows a bearded man reaching up with his hands as his clothes are draped over his body.
尼诺·皮萨诺(Nino Pisano ),胃或详细绘画艺术(1334–1336);意大利佛罗伦萨乔托的钟楼的救济

黑格尔意识到未能达到美容的普遍概念,并在他的美学文章中写道,绘画是三种“浪漫”艺术之一,以及诗歌音乐,其象征性,高度智力的目的。撰写绘画理论作品的画家包括坎丁斯基保罗·克莱。坎廷斯基在他的文章中坚持认为绘画具有精神价值,他将原色附着在基本的感觉或概念上,这是歌德和其他作家已经尝试做的。

肖像学是对绘画内容而不是其风格的研究。埃文·帕诺弗斯基(Erwin Panofsky)和其他艺术史学家首先寻求理解所描绘的事物,然后在当时对观众的含义,最后分析其更广泛的文化,宗教和社会意义。

1890年,巴黎画家莫里斯·丹尼斯(Maurice Denis)著名地断言:“请记住,一幅画- 在成为战马,裸露的女人或某些故事或其他故事之前,基本上是一个平坦的表面,上面覆盖着一定顺序的颜色。”因此,许多20世纪的绘画发展,例如立体主义,是对绘画手段而不是外部世界(自然)的思考,而不是以前是其核心主题。画家和作家朱利安·贝尔(Julian Bell)提供了有关绘画思维的最新贡献。在他的书中,什么是绘画? ,贝尔通过历史讨论了绘画可以表达感觉和思想的观念的发展。贝尔写道:在世界镜子中:

一项艺术品试图引起您的注意并保持固定:艺术的历史促使它继续前进,在想像中的家中推销了一条高速公路。

绘画媒体

通常通过介质识别出不同类型的油漆,该介质悬挂或嵌入了颜料,这决定了油漆的一般工作特征,例如粘度可溶性溶解度,干燥时间等。

热蜡或迷人

来自埃及圣凯瑟琳修道院(6世纪)的魅力偶像

迷人的绘画,也称为热蜡绘画,涉及使用加热的蜂蜡,添加了彩色颜料。然后将液体/糊状物应用于表面 - 固定的木材,尽管经常使用帆布和其他材料。最简单的诱人混合物可以是通过在蜂蜡中添加颜料来制成的,但是可以使用其他几种食谱 - 一些包含其他类型的Damar树脂亚麻籽油或其他成分。尽管有些混合物使用油漆或其他形式的颜料,但可以购买和使用纯粉状色素。金属工具和特殊的刷子可以在冷却之前对油漆进行塑造,也可以使用加热的金属工具来操纵蜡一旦将其冷却到表面上。其他材料可以使用迷失介质将其粘附到表面上,也可以其包裹或分层。

该技术是古希腊和罗马面板绘画的普通技术,并且在东方东正教偶像传统中一直使用。

水彩

约翰·马丁(John Martin),曼弗雷德(Manfred

水彩是一种绘画方法,其中油漆由悬挂在水溶性车辆中的颜料制成。对水彩画的传统和最常见的支持是纸。其他支撑物包括纸莎草纸,树皮纸,塑料,牛皮纸皮革织物,木材和画布。在东亚,带有墨水的水彩画称为刷子绘画或滚动绘画。在中文韩文日本绘画中,它一直是主要的媒介,通常是黑色或棕色的。印度,埃塞俄比亚和其他国家也有悠久的传统。用水彩油漆绘制的指纹起源于中国。艺术家使用了各种类型的水彩画。一些例子是锅水彩,液体水彩,水彩笔和水彩铅笔。水彩铅笔(水溶性铅笔)可以使用湿或干。

水粉

Rudolf Reschreiter, Blick vonderHöllentalGlentalGetteZumHöllentalGletscherund und den Riffelwandspitzen ,Gouache(1921)

Gouache是​​一种水基油漆,由颜料和其他材料组成,旨在用于不透明的油漆方法。水粉与水彩不同,因为颗粒更大,色素与水的比率更高,并且还存在额外的惰性,白色颜料(例如粉笔) 。这使水粉更重,更不透明,具有更大的反射品质。像所有水媒体一样,它被水稀释。

墨水

SesshūTōyō四个季节的景观(1486),纸上的墨水和浅色

墨水绘画是用包含颜料或染料的液体进行的,用于为表面上色以产生图像,文本设计。墨水用于用笔刷子鹅毛笔绘制。墨水可以是一种复杂的培养基,由溶剂,颜料,染料,树脂润滑剂,溶解剂,表面活性剂颗粒物荧光剂和其他材料组成。油墨的组成部分有许多目的;墨水的载体,着色剂和其他添加剂控制墨水的厚度和厚度,并在干燥时外观。

搪瓷

让·德·法院(Jean de Court) (归因于),详细绘制了彩色的搪瓷菜(16世纪中叶),瓦德斯登(Waddesdon)大英博物馆

搪瓷是通过用粉状玻璃粉给基材(通常是金属)的底物制成的。称为色氧化物的矿物提供着色。在温度为750–850摄氏度(1380–1560华氏度)的温度下发射后,结果是玻璃和金属的融合层压。与大多数涂漆技术不同,表面可以处理和湿润的搪瓷用于装饰珍贵物体,但也用于其他目的。 Limoges搪瓷是文艺复兴时期的搪瓷绘画的领先中心,在装饰环绕的斑块或物体(例如或棺材)上有小的宗教和神话场景。在18世纪,搪瓷绘画在欧洲享有时尚,尤其是作为肖像画的媒介。在20世纪后期,金属上的瓷搪瓷技术被用作室外壁画的耐用媒介。

桑德罗·波蒂切利(Sandro Botticelli),《金星的诞生》,蛋

蛋彩画,也称为蛋彩蛋白,是一种永久性的快速干燥绘画介质,由彩色颜料与水溶性粘合剂培养基混合(通常是蛋黄或其他尺寸)。蛋彩画还指在这种媒介中所做的绘画。彩色绘画是非常持久的,并且最初几个世纪的例子仍然存在。鸡蛋彩蛋白是绘画的一种主要方法,直到1500年后,油漆的发明被取代。一种通常称为蛋彩的油漆(尽管不是),该油漆通常由美国的某些制造商使用,并将其称为海报油漆

壁画

白色天使(壁画,第1235页),塞尔维亚的米尔舍瓦修道院

壁画是几种相关的壁画类型中的任何一种,在墙壁或天花板上的石膏上进行。 Fresco一词来自意大利语affresco [afˈfresːko] ,该单词源自拉丁语单词。经常在文艺复兴时期和其他早期时期制作壁画。 Buon Fresco技术包括在颜料上绘画与水混合在薄薄的潮湿,新鲜的石灰砂浆石膏上,为此使用了意大利语,用于石膏, Intonaco 。相比之下, Secco绘画是在干石膏上进行的(意大利语中的Secco是“干”的)。颜料需要结合培养基,例如鸡蛋彩蛋白),胶水或才能将颜料连接到壁上。

HonoréDaumier《画家》 (1808- 1879年),面板上的油,可见笔触

油画是用颜料绘画的过程,这些颜料与干燥油的介质结合,例如亚麻籽油,该油在现代欧洲早期广泛使用。通常将油与树脂(如松树脂甚至乳香)煮沸。这些被称为“清漆”,并因其身体和光泽而受到珍视。油漆最终成为创作艺术品的主要媒介,因为其优势已广为人知。过渡始于北欧早期的荷兰绘画,到文艺复兴时期的油画技术的高度几乎完全取代了欧洲大部分地区的彩画。

柔和

莫里斯·昆汀·德拉(Maurice Quentin de la Tour)法国路易十五(1748)的肖像,帕斯特尔

柔和的是一种棍子形式的绘画介质,由纯粉色色素和粘合剂组成。粉彩中使用的颜料与用于生产所有有色艺术媒体(包括油漆)的颜料相同。粘合剂具有中性色调和低饱和度。粉彩的颜色效应比任何其他过程都更接近天然干颜料。由于柔和绘画的表面易碎且容易弄脏,因此其保存需要保护性措施,例如玻璃下的框架。它也可以用固定剂喷涂。但是,当用永久性颜料制成并得到适当照顾时,粉彩绘画可能会持续数百年。蜡笔不易感,就像用流体介质制成的绘画一样,是由于介质干燥时的颜色,不透明度或尺寸的变化而导致的裂纹和变色。

丙烯酸纤维

Ray BurggrafJungle Arc (1998),木材上的丙烯酸涂料

丙烯酸涂料是在丙烯酸聚合物乳液中含有色素悬浮液的快速干燥油漆。丙烯酸涂料可以用水稀释,但在干燥时会变得耐水。根据涂料的稀释程度(用水)或用丙烯酸凝胶,培养基或糊剂修饰,成品丙烯酸绘画可以类似于水彩油画,或者俱有与其他媒体无法实现的独特特征。大多数丙烯酸和油漆之间的主要实际区别在于固有的干燥时间。油可以使更多的时间混合颜色,并在未成熟的情况下涂抹釉料。这种缓慢的油干燥方面可以看作是某些技术的优势,但也可能阻碍艺术家快速工作的能力。另一个区别是,必须将水彩画涂在多孔的表面上,主要是水彩纸。丙烯酸涂料可用于许多不同的表面。丙烯酸和水彩易于用水清理。使用后,应立即用肥皂和水清洁丙烯酸涂料。水彩油漆可以用水清洗。

在1946年至1949年之间,伦纳德·博科尔(Leonard Bocour)萨姆·金(Sam Golden)在品牌Magna油漆下发明了丙烯酸涂料。这些是基于矿物精神的油漆。随后以水性丙烯酸涂料作为乳胶房屋涂料出售。 1963年,乔治·罗尼(George Rowney)(自1983年以来的达勒·劳尼(Daler-Rowney)的一部分)是第一个以“ Cryla”品牌“ Cryla”在欧洲介绍艺术家的丙烯酸涂料的制造商。丙烯酸酯是纹理中最常见的油漆,这是一种超现实主义技术,开始随着这种油漆的出现而使用。丙烯酸用于此目的是因为它们很容易从表面刮擦或剥离。

喷漆

气溶胶涂料(也称为喷漆)是一种涂料,它装在密封的加压容器中,并在凹陷阀钮扣时以精细的喷雾雾气释放。一种喷漆形式,气溶胶涂料留下了光滑,均匀涂层的表面。标准尺寸的罐头便宜,便宜且易于存储。气溶胶底漆可直接应用于裸金属和许多塑料。

速度,便携性和永久性也使气溶胶涂料成为常见的涂鸦培养基。在1970年代后期,街道涂鸦作家的签名和壁画变得更加精心制作,并且是一种独特的风格,作为气溶胶培养基的一个因素和非法工作所需的速度。现在,许多人将涂鸦和街头艺术视为一种独特的艺术形式,专门为涂鸦艺术家制作了气溶胶涂料。模板保护表面,除了要绘制的特定形状。模具可以作为可移动字母购买,以专业剪裁的徽标或手工切割。

水不良油漆

水性混蛋油漆(也称为“水溶性”或“可水合性”)是一种现代的油漆,该油漆设计为稀释并用水清洁,而不必使用诸如防针汀等化学物质。它可以使用与传统油基油漆相同的技术混合和涂抹,但是尽管仍然湿润,它可以从刷子,调色板和带有普通的肥皂和水的抹布中有效地将其除去。它的水溶性来自使用培养基,其中分子的一端已改变以与水分子松散结合,如溶液中。

砂饰是倒彩色沙子,矿物或晶体的粉状色素,或其他天然或合成源的色素上的粉状色素,以制成固定或未固定的砂漆。

数字绘画

数字绘画是一种以数字方式创建艺术对象(绘画)或在计算机上制作数字艺术技术的方法。作为创建艺术物体的一种方法,它可以通过丙烯酸涂料墨水水彩等适应传统的绘画媒介,并将颜料应用于传统载体,例如编织帆布布,纸,聚酯等。驱动工业机器人或办公机械(打印机)的软件。作为一种技术,它是指使用虚拟画布和虚拟绘画框的刷子,颜色和其他用品的计算机图形软件程序。虚拟框包含许多不存在计算机外部的乐器,并且使数字艺术品与传统方式的艺术品具有不同的外观和感觉。此外,数字绘画不是“计算机生成的”艺术,因为计算机不会使用一些数学计算在屏幕上自动创建图像。另一方面,艺术家使用自己的绘画技术在计算机上创建了一件特定的作品。

绘画样式

样式有两种感官使用:它可以指代其独特的视觉元素,技术和方法来代表单个艺术家的作品。它还可以指艺术家与之相关的运动或学校。这可能源于艺术家有意识地参与的实际群体,也可能是艺术史学家将画家置于的类别。在后一种意义上,“风格”一词在有关当代绘画的学术讨论中失去了青睐,尽管它继续在流行环境中使用。这样的运动或分类包括以下内容:

西

现代主义

现代主义描述了一系列文化趋势,也描述了一系列相关的文化运动,最初是由19世纪末和20世纪初的西方社会的广泛和深远的变化引起的。现代主义是对现实主义的保守价值观的反抗。该术语涵盖了那些认为“传统”形式的艺术,建筑,文学,宗教信仰,社会组织和日常生活的人的活动和产量,在新兴的新经济,社会和政治条件中已经过时了世界。现代主义的显著特征是自我意识。这通常会导致形式的实验,并引起人们对所使用的过程和材料的关注(以及进一步的抽象趋势)。

印象派

克劳德·莫奈(Claude Monet )1872年的印象,日出启发了运动的名字

绘画中现代主义的第一个例子是印象派,这是一所绘画学校,最初专注于所做的工作,而不是在工作室,而是在户外( En plein Air )。印象派绘画表明,人类看不到物体,而是看到光本身。尽管其领先的从业者内部分歧,但学校还是越来越有影响力的人。最初由当时最重要的商业表演拒绝了政府赞助的巴黎沙龙印象派主义者在1870年代和1880年代在商业场所举办了年度小组展览,并将其定时与官方沙龙相吻合。 1863年的一个重大事件是由拿破仑三世皇帝创建的沙龙拒绝的沙龙,以展示巴黎沙龙拒绝的所有画作。

抽像样式

抽象绘画使用形式,颜色和线条的视觉语言来创建与世界视觉参考的独立性可能存在的构图。抽象表现主义是美国第二次世界大战后的艺术运动,将德国表现主义者的情感强度和自我克制与欧洲抽象学校的反基因审美相结合,例如未来主义包豪斯立体主义,以及被视为的形象叛逆,无政府状态,高度特质,有些人感到虚无。

动作绘画,有时称为手势抽象,是一种绘画风格,其中油漆自发地运球,溅到或涂抹在画布上,而不是小心地涂抹。由此产生的工作通常强调绘画本身的物理行为是成品作品或艺术家关注的重要方面。从1940年代到1960年代初,这种风格一直很普遍,并且与抽象表现主义密切相关(一些批评家互换使用了“动作绘画”和“抽象表现主义”一词)。

其他现代主义风格包括:

局外人艺术

局外人艺术一词是由艺术评论家罗杰·卡迪纳尔(Roger Cardinal)在1972年创造的,作为艺术布鲁特的英语同义词(法语: [Aʁ 法国艺术家让·杜布菲特(Jean Dubuffet )创建的标签,旨在描述在官方文化的边界之外创作的艺术; dubuffet特别关注疯狂的艾氏囚犯的艺术。局外人艺术已成为成功的艺术营销类别(自1992年以来,在纽约举行了年度局外人艺术博览会)。该术语有时被误导为主流“艺术世界”以外的人创造的艺术的全部营销标签,而不管他们的情况或工作内容如何。

光真主

摄影主义是基于使用摄像头和照片收集信息然后从这些信息中收集信息的绘画类型的流派,创造了一种像照片一样非常现实的绘画。该术语主要应用于从1960年代末和1970年代初开始的美国艺术运动的绘画。作为一种成熟的艺术运动,光真实主义从波普艺术演变为对抽象表现主义的反驳。

超现实主义是类似于高分辨率照片的绘画和雕塑的一种流派。超现实主义是一所成熟的艺术学院,可以通过创建所产生的绘画或雕塑的方法来视为光真相的进步。该术语主要适用于自2000年代初期以来美国和欧洲的独立艺术运动和艺术风格。

超现实主义

超现实主义是一种始于1920年代初的文化运动,以与超现实主义运动相关的人的艺术和文学作品而闻名。超现实主义的艺术品具有惊喜,不可思议,无意识,意外的并置和非续顺序的元素;但是,许多超现实主义的艺术家和作家将他们的作品视为哲学运动的表达,首先是作品,而作品是人工制品。领导人安德烈·布雷顿(AndréBreton)在他的断言中明确说超现实主义首先是革命运动。

超现实主义是从第一次世界大战达达活动中发展出来的,该运动中最重要的中心是巴黎。从1920年代开始,该运动遍布全球,最终影响了许多国家的视觉艺术文学电影音乐,以及政治思想和实践,哲学社会理论

东亚

东南亚

伊斯兰

印度人

微型绘画

微型绘画是印度前彩色绘画的主要形式。这些是在使用矿物和自然色的特殊纸(称为Wasli)上完成的。微型绘画不是一种风格,而是一组绘画学校,例如莫卧儿,帕哈里,拉贾斯坦,公司风格等。

莫卧儿微型绘画南亚的一种特殊风格,尤其是北印度人(更具体地说是现代印度和巴基斯坦),绘画仅限于缩影作为书籍插图,或者是专辑中要保存的单一作品( MuraqQA ) 。它来自波斯的微型绘画(本身是中国血统),并在16至18世纪的莫卧儿帝国法院发展。莫卧儿绘画立即对现实的肖像画产生了比波斯缩影的典型兴趣。动物和植物是许多专辑缩影的主要主题,并且更现实地描绘了。

拉贾斯坦(Rajasthani)的绘画在印度北部的拉杰普塔纳(Rajputana)皇家法院(主要是在17世纪)演变和繁荣。接受了莫卧儿缩影传统训练的艺术家被散布在

克里希纳(Krishna)和拉达(Radha) ,可能是拉杰普特(Rajput

帝国莫卧儿法院(Imperial Mughal Court),并开发了风格,还借鉴了当地的绘画传统,尤其是那些说明梵文史诗,摩ab婆罗多(Mahabharata )和罗摩衍那(Ramayana)的绘画传统。受试者有所不同,但是经常从事狩猎或日常活动的统治家庭的肖像通常很受欢迎,史诗或印度神话中的叙事场景以及景观和人类的某些流派场景也很受欢迎。 Kangra,Guller,Basholi是主要的子风格,旁遮普山或帕哈里绘画。 Kangra Painting是Kangra的绘画艺术,以前王子国家喜马al尔邦Kangra的名字命名,它光顾了艺术。随着18世纪中叶Basohli绘画学校的淡出,它变得盛行。 Kangra绘画的焦点主题是Shringar(色情情绪)。在kangra绘画中可以看到这些主题表现出那个时期社会生活方式的品味和特征。艺术家采用了JayadevaKeshav Das的爱情诗歌的主题,他们狂喜地写道RadhaKrishnaBhakti是驱动力。

可汗巴哈杜尔汗(Khan Bahadur Khan)和他的氏族的男人,c。 1815年,来自Fraser专辑,公司风格

公司风格是印度艺术家在印度制作的混合印度 - 欧洲绘画风格的术语,其中许多人在18世纪和19世纪为英国东印度公司或其他外国公司的欧洲顾客工作。三种截然不同的公司绘画风格出现在三个英国电力中心 -德里加尔各答马德拉斯。为西方顾客制作的公司绘画的主题通常是纪录片而不是富有想像力的,因此,印度艺术家必须采用比传统上通常的绘画方法采用更自然的绘画方法。

锡克教风格Deccan风格是印度的其他著名微型绘画风格。

Pichwai绘画

Pichwai绘画是纺织品上的绘画,通常描绘了克里希纳勋爵一生中的故事。这些是以大格式制成的,通常用作寺庙或房屋中主要偶像的背景。 Pichwai绘画是制造的,仍然主要在印度拉贾斯坦邦制作。然而,在德干地区制造的很少,但是这些非常罕见。除艺术吸引力外,皮奇瓦伊斯的目的是将克里希纳的故事讲述文盲。寺庙的设置具有不同的图像,这些图像会根据庆祝神灵的节日日历进行了更改。

民间艺术

Pattachitra是位于印度东部奥里萨邦西孟加拉邦的传统,基于布的卷轴绘画的一般术语。 Pattachitra绘画传统与奥里萨邦对Jagannath勋爵的崇拜紧密相关。 Pattachitra的主题仅限于宗教主题。 Patachitra Artform以其复杂的细节以及刻在其中的神话叙事和民间故事而闻名。绘画中使用的所有颜色都是天然的,绘画是由Odiya Painter的Chitrakaras制成的完全古老的传统方式。 Pattachitra绘画风格是奥里萨邦最古老,最受欢迎的艺术形式之一。 Patachitras是古老的孟加拉叙事艺术的组成部分,最初是歌曲演奏期间的视觉设备。

Madhubani Art是印度绘画的一种风格,在印度和尼泊尔的Mithila地区实行。该风格的特征是复杂的几何图案,这些绘画以代表用于节日,宗教仪式等特定场合的仪式内容而闻名。

沃利(Warli)是印度的另一种民间部落艺术形式。

孟加拉学校

孟加拉学校是一种艺术运动,是一种起源于孟加拉印度绘画风格,主要是加尔各答Shantiniketan ,并在20世纪初的英国拉吉(British Raj)蓬勃发展。孟加拉学校以前卫的加德和民族主义运动的反应,对以前在印度宣传的学术艺术风格做出反应,包括Raja Ravi Varma等印度艺术家和英国艺术学校。学校想建立一种独特的印度风格,庆祝土着文化遗产。为了拒绝殖民美学, Abanindranath Tagore也转向了中国和日本,目的是促进泛亚美学和远东艺术中的元素,例如日本洗涤技术

其他的

19世纪的迈索尔女神萨拉斯瓦蒂(Saraswathi)

非洲人

当代艺术

1950年代

1960年代

1970年代

1980年代

1990年代

2000年代

绘画类型

Francisco deZurbarán静物与陶器罐西班牙语BodegónDeConfecentes )(1636年)(1636),油画上的油,46 x 84 cm

寓言

寓言是一种表达的象征性模式,传达了文字以外的其他意义。寓言通过符号数字,动作或符号表示来传达其信息。寓言通常被视为言辞的形象,但不必用语言表达寓言:它可以介绍给眼睛,并且经常在现实的绘画中找到。一个简单的视觉寓言的一个例子是Grim收割者的形象。观众了解到,死神的形像是死亡的象征代表。

Bodegón

Reza Abbasi两个恋人(1630)

西班牙艺术中, Bodegón是一幅静物绘画,描绘了储藏室的食品,例如田园,游戏和饮料,经常放在简单的石板上,也是一幅或多种数字的绘画,但重要的静物元素,通常是设置在厨房或小酒馆里。从巴洛克时期开始,这种画在17世纪的第二季度在西班牙流行。静物绘画的传统似乎已经开始,并且在当代低地国家,今天比利时和荷兰(当时是佛兰德和荷兰艺术家),比在南欧南部更受欢迎。 Northern Still Lifes有许多子类别:早餐件Trompe-L'Il ,The Flower BouquetVanitas增强。在西班牙,这种事情的顾客少得多,但是一种早餐确实很受欢迎,其中有一些食品和餐具的物品放在桌子上。

图绘画

人物绘画是任何绘画媒体中的艺术作品,主要主题是人物,无论是衣服还是裸体。图绘画也可能是指创建此类作品的活动。自第一批石器时代洞穴绘画以来,人物一直是艺术的对比主题之一,并且在整个历史上都重新诠释了各种风格。一些以人物绘画而闻名的艺术家是彼得·保罗·鲁本斯(Peter Paul Rubens)埃德加·德加斯(Edgar Degas )和ÉdouardManet

插图绘画

插图画是书籍,杂志,戏剧或电影海报和漫画书中的插图。如今,人们对收集和欣赏原始艺术品的兴趣越来越大。各种博物馆展览,杂志和美术馆都为过去的插画家提供了空间。在视觉艺术世界中,与优秀艺术家和图形设计师相比,插画家有时被认为不太重要。但是,由于计算机游戏和漫画行业的增长,插图变得越来越受欢迎且有利可图的艺术品,这些艺术品可以比其他两个市场,尤其是在韩国,日本,香港和美国更广泛的市场。

中世纪抄本的插图被称为照明,并单独手绘和绘画。随着15世纪印刷机发明的发明,书籍变得更加广泛,经常用木刻说明。在美国,从1880年代之前到20世纪初,这导致了“插图的黄金时代”。一小群插画家变得非常成功,他们创建的图像被认为是当时的美国愿望的肖像。在那个时期最著名的插图画家中,是白兰地学校NC WyethHoward PyleJames Montgomery FlaggElizabeth Shippen GreenJC LeyendeckerViolet Oakley ,Maxfield Oakley, Maxfield ParrishJessie Willcox SmithJohn Rea Neill 。 1905年,在法国,当代书协会委托保罗·乔夫(Paul Jouve)明鲁德亚德·吉卜林(Rudyard Kipling)的丛林书。保罗·乔夫(Paul Jouve)将十年将本书的130幅插图投入到这本书的130幅插图上,这些插图将仍然是Bibliophilia的杰作之一。

山水画

安德烈亚斯·阿坎巴赫(Andreas Achenbach)西西里岛海岸(1847年),沃尔特斯艺术博物馆

景观绘画是一个术语,涵盖了自然风光的描绘,例如山脉,山谷,树木,河流,湖泊和森林,尤其是艺术,其中主要主题是广阔的视野,其元素排列成一致的构图。在其他作品中,人物的景观背景仍然可以构成工作的重要组成部分。天空几乎总是包含在视图中,天气通常是构图的元素。在所有艺术传统中都找不到详细的景观作为一个独特的主题,并且在代表其他主题的复杂传统时就会发展。西方绘画中国艺术的这两个主要传统源于两种情况下,可以追溯到一千年中。

肖像画

内德·比丁(Ned Bittinger ), 《国会亚伯拉罕·林肯的肖像》 (2004年),美国国会

肖像画是一个人的代表,其中脸部及其表达是主要的。目的是展示人的形象,个性,甚至是人的心情。肖像画的艺术在古希腊,尤其是罗马雕塑中蓬勃发展,在那里,保姆要求个性化和现实的肖像,甚至是令人讨厌的肖像。西方世界上最著名的肖像之一是莱昂纳多·达·芬奇(Leonardo da Vinci )的画作,名为《蒙娜丽莎》(Mona Lisa) ,这被认为是弗朗切斯科·德尔·乔生多(Francesco del Giocondo)的妻子丽莎·格拉迪尼(Lisa Gherardini)的肖像。

沃霍尔(Warhol)是20世纪最多产的肖像画家之一。沃霍尔(Warhol)的画是玛丽莲·梦露Marilyn Monroe )的玛丽莲(Marilyn)的玛丽莲(Marilyn)是他1960年代作品的标志性早期例子,而流行歌手王子(Pop Singer Prince)的奥兰治·普林斯(Orange Prince,1984)则是后来的例子,都表现出沃霍尔(Warhol)独特的肖像画风格。

静物

Otto Marseus van Schrieck森林地板静物(1666年)

静物是一件艺术品,描绘了大多数无生命的主题,通常是常见的物体(食物,花朵,植物,岩石或贝壳)或人造(水杯,书籍,书籍,花瓶,珠宝,硬币) ,管道等)。起源于中世纪和古希腊/罗马艺术,与其他类型的主题(例如景观肖像画)相比,静止的绘画使艺术家在构图中的设计元素的布置使艺术家更有余地。静物绘画,尤其是1700年之前,通常包含与所描绘的物体有关的宗教和寓言象征主义。一些现代的静物破坏了二维障碍,并采用了三维混合媒体,并使用了发现的对象,摄影,计算机图形以及视频和声音。

Veduta

Veduta是一件高度详细的,通常是大型的城市景观或其他远景绘画。这种景观类型起源于法兰德斯(Flanders) ,在16世纪,保罗·布里尔(Paul Bril)等艺术家就在那里画了瓦特(Vedute) 。随着大巡回演出的行程变得有些标准化,诸如罗马论坛或大运河之类的熟悉场景的文章召回了贵族英国人的早期企业。在19世纪后期,对城市景观的更多个人印象取代了对地形准确性的渴望,而涂漆的全景则满足了地形准确性。

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