音乐
音乐通常被定义为安排声音的艺术，以创建形式，和谐，旋律，节奏或其他表现力的内容的组合。音乐的定义因文化而异，尽管这是所有人类社会和文化普遍的一个方面。尽管学者同意音乐是由一些特定元素定义的，但就其确切的定义尚无共识。音乐的创作通常分为音乐作品，音乐即兴创作和音乐表演，尽管该主题本身扩展到了学术学科，批评，哲学，心理学和治疗背景。音乐可以使用包括人类声音在内的各种乐器来执行或即兴演奏。
在某些音乐背景下，表演或作品可能在某种程度上是即兴创作的。例如，在印度斯坦古典音乐中，表演者在遵循部分定义的结构并使用特征图主题时自发播放。在模态爵士乐中，表演者可能会轮流和响应，同时分享一组不断变化的笔记。在免费的爵士乐背景下，可能没有任何结构，每个表演者都酌情行事。音乐可能是故意构成的，以从许多表演中以电子方式被以电子方式形成。音乐是在公共和私人区域播放的，在节日，摇滚音乐会和乐团表演等活动中强调，并作为电影，电视节目，歌剧或视频游戏的乐谱或配乐的一部分偶然地听到。音乐播放是MP3播放器或CD播放器的主要功能，也是收音机和智能手机的通用功能。
音乐经常在社交活动，宗教仪式，通道仪式，庆祝活动和文化活动中起关键作用。音乐行业包括词曲作者，表演者，声音工程师，制作人，旅游组织者，乐器，配饰和乐谱的分销商。音乐评论家，音乐记者和音乐学者以及业余爱好者评估和评估作品，表演和录音。
词源和术语
现代英语单词“音乐”在1630年代开始使用。它源自一长串的连续前代：13世纪中叶的古老英语“ Musike ”； 12世纪的古老法国穆斯克（French Musique） ；和拉丁语穆西卡。拉丁单词本身源自古希腊味觉（ Technē ） - μουσική （ τέχνη ） - 字面意义上的“（艺术）”。缪斯女神是古希腊神话中主持艺术和科学的九个神灵。最早的西方作家荷马和赫西奥德（Hesiod）将它们包括在故事中，并最终与音乐有关。随着时间的流逝，聚集会比其他缪斯女神更为突出音乐。拉丁语Musica也是通过拼写和语言调整的西班牙语Música和French Musique的创始人，尽管其他欧洲术语可能是借用词，包括意大利音乐，德国Musik ，荷兰语Muziek ，Norwegian Musikk ，波兰Muzyka和RussianMuzïka 。
现代西方世界通常将音乐定义为一个无所不包的术语，用于描述各种流派，风格和传统。在世界范围内，情况并非如此，现代印尼（ Musik ）和Shona （ Musakazo ）等语言最近采用了词来反映这一普遍概念，因为它们没有完全适合西方范围的词。在东亚的西方接触之前，日本和中国都没有一个单词，它涵盖了广义上的音乐，但是从文化上讲，他们经常以这种方式看音乐。最接近中文的音乐的词， Yue与Le分享了一个角色，意思是喜悦，最初是在含义缩小之前提到所有艺术的。非洲太多了，无法实现坚定的概括，但是音乐学家JH Kwabena Nketia强调了非洲音乐常常与舞蹈和演讲密不可分的联系。一些非洲文化，例如刚果民主共和国的宋耶人和尼日利亚的TIV人民，对“音乐”的概念很广，但在其母语中没有相应的词。其他通常被翻译为“音乐”的单词在各自的文化中通常具有更具体的含义：sangita的印地语单词，桑吉塔（Sangita ）正确地指艺术音乐，而美洲的许多土着语言都有音乐的单词，这些词专门指歌曲，但描述器乐音乐。尽管阿拉伯语Musiqi可以参考所有音乐，但通常用于器乐和公制音乐，而Khandan则标识了声乐和即兴音乐。
历史
起源和史前
经常会辩论音乐的起源在多大程度上可以理解，并且有竞争的理论旨在解释它。许多学者突出了音乐的起源与语言的起源之间的关系，无论音乐是否在之前，之后还是与语言同时开发，都存在分歧。类似的争论来源围绕着音乐是自然选择的故意结果还是进化的副产品伴侣。最早的有影响力的理论是由查尔斯·达尔文（Charles Darwin）在1871年提出的，他说音乐是一种性选择的一种形式，也许是通过交配电话。达尔文的原始观点因其与其他性选择方法的不一致而受到严重批评，尽管21世纪的许多学者已经发展并促进了这一理论。其他理论包括音乐来协助组织劳动，改善长距离交流，使与神的沟通受益，协助社区凝聚力或以防御恐惧的掠食者。
史前音乐只能根据旧石器时代考古网站的发现来理论上。从洞穴熊股骨雕刻而成的Divje Babe长笛被认为至少40，000年，尽管围绕它是真正的乐器还是动物形成的物体，但仍有相当大的争论。最早的物体被称为乐器被广泛接受的是来自德国斯瓦比亚朱拉（Swabian Jura）的骨头长笛，即来自盖森克尔斯特（Geissenklösterle），霍尔·费尔斯（ Hohle Fels）和沃格尔德（Vogelherd ）洞穴。可追溯到上旧石器时代的奥里尼亚族人，并由欧洲早期的现代人类使用，来自所有三个洞穴，有八个例子，四个由鸟的翅膀骨头制成，四个来自猛mm象象牙。其中三个接近完成。来自吉森克尔斯特尔（Geissenklösterle）的三个笛子的日期为最古老的c。 43,150–39,370 bp。
古代
埃及乐器的最早材料和代表性证据可以追溯到伴有前时期，但是在演奏竖琴，笛子和双簧管时，在旧王国中更牢固地证明了证据。中间王国将打击乐器，利雷斯和卢特斯添加到乐团中。 Cymbals经常伴随音乐和舞蹈，就像今天在埃及仍然一样。埃及民间音乐，包括传统的Sufi Dhikr仪式，是与古埃及音乐最接近的当代音乐类型，它保留了许多功能，节奏和乐器。
在古老的叙利亚城市乌加里特（ Ugarit ）的粘土片上发现的“赫尔·赞美诗（Hurrian Hymn to Nikkal） ”是最古老的音乐中最古老的音乐作品，可追溯到公元前1400年。
音乐是古希腊社会和文化生活的重要组成部分，实际上，它是教给儿童的主要主题之一。音乐教育被认为对个人灵魂的发展很重要。音乐家和歌手在希腊剧院中扮演着重要角色，那些接受音乐教育的人被视为贵族和完美的和谐（可以在柏拉图共和国阅读）。混合性别合唱团为娱乐，庆祝和精神仪式而表演。仪器包括双reed aulos和摘下的弦乐器，七弦琴，主要是一种称为Kithara的特殊形式。音乐是教育的重要组成部分，从六岁开始，男孩被教导音乐。希腊音乐素养创造了重大的音乐发展。希腊音乐理论包括希腊音乐模式，最终成为西方宗教和古典音乐的基础。后来，罗马帝国，东欧和拜占庭帝国的影响改变了希腊音乐。 Seikilos墓志铭是来自世界任何地方的完整音乐作品（包括音乐符号）的最古老的幸存例子。关于音乐理论主题的最古老的尚存作品是Aristoxenus的Harmonika Stoichia 。
亚洲文化
亚洲音乐涵盖了在阿拉伯，中亚，东亚，南亚和东南亚的文章中调查的许多音乐文化。一些传统陷入了古代。
印度古典音乐是世界上最古老的音乐传统之一。印度河谷文明的雕塑表演舞蹈和旧乐器，例如七洞长笛。莫蒂默·惠勒（Mortimer Wheeler）进行的发掘，已经从哈拉帕（Harappa ）和莫恩霍·达罗（Mohenjo Daro）中回收了弦乐器和鼓。里格维达（Rigveda）是一部古老的印度文字，上面有当前印度音乐的元素，并带有音乐符号，表示诵经的仪表和模式。印度古典音乐（MARGA）是单声道的，基於单个旋律系列或通过Talas组织的节奏。这首诗cilappatikaram提供了有关如何通过现有量表对滋补品的模态转移来形成新量表的信息。当今的印地语音乐受到波斯传统音乐和阿富汗Mughals的影响。 Carnatic音乐在南部州流行，在很大程度上是虔诚的。大多数歌曲都介绍给印度神灵。有歌曲强调爱情和其他社会问题。
自从公元前第二至3世纪，青铜时代文化迁移到印尼群岛以来，印尼音乐就已经形成。印尼传统音乐使用打击乐器，尤其是Kendang和Gongs 。他们中的一些人开发了精心设计的仪器，例如在死记硬背的萨桑多（Sasando）弦乐器，圣丹尼斯·昂克隆（ Sundanese Angklung ）以及复杂而复杂的爪哇人和巴厘岛的Gamelan乐团。印度尼西亚是Gong Chime的故乡，这是一组小型，高高的锅锣的一般术语。锣通常按顺序放置，船长擡起在低木架上的绳子上。印尼音乐最受欢迎的形式是Gamelan，它是一种调谐的打击乐器的合奏，其中包括金属载体，鼓，锣和尖峰提琴，以及竹子的闷闷不乐（例如长笛）。
中国古典音乐是中国的传统艺术或法院音乐，历史悠久，超过3000年。它具有自己独特的音乐符号系统，以及音乐调整和音调，乐器和风格或流派。中文音乐是五音调的-唱，有十二个音符的八度音符（5 + 7 = 12），以及受欧洲影响的音乐。
西方古典
早期音乐
中世纪的音乐时代（500至1400）发生在中世纪，始于引入单声道（单旋律系列）呼唤天主教教堂服务。自从古代文化中以来，使用了音乐符号，但是在中世纪，天主教会首先引入了符号，因此可以写下唱歌旋律，以促进在整个天主教帝国中使用相同的旋律用于宗教音乐。从800年之前发现的欧洲中世纪曲目是以书面形式发现的，是天主教堂的单声礼拜堂的平原颂歌，其中心传统被称为格里高利的颂歌。除了这些神圣和教会音乐的传统之外，还有一个充满活力的世俗歌（非宗教歌曲）的传统。这一时期作曲家的例子是莱昂宁， Pérotin ， Guillaume de Machaut和Walther von von der Vogelweide 。
文艺复兴时期的音乐（约1400至1600年）更专注于世俗主题，例如贪婪的爱情。在1450年左右发明了印刷机，这使得印刷的表乐园便宜得多，更容易大规模生产（在新闻发布会发明之前，所有注释的音乐都是手工播放的）。乐曲音乐的供应量提高，更快地传播了音乐风格。音乐家和歌手经常为教堂，法院和城镇工作。教堂合唱团的规模不断增长，教堂仍然是音乐的重要赞助人。到15世纪中叶，作曲家撰写了丰富的复音神圣音乐，其中不同的旋律线条同时交织在一起。这个时代的著名作曲家包括Guillaume du Fay ， Giovanni Pierluigi da Palestrina ， Thomas Morley ， Orlando Di Lasso和Josquin des Prez 。随着音乐活动从教堂转变为贵族法院，国王，皇后和王子争夺了最好的作曲家。许多领先的作曲家来自荷兰，比利时和法国。它们被称为佛朗哥 - 普兰米甚作曲家。他们在整个欧洲，尤其是意大利担任重要职务。其他充满活力的音乐活动的国家包括德国，英国和西班牙。
普通练习期
巴洛克式
巴洛克音乐时代发生在1600年至1750年，随着欧洲各地的巴洛克艺术风格蓬勃发展。在此期间，音乐在其范围和复杂性方面扩展。巴洛克音乐始于写第一部歌剧（由乐团伴随着戏剧性的独奏声乐）。在巴洛克时代，使用多个同时使用的独立旋律线条，仍然很重要（对立在中世纪时代的声乐中很重要）。德国巴洛克作曲家为小合奏写作，包括琴弦，黄铜和木管乐器，以及合唱团和键盘仪器，例如管风琴，大键琴和克拉维琴。在此期间，定义了几种主要的音乐表格，这些形式持续到后期，当时它们被扩展并进一步发展，包括赋格，发明，奏鸣曲和协奏曲。巴洛克式晚期的风格是整合的复杂且装饰丰富的。巴洛克时代的重要作曲家包括约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（大提琴套房），乔治·弗里德里奇·汉德尔（ Missiah ），乔治·菲利普·泰勒曼（Georg Philipp Telemann ）和安东尼奥·维瓦尔迪（ Antonio Vivaldi ）（四个季节）。
古典主义
古典时期的音乐（1730年至1820年）旨在模仿古希腊和罗马的艺术和哲学的关键要素：平衡，比例和纪律表达的理想。 （注意：古典时期的音乐不应与一般的古典音乐混淆，该术语是指从5世纪到2000年代的西方艺术音乐，其中包括古典时期是许多时期之一）。与之前的巴洛克音乐相比，古典时期的音乐具有更轻，清晰，更简单的质感。主要风格是同质风格，其中杰出的旋律和下属的和弦伴奏部分显然是不同的。古典的乐器旋律几乎是语音的旋律。开发了新的流派，现代钢琴的先驱Fortepiano取代了巴洛克时代的大键琴和管风琴作为主键盘仪器（尽管诸如大众之类的神圣音乐中继续使用管风琴）。
重要的是乐器音乐。它是由最初在巴洛克时期定义的音乐形式的进一步发展的主导的：奏鸣曲，协奏曲和交响曲。其他主要种类是三重奏，弦乐四重奏，小夜曲和Divertimento 。奏鸣曲是最重要和发展的形式。尽管巴洛克作曲家还写了奏鸣曲，但奏鸣曲的古典风格是完全不同的。从弦乐四重奏到交响曲和协奏曲的古典时代的所有主要工具形式都是基于奏鸣曲的结构。使用室内音乐和乐团的乐器变得更加标准化。代替巴洛克时代的Basso Continuo小组，由大键琴，器官或琵琶以及许多由小组负责人酌情选择的低音乐器（例如，Vial，vir，大提琴，理论，蛇），古典室内室内组所使用的指定的标准化仪器（例如，将通过两个小提琴，中提琴和大提琴执行弦乐四重奏）。 Continuo键盘手或琵琶演奏家的即兴演奏的练习是巴洛克音乐的标志，在1750-1800之间逐渐下降。
在古典时期，最重要的变化之一是开发公共音乐会。贵族在音乐会和作品的赞助中仍然发挥着重要作用，但现在作曲家可以生存而不是皇后区或王子的永久雇员。古典音乐的日益普及导致乐团数量和类型的增长。管弦乐音乐会的扩展需要建立大型公共表演空间。交响音乐，包括交响曲，芭蕾舞音乐伴奏以及混合声乐/器乐类型（例如Opera和Oratorio ）变得越来越流行。
最著名的古典主义作曲家是卡尔·菲利普·伊曼纽尔·巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach） ，克里斯托夫·威利巴尔德·格鲁克（Christoph Willibald Gluck） ，约翰·克里斯蒂安·巴赫（Johann Christian Bach） ，约瑟夫·海顿（Joseph Haydn），沃尔夫冈·阿马迪斯·莫扎特（Wolfgang Amadeus Mozart ），路德维希·范·贝多芬（ Ludwig Van Beethoven）和弗朗兹·舒伯特（ Franz Schubert） 。贝多芬和舒伯特也被认为是古典时代后期的作曲家，因为它开始朝着浪漫主义发展。
浪漫主义
19世纪的浪漫音乐（ 1820年至1900年）与文学和绘画时代的浪漫风格有许多共同点。浪漫主义是一种艺术，文学和智力运动的特点，其特点是它对情感和个人主义以及对过去和自然的荣耀。浪漫音乐将古典时代的僵化风格和形式扩展到更加热情，戏剧性的表现力和歌曲。瓦格纳（Wagner ）和勃拉姆斯（Brahms）等浪漫作曲家试图增加音乐中的情感表达和力量，以描述更深层的真理或人类的感受。作曲家凭借交响音诗，试图使用乐器音乐讲述故事，并唤起图像或风景。一些作曲家以受民间音乐启发的爱国管弦乐音乐促进了民族主义自豪感。音乐的情感和富有表现力优于传统。
浪漫作曲家在特质中成长，并在音乐背景下（例如文学），历史（历史人物和传说）或自然本身探索不同的艺术形式的融合主义进一步发展。在此期间，浪漫的爱或渴望是许多作品中的普遍主题。在某些情况下，继续使用古典时期的形式结构（例如，弦乐四重奏和交响曲中使用的奏鸣曲形式），但是这些形式扩展和改变了。在许多情况下，探索了现有类型，形式和功能的新方法。此外，创建了新表格，被认为更适合新主题。作曲家继续开发歌剧和芭蕾舞音乐，探索新风格和主题。
在1800年后的几年中，路德维希·范·贝多芬（ Ludwig Van Beethoven）和弗朗兹·舒伯特（Franz Schubert）开发的音乐引入了更具戏剧性，富有表现力的风格。在贝多芬的情况下，有机开发的简短主题是将旋律替换为最重要的组成单元（一个例子是他的第五个交响曲中使用的独特四个音符图）。后来的浪漫作曲家，例如Pyotr Ilyich Tchaikovsky ， AntonínDvo红K和Gustav Mahler，使用了更多不寻常的和弦和更多的不和谐来造成戏剧性的紧张。他们产生了复杂的音乐作品，而且通常更长的音乐作品。在浪漫的时期，作曲家探索了音调的戏剧性色彩改变，例如扩展的和弦和和弦，创造了新的声音“颜色”。 19世纪后期，乐团的规模发生了巨大的扩张，工业革命帮助创造了更好的乐器，创造了更强大的声音。公共音乐会成为富裕城市社会的重要组成部分。它还看到了戏剧音乐的新多样性，包括歌剧，音乐喜剧和其他形式的音乐剧。
20和21世纪
在19世纪，新的作品成为公众闻名的关键方式，是由中产阶级的业余音乐爱好者在家里，钢琴或其他普通乐器（例如小提琴）演出的乐谱的销售。借助20世纪的音乐，新电动技术的发明，例如广播广播和gramophone唱片的大众市场可用性，意味着听众（在广播或唱片播放器上）听到的声音录音成为学习新歌和作品的主要方式。随着广播的受欢迎程度，音乐聆听的大幅增加，并用留声机来重播和分发音乐，任何拥有广播或唱片播放器的人都可以在自己的客厅里听到歌剧，交响曲和大乐队。在19世纪，人们对乐曲的关注限制了可以阅读音乐，拥有钢琴和其他乐器的中上层阶级和上层阶级人士的新音乐的访问。收音机和唱片球员允许低收入人士，他们负担不起歌剧或交响乐团的演唱会来听这种音乐。这意味着人们可以听到来自该国不同地区，甚至世界各地的音乐，即使他们负担不起前往这些地点的旅行。这有助于传播音乐风格。
20世纪艺术音乐的焦点的特点是探索了新的节奏，风格和声音。第一次世界大战的恐怖影响了许多艺术，包括音乐和作曲家开始探索更黑暗，更刺耳的声音。作曲家将传统的音乐风格（例如爵士乐和民间音乐）用作古典音乐的想法来源。 Igor Stravinsky ， Arnold Schoenberg和John Cage是20世纪艺术音乐中有影响力的作曲家。声音录制的发明和编辑音乐的能力引起了新的古典音乐，包括电子构图的声学和MusiqueConcrète学校。声音录制是对流行音乐流派发展的主要影响，因为它使歌曲和乐队的录音得以广泛分布。 MultiTrack录制系统的引入对摇滚音乐产生了重大影响，因为它可以做更多的录制乐队的表演。乐队及其音乐制作人使用多轨系统可以超越许多乐器的音轨和人声，从而创造出现场表演不可能的新声音。
爵士乐的发展，并成为20世纪的重要音乐流派，在下半年，摇滚音乐也是如此。爵士乐是一种美国音乐艺术形式，起源于20世纪初，在美国南部的非裔美国人社区中，由于非洲和欧洲音乐传统的融合。该风格的西非谱系在使用蓝色音符，即兴表演，多节奏，晕厥和张张音符方面显而易见。
摇滚音乐是一种流行音乐的流派，它于1950年代从1960年代摇滚，摇滚，蓝调和乡村音乐开发。岩石的声音经常围绕电气或原声吉他旋转，并且使用节奏部分放下强烈的背部节拍。除吉他或键盘外，萨克斯管和布鲁斯风格的口琴被用作独奏乐器。它以其“最纯正的形式”，“有三个和弦，坚强，坚持的背部节拍和醒目的旋律”。流行音乐的传统节奏部分是节奏吉他，电贝司吉他，鼓。一些乐队具有器官，钢琴等键盘仪器，或者自1970年代以来，模拟合成器。在1980年代，流行音乐家开始使用数字合成器，例如DX-7合成器，电子鼓机，例如TR-808和Synth Bass设备（例如TB-303 ）或Synth Bass键盘。在1990年代，使用了越来越多的计算机硬件音乐设备，仪器和软件（例如数字音频工作站）。在2020年代，软合成器和计算机音乐应用程序使卧室生产商可以在他们的家中创建和录制音乐类型，例如电子舞蹈音乐，添加采样和数字乐器，并在数字上编辑录音。在1990年代， NU金属等流派的乐队开始在其频段中包括DJ 。 DJ通过使用DJ混音器来操纵录制的音乐来创建音乐。
音乐技术的创新一直持续到21世纪，包括发展同构键盘和动态音调。
创建
作品
“作曲”是创作歌曲，乐器音乐作品，唱歌和乐器的作品或其他类型的音乐的行为或实践。在包括西方古典音乐在内的许多文化中，作曲的行为还包括创建音乐符号，例如乐谱“得分”，然后由作曲家或其他歌手或音乐家进行。在流行的音乐和传统音乐中，通常称为歌曲创作的作曲行为可能涉及创建歌曲的基本轮廓，称为“铅” ，该歌曲列出了旋律，歌词和和弦的进步。在古典音乐中，作曲家通常会编排自己的作品，但是在音乐剧和流行音乐中，词曲作者可能会聘请编曲者来进行编排。在某些情况下，词曲作者可能根本不使用符号，而是在她的脑海中撰写歌曲，然后从记忆中播放或录制。在爵士乐和流行音乐中，有影响力的表演者的著名录音被赋予了古典音乐中书面分数的重量。
即使在古典音乐中像相对精确地记录音乐时，表演者必须做出许多决定，因为符号并不能准确地指定音乐的所有元素。决定如何执行以前撰写和注明的音乐的过程称为“解释”。从选择的节奏以及旋律的演奏或演唱风格或措辞来看，不同表演者对相同音乐作品的解释可能会差异很大。呈现自己的音乐的作曲家和词曲作者正在解释自己的歌曲，就像那些表演他人音乐的歌曲一样。在给定时间和给定位置存在的标准选择和技术的标准体系称为绩效实践，而解释通常用来表示表演者的各个选择。
尽管音乐作品经常使用音乐符号并有一位作者，但并非总是如此。音乐作品可以有多个作曲家，当乐队合作写歌或音乐剧院时，当一个人写旋律时，第二个人写歌词，而第三人称歌曲，这些作曲家通常会发生在流行音乐中。 。在某些风格的音乐中，例如蓝调，作曲家/词曲作者可能会创建，表演和录制新歌或作品，而无需在音乐符号中写下它们。一段音乐也可以由单词，图像或计算机程序组成，它们可以解释或注意歌手或音乐家如何创造音乐声音。示例范围从使用图形符号的前卫音乐到诸如Aus den Sieben Tagen之类的文本组成，再到为音乐作品选择声音的计算机程序。大量使用随机性和机会的音乐称为“核心音乐” ，与活跃于20世纪的现代作曲家有关，例如John Cage ， Morton Feldman和WitoldLutosławski 。基于机会的音乐的一个众所周知的例子是微风中的风铃声声音。
传统上，对构图的研究一直以西方古典音乐的方法和实践为主，但是作品的定义足够广泛，可以包括创作流行音乐和传统音乐歌曲和乐器作品，以及自发的即兴创作，就像那些一样免费的爵士表演者和非洲打击乐手，例如母羊鼓手。
表现
表演是音乐的身体表达，这是在演唱歌曲或钢琴作品，吉他旋律，交响曲，鼓声或其他音乐剧时发生的。在古典音乐中，作曲家用音乐符号写作，然后一旦作曲家对其结构和仪器感到满意。但是，随着它的执行，歌曲或作品的解释可以发展和改变。在古典音乐中，乐器表演者，歌手或指挥家可能会逐渐改变作品的措辞或节奏。在流行音乐和传统的音乐中，表演者有更多的自由来改变歌曲或歌曲的形式。因此，在流行和传统的音乐风格中，即使乐队演奏封面歌曲，他们也可以进行更改，例如添加吉他独奏或插入介绍。
可以计划并进行表演（练习）（这是古典音乐，爵士大乐队和许多流行音乐风格的常态），或者在和弦中即兴演奏（一系列和弦），这是小型的规范爵士和布鲁斯团体。乐团，音乐会乐队和合唱团的排练由指挥家领导。摇滚，布鲁斯和爵士乐队通常由乐队领导者领导。彩排是表演者对歌曲或作品进行结构化的重复，直到可以演唱或正确演奏，并且，如果这是多个音乐家的歌曲或歌曲，直到从节奏和调音的角度来看，这些零件是一起的。
许多文化具有悠久的独奏表演传统（其中一位歌手或乐器演奏者表演），例如在印度古典音乐中，以及西方艺术音乐传统。其他文化，例如在巴厘岛，包括强大的团体表现传统。所有文化都包括两者的混合物，表演的范围可能从即兴演奏到计划和有组织的表演，例如现代古典音乐会，宗教演出，古典音乐节或音乐比赛。室内音乐是一个小型合奏的音乐，每种乐器中只有一种或几种乐器，通常被认为比大型交响乐更亲密。
即兴创作
音乐即兴演奏是自发音乐的创作，通常是在（或基于）先前存在的谐波框架，和弦进步或即兴演奏的内部。即兴演奏者使用和弦的音符，与每个和弦相关的各种尺度，以及色调和传递音调，这些音调可能既不是和弦音调，也不是与和弦相关的典型尺度。无论有没有准备，都可以完成音乐即兴演奏。即兴演奏是某些类型的音乐的主要部分，例如布鲁斯，爵士和爵士融合，乐器表演者即兴创作独奏，旋律线条和伴奏部分。
在西方艺术音乐传统中，即兴创作是巴洛克时代和古典时代的重要技能。在巴洛克时代，表演者即兴演奏者， Basso Continuo键盘播放器即兴地基于鲈鱼的符号来表达和弦。同样，预计顶级独奏家将能够即兴创作诸如前奏之类的作品。在古典时代，独奏表演者和歌手在音乐会中即兴创意瓦多萨斯。
然而，在20世纪和21世纪初，随着“普通实践”的“普通练习”，西方艺术音乐表演在交响乐团，歌剧院和芭蕾舞团中被制度化，即兴演奏起着较小的作用，随着越来越多的音乐在得分和零件中越来越多的音乐。音乐家播放。同时，大约20世纪和21世纪的艺术音乐作曲家越来越多地包括即兴创作。在印度古典音乐中，即兴创作是表演的核心组成部分和基本标准。
艺术和娱乐
音乐是出于许多目的而创作和演奏的，从美学的愉悦，宗教或礼仪目的或作为市场的娱乐产品。当音乐的乐谱分数（例如古典和浪漫的时代）中，音乐爱好者会购买他们最喜欢的作品和歌曲的乐谱，以便他们可以在钢琴上表演它们。随着留声机的出现，流行歌曲的唱片而不是乐谱成为音乐爱好者享受自己喜欢的歌曲的主要方式。随着1980年代主页录音机和1990年代的数字音乐的出现，音乐爱好者可以制作最喜欢的歌曲的录像带或播放列表，并将它们带到便携式盒式录音带播放器或MP3播放器上。一些音乐爱好者创作了最喜欢的歌曲的混音录像带，这些歌曲是“自画像，友谊的手势，理想聚会的处方处方……[和]一个完全由最热爱的环境组成的环境”。
业余音乐家可以为自己的乐趣创作或表演音乐，并在其他地方获得收入。专业音乐家受到机构和组织的雇用，包括武装部队（在乐队，音乐会乐队和受欢迎的音乐团体中），宗教机构，交响乐团，广播或电影制作公司以及音乐学校。专业音乐家有时会担任自由职业者或会议音乐家，在各种环境中寻求合同和订婚。业余音乐家和专业音乐家之间通常有很多联系。开始的业余音乐家与专业音乐家一起上课。在社区环境中，高级业余音乐家与专业音乐家一起在社区音乐会乐队和社区乐团等各种合奏中演出。
通常在工作室中为现场观众和音乐演奏的音乐进行区分，以便可以通过音乐零售系统或广播系统进行录制和分发。但是，在许多情况下，还记录和分发了观众面前的现场表演。现场音乐会唱片在古典音乐和流行音乐形式中都很受欢迎，例如摇滚，在那里非法录音的现场音乐会受到音乐爱好者的珍视。在果酱乐队的场景中，现场直观的果酱会议比录音室录制更为优先。
符号
音乐符号通常是指使用符号在纸上的音乐笔记和节奏的书面表达。当音乐写下来时，会注意到音乐的音调和节奏，例如旋律的音符。音乐符号通常提供有关如何执行音乐的说明。例如，歌曲的乐谱可能会说这首歌是“慢蓝色”或“快速摇摆”，这表明节奏和流派。要阅读符号，一个人必须对音乐理论，和谐以及与特定歌曲或作品类型相关的表演实践有了解。
书面符号随音乐的风格和时期而异。如今，注明的音乐是作为乐谱音乐制作的，或者对于具有计算机记分员程序的个人，作为计算机屏幕上的图像。在古代，音乐符号被放在石头或粘土片上。要从符号中表演音乐，歌手或乐器演奏家需要了解符号中体现的节奏和音调元素以及与音乐或类型相关的表演实践。在需要音乐即兴演奏的流派中，表演者经常播放音乐，其中只有和弦会改变歌曲的变化和形式，这要求表演者对音乐的结构，和谐和特定类型的风格有很好的了解乡村音乐。
在西方艺术音乐中，最常见的书面符号类型是分数，其中包括合奏作品的所有音乐部分和零件，这是个人表演者或歌手的音乐符号。在流行音乐，爵士乐和布鲁斯中，标准音乐符号是铅片，它不指出旋律，和弦，歌词（如果是人声）和音乐的结构。假书也用于爵士乐；它们可能由铅片或简单的和弦图表组成，这些图表允许节奏部分成员即兴创作爵士歌曲的伴奏部分。流行音乐和爵士乐还使用了分数和零件，尤其是在爵士乐“大乐队”等大型合奏中。在流行音乐中，吉他手和电动贝斯手经常阅读曲面中注明的音乐（通常缩写为“ Tab”），这表明使用吉他或低音指板的图表在乐器上播放音符的位置。在巴洛克时代，使用了曲面，用来记录琵琶的音乐，这是一种弦乐，有碎的乐器。
口腔和听觉传统
乐谱中没有写许多类型的音乐，例如传统的蓝调和民间音乐。取而代之的是，它们最初是在表演者的记忆中保存下来的，这些歌曲是从一位音乐家或歌手到另一个音乐家到另一个表演者学习歌曲“ by Ear ”的口头的。当不再知道歌曲或作曲的作曲家时，这种音乐通常被归类为“传统”或“民间歌曲”。不同的音乐传统对如何以及在何处进行更改的态度不同，从非常严格到需要即兴创作或对音乐进行修改的原始资料。文化的历史和故事也可以通过歌曲传递。
元素
音乐有许多不同的基本原理或元素。根据使用的“元素”的定义，这些可以包括音高，节奏或脉搏，节奏，节奏，旋律，和谐，纹理，样式，声音的分配，音色或颜色，动态，表达，表达，表达，表达，形式和结构。音乐元素在澳大利亚，英国和美国的音乐课程中突出。所有三个课程都将音调，动力学，音色和纹理确定为元素，但是其他确定的音乐要素远非普遍同意。以下是“音乐元素”的三个官方版本的列表：
- 澳大利亚：音调，音色，纹理，动力学和表达，节奏，形式和结构。
- 英国：音调，音色，纹理，动力学，持续时间，节奏，结构。
- 美国：音调，音色，纹理，动力学，节奏，形式，和谐，风格/发音。
关于英国课程，2013年，“合适的音乐符号”一词被添加到其元素列表中，列表的标题从“音乐元素”更改为“音乐相关维度”。音乐相互关联的尺寸列为：音高，持续时间，动力学，节奏，音色，纹理，结构和适当的音乐符号。
“音乐元素”短语用于许多不同的上下文中。可以通过将它们描述为“音乐的基本要素”和“音乐的知觉元素”来区分这两个最常见的环境。
沥青
音调是我们可以听到的声音的一个方面，它反映了一种音乐声音，音符或音调是“更高”或“更高”的声音，而不是其他音乐声音，音符或音调。我们可以从更一般的意义上谈论音高的殿下或柔和的声音，例如听众听到的刺耳的短笛音符或吹口哨的音调比低音鼓的深度重击。我们还以与音乐旋律，低音和和弦相关的确切意义上谈论音调。精确的音高只能以具有清晰且稳定的频率与噪声区分开的频率的声音确定。例如，对于听众来说，辨别钢琴上单音调的音调要比试图辨别被击中的碰撞cymbal的音高要容易得多。
旋律
旋律（也称为“曲调”）是一系列连续（一个接一个地）的音调（音符），通常是以上升和下降的方式。旋律的音符通常是使用刻度或模式等音高系统创建的。旋律通常还包含歌曲中使用的和弦的音符。简单的民歌和传统歌曲中的旋律可能只使用单一音阶的音符，与给定歌曲的滋补音符或钥匙相关的比例。例如，C键中的一首民歌（也称为C大调）可能只使用C主要量表的音符（单个注释C，d，e，f，g，a，b） ，和c;这些是钢琴键盘上的“白色笔记”。另一方面，1940年代的Bebop -era爵士乐和20世纪和21世纪的当代音乐可能会使用带有许多色调的旋律（即，注释，Notes，另外还对于主要量表的音符；在钢琴上，色谱法包括键盘上的所有音符，包括“白色笔记”和“黑色音符”和“黑色音符”和不寻常的尺度，例如整个音调量表（整个音调量表在C的钥匙中，将包含音符C，D，E， F♯ ， G♯和A♯ ）。低音乐器（例如Double Bass，Electric Bass或Tuba ）演奏的低音，深层音乐线称为低音。
和谐
Harmony指的是音乐中音调的“垂直”声音，这意味着同时播放或演唱的音调以创建和弦。通常，这意味着音符是同时播放的，尽管和谐也可能是由概述谐波结构的旋律所暗示的（即，通过使用一个接一个地播放的旋律音符，概述了和弦的音符）。在使用主要最少音调系统（“钥匙”）的音乐中，其中包括从1600到1900年写的大多数古典音乐以及最西方的流行音乐，摇滚音乐和传统音乐，其中的钥匙决定了“家庭笔记”或该作品通常可以解决的补品，以及使用量表的特征（例如主要或小规模）。简单的古典作品以及许多流行音乐和传统的音乐歌曲都写成，以便所有音乐都以单键为单曲。更复杂的古典音乐，流行音乐和传统的音乐歌曲和作品可能有两个钥匙（在某些情况下，三个或更多键）。浪漫时代的古典音乐（大约1820- 1900年写）通常包含多个钥匙，爵士乐，尤其是1940年代的Bebop爵士乐，其中一首歌的钥匙或“主张”可能会更改每四个酒吧，甚至每四个酒吧都会改变两个条。
韵律
节奏是时间和沉默的安排。仪表在常规的脉搏分组中为时间动画，称为措施或条，在西方古典，受欢迎和传统音乐中，经常以两个（例如，2/4次）为单位（例如，三个时间）（例如，3/4次，也知道）作为华尔兹时间，或3/8时间）或四个（例如4/4次）。仪表变得更容易听到，因为歌曲和曲目经常（但并非总是如此）重点放在每个分组的第一个节拍上。存在着值得注意的例外，例如Western Pop和Rock中使用的反对，其中一首使用由四个节拍组成的措施（称为4/4次或常用时间）的歌曲将在二和四通常由鼓手在鼓鼓上表演，这是一种响亮而独特的打击乐器。在流行音乐和摇滚中，歌曲的节奏部分由节奏部分播放，其中包括和弦演奏乐器（例如，电吉他，原声吉他，钢琴或其他键盘乐器），贝斯乐器（通常是电贝司或用于爵士和蓝草，双低音）和鼓套件播放器等一些样式。
质地
音乐质地是音乐或歌曲的整体声音。作品或歌曲的质地取决于旋律，有节奏和谐波材料如何合并成构图，从而确定声音中声音的整体性质。在最低和最高音高之间的密度，厚度，范围或宽度方面，通常以相对术语以及根据声音的数量或部分区分这些声音之间的质感，以及范围或宽度。 （请参阅下面的常见类型） 。例如，厚质地包含许多“层”乐器。这些层之一可能是弦乐部分或另一个黄铜。厚度也受仪器的数量和丰富度的影响。纹理通常根据音乐部分或音乐线之间的关系描述：
- 单声道：单个旋律（或“曲调”）既不具有器乐伴奏，也没有和谐部分。母亲唱着催眠曲的婴儿将是一个例子。
- 杂种：两个或多个乐器或歌手演奏/唱着相同的旋律，但是每个表演者都会稍微改变旋律的节奏或速度或在旋律中添加不同的装饰品。两个蓝草提琴手一起演奏相同的传统小提琴曲调通常会在某种程度上改变旋律，每个旋律都会添加不同的装饰品。
- 复音：多个独立的旋律线，它们交织在一起，同时演唱或演奏。文艺复兴时代写的合唱音乐通常以这种风格写。一首歌是一首歌，例如“ Row，Row，Row Your Boat ”，不同的歌手都在不同的时间开始唱歌，这是一声唱片。
- 谐音：由弦伴伴支持的清晰旋律。 19世纪以来的大多数西方流行音乐歌曲都是用这种质地写的。
音乐中包含大量独立零件的音乐（例如，双重协奏曲伴随着100个带有许多交织旋律线的管弦乐器乐器）通常被认为具有“厚”或“更密集的”纹理，而不是几个零件的作品（例如，一个，例如，一个独奏长笛旋律伴随单个大提琴）。
音色
音色，有时称为“颜色”或“音色”是语音或乐器的质量或声音。音色是使特定的音乐声音与另一种音乐不同的原因，即使它们具有相同的音高和响度。例如，440 Hz的音符在双簧管，钢琴，小提琴或电吉他上播放时听起来有所不同。即使同一乐器的不同玩家发挥相同的音符，由于仪器技术的差异（例如，不同类型的配件），他们的音符听起来可能不同（例如，黄铜玩家的喉舌，芦苇的芦苇和低音玩家）或用不同材料制成的弦乐器（例如，肠字符串与钢弦）制成的弦。即使是两名乐器演奏者在同一乐器上演奏相同的音符（一个接一个的音符）也可能会因为演奏乐器的不同方式而听起来有所不同（例如，两个弦乐器可能以不同的方式握住弓箭）。
确定音色感知的声音的物理特征包括音符或音乐声音的光谱，信封和泛音。对于20世纪开发的电器，例如电吉他，电贝司和电钢琴，表演者还可以通过调整均衡器控件，仪器上的音调控制以及使用诸如失真踏板等电子效果单元来改变音调。通过调节拉杆来控制电Hammond器官的音调。
表达
表现力的素质是音乐中的那些元素，它们在不改变主音调或实质上改变旋律及其伴奏的节奏的情况下会改变音乐的变化。包括歌手和乐器演奏家在内的表演者可以通过添加诸如颤音（吉他，小提琴，黄铜乐器和木丝等诸如语音和某些乐器）之类的效果来通过添加措辞来通过添加措辞来增加音乐表达方式或作品。或零件的柔软度），节奏波动（例如，利塔尔多（Ritardando ）或accelerando ，它们通过在节奏上添加暂停或费马塔斯（Fermatas），并通过更改音符的表达方式来分别放慢速度和加快速度）。 （例如，通过使音符更加明显或重音，使音符更加明显或重音，这意味着平稳连接或使音符变短）。
通过操纵音高（例如弯曲，颤音，幻灯片等），音量（动态，口音，颤音等），持续时间（节奏波动，节奏变化，诸如legato和staccato等变化的音符持续时间，等于legato and staccato等），可以实现表达的表达。 。因此，表达可以看作是对所有元素的操纵，以传达“情绪，精神，性格等的迹象”。因此，尽管可以将其视为音乐的重要基本要素，但不能作为音乐的独特感知元素。
形式
在音乐中，形式描述了歌曲或音乐的整体结构或计划，它描述了构图的布局为部分。在20世纪初， Tin Pan Alley的歌曲和百老汇的音乐歌曲通常以Aaba 32杆形式出现，其中A部分重复了相同的八个bar Melody（带有变化），而B部分则提供了对比的旋律或和谐或和谐用于八个酒吧。从1960年代开始，西方流行音乐和摇滚歌曲通常都采用诗歌 - 诗歌形式，其中包括一系列诗歌和合唱（“ Refrain ”）部分，其中包括大多数诗句的新歌词，并为合唱而重复歌词。流行音乐经常使用曲折形式，有时与十二个酒吧布鲁斯一起使用。
在牛津音乐伴侣的第十版中，珀西·斯科尔斯（Percy Scholes）将音乐形式定义为“一系列策略，旨在在不脱落的重复和不脱离的变化之间找到相反极端的均值。”西方音乐的常见形式的例子包括《赋格，发明》， 《奏鸣曲》 ，佳能，斯特罗式，主题和变体以及朗多。
斯科尔斯指出，欧洲古典音乐只有六种独立形式：简单的二进制，简单的三元，复合二元，朗多，空气，带有变化和赋格（尽管音乐学家阿尔弗雷德·曼恩（Alfred Mann在某些结构惯例上。）
如果一件作品无法轻易分解为部分单位（尽管它可能会从诗歌，故事或节目中藉用某些形式），据说它是通过构成的。通常，幻想，前奏，狂想曲，埃特德（或研究），交响诗， bagatelle ，即兴。
哲学
音乐哲学是研究有关音乐的基本问题，并与形而上学和美学方面的问题有联系。问题包括：
在古代，例如古老的希腊人，音乐的美学探讨了节奏和和声组织的数学和宇宙学维度。在18世纪，重点转移到了听音乐的经历，因此转向了有关其美丽和人类享受（ Plaisir和Jouissance ）音乐的问题。这种哲学转变的起源有时归因于18世纪亚历山大·戈特利布·鲍姆加滕（Alexander Gottlieb Baumgarten） ，其次是伊曼纽尔·康德（ Immanuel Kant） 。通过他们的写作，古代术语“美学”（意思是感官感知）得到了当今的含义。在2000年代，哲学家倾向于强调除了美和享受之外的问题。例如，音乐表达情感的能力已得到预言。
在20世纪，彼得·基维（Peter Kivy） ，杰罗德·莱文森（ Jerrold Levinson ），罗杰·斯克鲁（ Roger Scruton ）和斯蒂芬·戴维斯（Stephen Davies）做出了重要贡献。但是，许多音乐家，音乐评论家和其他非哲学家都为音乐的美学做出了贡献。在19世纪，音乐评论家和音乐学家爱德华·汉斯利克（ Eduard Hanslick ）与作曲家理查德·瓦格纳（Richard Wagner）之间引起了重大辩论。哈里·帕奇（Harry Partch）和其他一些音乐学家（例如凯尔·甘）（Kyle Gann）研究并试图普及微调音乐和替代音乐秤的用法。同样，许多现代作曲家，例如La Monte Young ， Rhys Chatham和Glenn Branca，都非常关注一个名为Just Indonation的规模。
人们经常认为音乐具有影响我们的情绪，智力和心理学的能力。它可以缓解我们的孤独感或煽动我们的激情。哲学家柏拉图在共和国暗示音乐对灵魂有直接影响。因此，他建议在理想的政权中受到国家的密切管制（第七本书）。在古代中国，哲学家孔子认为音乐和仪式或仪式与自然相互联系和和谐。他说，音乐是天地的协调，而秩序是由仪式命令带来的，使它们在社会中极为重要。
心理学
现代音乐心理学旨在解释和理解音乐行为和经验。该领域及其子领域的研究主要是经验的。他们的知识倾向于基于通过对人类参与者进行系统观察和相互作用收集的数据的解释。音乐心理学除了关注基本的看法和认知过程外，还与许多领域的研究领域，包括音乐表现，作品，构图，教育，批评和治疗，以及对人类能力，智能，智能，智能的调查，创造力和社会行为。
神经科学
音乐的认知神经科学是对音乐基础音乐涉及的基于大脑的机制的科学研究。这些行为包括音乐聆听，表演，作曲，阅读，写作和辅助活动。它也越来越关注音乐美学和音乐情感的大脑基础。该领域的区别是它使用功能磁共振成像（fMRI），经颅磁刺激（TMS），磁脑摄影（MEG），脑电图（EEG）和正面脑摄影（EEG）和Potitron发射器（PET）等技术来依赖大脑的直接观察。 。
认知音乐学
认知音乐学是认知科学的一个分支，涉及计算建模音乐知识，以理解音乐和认知的目的。计算机模型的使用提供了一种严格的交互式介质，在该媒介中，可以在其中制定和测试理论，并源于人工智能和认知科学。
这个跨学科的领域调查了诸如大脑中语言和音乐之间的相似之处。生物学启发的计算模型通常包括在研究中，例如神经网络和进化程序。该领域试图建模如何代表，存储，感知，执行和生成音乐知识。通过使用结构良好的计算机环境，可以研究这些认知现象的系统结构。
心理声学
心理声学是对声音感知的科学研究。更具体地说，它是研究与声音相关的心理和生理反应的科学分支（包括语音和音乐）。它可以进一步归类为心理物理学的一个分支。
进化音乐学
进化音乐学涉及“音乐的起源，动物歌曲的问题，音乐演变的选择压力”以及“音乐进化与人类进化”。它试图在进化论的背景下理解音乐的感知和活动。查尔斯·达尔文（Charles Darwin）推测，音乐可能具有自适应优势，并用作质语言，这种视图催生了几种相互竞争的音乐演变理论。替代视图将音乐视为语言进化的副产品。一种“听觉芝士蛋糕”可以使感官取悦感官，而无需提供任何适应性功能。众多音乐研究人员直接反驳了这种观点。
文化影响
个人的文化或种族在音乐认知中起著作用，包括他们的偏好，情感反应和音乐记忆。音乐偏好偏向于从婴儿期开始的文化熟悉的音乐传统，成年人对音乐作品的情感的分类取决于文化特有和普遍的结构特征。此外，个人的音乐记忆能力比文化熟悉的音乐要比文化上陌生的音乐更大。
感知
自从1930年代的心理声学研究出现以来，大多数音乐元素的列表与我们如何听到音乐的方式相比，与我们学习播放或研究音乐有关。 Ce Seashore在他的音乐心理学书中确定了四个“声音心理属性”。这些是：“俯仰，响度，时间和音色”（第3页）。他没有称它们为“音乐的元素”，而是将它们称为“元素组件”（第2页）。但是，这些元素组件与四个最常见的音乐元素恰恰链接：“ pitch”和“ timbre”匹配，“响度”与动态链接，“时间”与节奏，持续时间和持续时间和基于时间的元素链接速度。 “音乐元素”一词的用法与韦伯斯特的新20世纪词典的定义更紧密地链接为：“一种不能通过已知方法分为更简单形式的物质”，教育机构的元素列表通常是对的。也有这个定义。
尽管“音乐的基本要素”列表的作家可以根据其个人（或机构）优先级的优先级来改变其列表，但音乐的知名要素应包括已建立（或证明）的离散元素清单，这些元素可以独立操纵以实现预定的音乐效果。在这个阶段，似乎仍有研究在这一领域进行。
接近音乐元素识别音乐元素的一种略有不同的方法是确定“声音元素”为：音高，持续时间，响度，音色，声音纹理和空间位置，然后将“音乐元素”定义为：声音，结构和艺术意图。
社会学方面
许多人种学研究表明，音乐是一种基于社区的参与性活动。音乐是由个人在一系列社交环境中体验到的音乐，从独自一人到参加大型音乐会，形成音乐界，这些音乐界无法理解为个人意志或偶然的函数；它包括具有共享共同价值的商业和非商业参与者。音乐表演在不同的文化和社会经济环境中采取不同的形式。在欧洲和北美，通常将哪种音乐视为“高文化”和“低文化”之间存在鸿沟。 “高文化”音乐类型通常包括西方艺术音乐，例如巴洛克，古典，浪漫和现代交响曲，协奏曲和独奏作品，通常在音乐厅和教堂的正式音乐会中听到，观众安静地坐着在座位上。
其他类型的音乐（包括但不限于爵士乐，蓝调，灵魂和国家）经常在酒吧，夜总会和剧院中演奏，观众可能能够通过欢呼来喝酒，跳舞和表达自己。直到20世纪后期，“高级”和“低名”音乐形式之间的划分被广泛接受为有效的区别，将更好的质量，更高级的“艺术音乐”与酒吧和舞厅中听到的流行音乐风格区分开来。
但是，在1980年代和1990年代，研究了“高”和“低”音乐流派之间这种鸿沟的音乐学家认为，这种区别并不基于不同类型音乐的音乐价值或质量。相反，他们认为这种区别在很大程度上基于表演者或不同类型音乐的表演者或听众的社会经济学或社会阶层。例如，尽管古典交响乐团的观众通常收入高于平均水平，但在城市内部地区举行的说唱音乐会的观众可能收入低于平均水平。即使表演者，观众或非“艺术”音乐的表演者或场地可能具有较低的社会经济地位，但所执行的音乐，例如布鲁斯，说唱，朋克，朋克，放克或SKA ，也可能非常复杂且精致。
当作曲家介绍与惯例中断的音乐风格时，学术音乐专家和流行文化可能会产生强烈的阻力。晚期贝多芬弦乐四重奏，斯特拉文斯基芭蕾舞得分，序列主义， bebop -era爵士乐，嘻哈，朋克摇滚和电子，当他们首次被引入时，都被某些评论家视为非音乐。在音乐的社会学中审查了这样的主题。音乐学的社会学研究有时被称为社会学学，经常在社会学，媒体研究或音乐的部门中追求，并且与民族音乐学领域密切相关。
妇女的角色
女性在整个历史上都在音乐中发挥了重要作用，作曲家，词曲作者，乐器表演者，歌手，指挥，音乐学者，音乐教育者，音乐评论家/音乐记者和其他音乐专业。在2010年代，尽管女性占流行音乐和古典音乐歌手的很大一部分，以及很大一部分歌曲作者（其中许多是歌手兼作曲家），但很少有女性唱片制作人，摇滚评论家和摇滚乐手。尽管在古典音乐中有很多女性作曲家，从中世纪到今天，女性作曲家在通常表演的古典音乐曲目，音乐史教科书和音乐百科全书中的代表大大不足。例如，在简明的牛津音乐历史上，克拉拉·舒曼（Clara Schumann）是提到的少数女性作曲家之一。
女性在古典音乐中的乐器独奏家中很大一部分，乐团中女性的百分比正在增加。然而，2015年关于加拿大主要乐团的协奏曲独奏家的文章表明，蒙特利尔的84％的独奏家是男人。 2012年，女性仍然仅占排名最高的维也纳爱乐乐团的6％。尽管有许多著名的女乐器演奏家和全女乐队，但女性在流行音乐流派（例如摇滚和重金属）中的乐器演奏者不太普遍。女性在极端金属类型中的人数尤其不足。在1960年代的流行音乐场景中，“ [l] ike音乐业务的大多数方面，[1960年代]歌曲创作是一个以男性为主的领域。尽管广播中有很多女歌手，但女性，女性。 . .主要被视为消费者：...唱歌有时是一个可以接受的消遣，但是弹奏乐器，写歌或制作唱片根本没有完成。”年轻女性“……并没有社交，将自己视为创造[音乐]的人。”
女性在管弦乐队的指挥，音乐批评/音乐新闻，音乐制作和声音工程方面的人数也不足。虽然女性在19世纪不鼓励作曲，而女性音乐学家很少，但女性开始参与音乐教育。 20世纪。”
根据伦敦独立音乐的音乐作家杰西卡·杜钦（Jessica Duchen）的说法，古典音乐中的女音乐家经常因外表而不是他们的才华来判断” 。”杜钦（Duchen）指出，虽然“这是女性音乐家拒绝在外观上演奏的女性音乐家，但……那些确实在物质上更成功的人。”根据英国电台3编辑Edwina Wolstencroft的说法，音乐界长期以来一直愿意让女性担任表演或娱乐角色，但女性拥有权威地位的可能性要小得多，例如是乐团的指挥。在流行音乐中，虽然有许多女歌手录制歌曲，但音频游戏机后面的女性很少有音乐制作人，即导演和管理录音过程的个人。著名的艺术家之一是印度歌手Asha Bhosle ，他是印地语电影中的播放歌手。
媒体和技术
自20世纪以来，可以通过广播，电视或互联网播放现场音乐，或在CD播放器或MP3播放器上录制和聆听。
在20世纪初期（1920年代末），随着20世纪初期的讲话图片出现，他们的音乐曲目预先记录下来，越来越多的Moviehouse乐团音乐家发现自己失业了。在1920年代，乐团，钢琴演奏家和戏剧风琴演奏家的现场音乐表演在首发剧院中很普遍。随着会说话的电影的到来，这些特色表演被大大消除了。美国音乐家联合会（AFM）发表了报纸广告，抗议用机械播放设备代替现场音乐家。 1929年出现在匹兹堡媒体上的公元有一个标有“罐头音乐 /大噪音品牌 /保证不会产生智力或情感反应的罐头图像”
有时，现场表演包含预先记录的声音。例如，唱片骑师使用碟片记录进行刮擦，而大约20世纪的作品有一个独奏的乐器或声音，该乐器与音乐一起进行，并在磁带上预先记录。一些流行乐队使用录制的背景轨道。可以对计算机和许多键盘进行编程，以制作和播放乐器数字界面（MIDI）音乐。观众也可以通过参加Karaoke来成为表演者，Karaoke的活动是日本起源的活动，以播放著名歌曲的语音播放版本的设备。大多数卡拉OK机器还具有视频屏幕，显示歌曲的歌曲。表演者可以跟随歌词在乐器曲目上唱歌。
互联网和广泛的高速宽带访问的出现，改变了音乐的体验，部分原因是通过流媒体视频越来越轻松地访问音乐录音，并为消费者提供了大量音乐选择。互联网的另一个效果是在线社区和社交媒体网站（例如YouTube和Facebook）（社交网络服务）产生的。这些网站使有抱负的歌手和业余乐队更容易分发歌曲的视频，与其他音乐家联系并引起观众的兴趣。专业音乐家还使用YouTube作为促销材料的免费出版商。例如，YouTube用户不再仅下载和收听MP3，而且会积极创建自己的。根据唐·塔普斯科特（Don Tapscott）和安东尼·威廉姆斯（Anthony D. Williams）的说法，在他们的著作《维基诺姆学》中，从传统的消费者角色转变为他们所谓的“伪造者”角色，既创造内容又消耗的消费者。音乐在音乐中的表现包括粉丝们制作土豆泥，混音和音乐视频。
教育
非机构
从学龄前到中学教育的一些音乐或演唱培训纳入通识教育，在北美和欧洲很普遍。人们认为参与演奏和唱歌音乐可以教授基本技能，例如集中，计数，倾听和合作，同时还可以促进对语言的理解，提高回忆信息的能力以及创造更有利于其他领域学习的环境。在小学中，孩子们经常学会演奏录音机，小型合唱团唱歌，并了解西方艺术音乐和传统音乐的历史。一些小学的孩子还了解流行音乐风格。在宗教学校，儿童唱赞美诗和其他宗教音乐。在中学（在小学中较少）中，学生可能有机会在某些类型的音乐合奏中表演，例如合唱团（一群歌手），游行乐队，音乐会乐队，爵士乐队或乐团。在某些学校系统中，可以提供有关如何弹奏乐器的音乐课程。一些学生还在放学后与唱歌老师或仪器老师一起上私人音乐课。业余音乐家通常会学习基本的音乐基础知识（例如，学习音乐秤和节奏的音乐符号）以及中级唱歌或乐器播放技术的初学者。
在大学一级，大多数艺术和人文学科课程的学生都可以通过参加一些音乐课程来获得学分，这些音乐课程通常以音乐史的概述课程或音乐赞赏课程的形式，该课程着重于听音乐和学习关于不同的音乐风格。此外，大多数北美和欧洲大学都有某些类型的音乐合奏，艺术和人文学科中的学生能够参加，例如合唱团，游行乐队，音乐会乐队或乐团。西方艺术音乐的研究越来越普遍在北美和欧洲以外的地方，例如在Yogyakarta ，印度尼西亚的印尼艺术学院或在韩国，日本和中国等亚洲国家使用的古典音乐节目。同时，西方大学和大学正在扩大课程，包括非西方文化的音乐，例如非洲音乐或巴厘岛音乐（例如Gamelan Music）。
机构
旨在成为专业的音乐家，歌手，作曲家，词曲作者，音乐老师和其他与音乐有关的专业的从业者，例如音乐史教授，声音工程师，以及在大学，大学和音乐保护机构提供的专业专业专业课程中学习。一些培训个人从事音乐职业的机构与许多美国顶级大学一样，提供各种职业的培训，这些大学提供音乐表演学位（包括唱歌和演奏乐器），音乐历史，音乐理论，音乐创作，音乐教育（旨在成为小学或高中音乐老师的个人）以及在某些情况下进行的。另一方面，一些小型大学可能只提供单个职业的培训（例如，录音）。
虽然大多数大学和音乐学音乐课程都专注于培训古典音乐的学生，但有一些大学和大学培训音乐家的职业，例如爵士乐或流行音乐家和作曲家，包括曼哈顿音乐学院，包括曼哈顿音乐学院和伯克利音乐学院。加拿大提供专业爵士培训的两所学校是麦吉尔大学和亨伯学院。针对某些类型音乐的职业的个人，例如重金属音乐，乡村音乐或布鲁斯，不太可能通过完成学位或文凭来成为专业人士。取而代之的是，他们通常通过在乐队中唱歌或演奏（通常以业余乐队，封面乐队和致敬乐队）的形式来了解自己的音乐风格，研究DVD和Internet上的录音，并以其音乐风格与已建立的专业人士合作，通过非正式指导或常规音乐课。自2000年代以来，互联网论坛和YouTube“操作方法”视频的普及和可用性越来越多，使歌手和音乐家来自金属，布鲁斯和类似流派，以提高他们的技能。许多流行音乐，摇滚和乡村歌手与声乐教练和语音老师非正式地训练。
学术研究
音乐学
音乐学是音乐学科的学术研究，在大学和音乐音乐学院进行了研究。 19世纪的最早定义定义了音乐学的三个子学科：系统的音乐学，历史音乐学和比较音乐学或民族音乐学。在2010年时代的奖学金中，人们更有可能遇到该学科分为音乐理论，音乐史和民族音乐学。音乐学的研究经常通过跨学科的工作来丰富，例如在心理声学领域。非西方文化音乐和音乐文化研究的研究称为民族音乐学。学生可以通过几种不同类型的学位，包括学士学位，硕士学位和博士学位，从事音乐学，民族音乐学，音乐历史和音乐理论的本科研究。
音乐理论
音乐理论是对音乐的研究，通常在其他学科之外以高度技术性的方式进行研究。更广泛地指的是任何对音乐的研究，通常以某种形式与构图有关，可能包括数学，物理学和人类学。在开始音乐理论课程中最常见的是要按照共同练习时期或音调音乐的方式编写的准则。理论，即使是普通实践时期的音乐，也可能采取许多其他形式。音乐集理论是数学集理论对音乐的应用，首先应用于Atonal音乐。投机性音乐理论与分析音乐理论形成鲜明对比，致力于对音乐材料的分析和合成，例如调整系统，通常是为组成准备。
动物学学
动物学学是对非人类动物音乐的研究，或者是非人类动物产生的声音的音乐方面。正如乔治·赫尔佐格（George Herzog，1941）问：“动物有音乐吗？” François-BernardMâche的Musique，Mythe，自然，Ou Les Dauphins d'Arion （1983），使用Nicolas Ruwet语言，Musique，Poésie，Poésie （1972） Paradigmatic分离分析，对“ Ornitho-Musicology”的研究，对“ Ornitho- Musicology”的研究，表明鸟类的歌曲是根据重复转化原则组织的。让·雅克·纳蒂兹（Jean-Jacques Nattiez，1990年）认为：“在最后的分析中，即使声音不是人类的起源，正是人类决定什么和不是音乐。 （也就是说，是为了形成音乐的）仅仅是由其制作人而来的，但是从想到它的心中，音乐是独特的人类。”
民族音乐学
在西方，被教导的许多音乐历史都涉及西方文明的艺术音乐，这被称为古典音乐。西方大学也教授了非西方文化中音乐的历史（“世界音乐”或“民族音乐学”领域）。这包括在西欧影响之外的亚洲国家以及其他各种文化的民间或土着音乐之外的经典传统。非西方国家的流行或民间风格的音乐风格因文化而异。不同的文化强调了不同的乐器，技术，歌唱风格和音乐用途。音乐已用于娱乐，仪式，仪式，宗教目的以及实践和艺术交流。非西方音乐也已用于宣传目的，就像文化大革命期间中国歌剧一样。
有许多关于非西方音乐的音乐分类，其中许多是关于音乐定义的争论。其中最大的是古典音乐（或“艺术”音乐）与流行音乐（或商业音乐- 包括摇滚，乡村和流行音乐相关风格的非西方风格）之间的划分。某些流派并不整齐地融入其中一种“两个大”分类中（例如民间音乐，世界音乐或与爵士音乐有关的音乐）。
随着世界文化的全球接触越来越大，他们的土着音乐风格经常与其他风格合并，从而产生新的风格。例如，美国蓝草风格包含盎格鲁-爱尔兰，苏格兰，爱尔兰，德国和非洲的乐器和声音传统的元素，它们能够在美国的多种族“熔炉”社会中融合。某些类型的世界音乐包含非西方土着风格与西方流行音乐元素的混合物。音乐流派是通过传统和演示来决定的，与实际音乐一样。爵士乐和古典音乐都宣称，一些乔治·格甚温（George Gershwin ）的狂想曲（例如乔治·格甚温（George Gershwin）的狂想曲中的狂想曲），而格甚温（Gershwin）的《波吉》（ Porgy）和贝丝（Bess ）和伦纳德·伯恩斯坦（Leonard Bernstein ）的西边故事都被歌剧和百老汇音乐传统所宣称。非西方音乐的许多当前音乐节都包括来自特定音乐类型的乐队和歌手，例如世界音乐。
例如，印度音乐是最古老，最长的音乐类型之一，在南亚以及国际上（尤其是自1960年代以来）仍然广泛听到和表演。印度音乐主要具有三种形式的古典音乐，即印度斯坦，肉食和德鲁帕德风格。它还具有大量的风格曲目，其中仅涉及打击乐音乐，例如在印度南部著名的Talavadya表演。
治疗
音乐疗法是一个人际交往过程，训练有素的治疗师使用音乐及其所有方面（身体，情感，心理，社交，审美和精神），以帮助客户改善或维持健康。在某些情况下，客户的需求直接通过音乐来解决。在其他情况下，他们是通过客户和治疗师之间发展的关系来解决的。音乐疗法与各个年龄段的人一起使用，包括：精神疾病，医学问题，身体障碍，感觉障碍，发育障碍，滥用药物问题，沟通障碍，人际关系问题，人际关系问题和衰老。它还用于改善学习，建立自尊心，减轻压力，支持体育锻炼并促进许多其他与健康相关的活动。音乐治疗师可能会鼓励客户唱歌，演奏乐器，创作歌曲或进行其他音乐活动。
在10世纪，哲学家Al-Farabi描述了声乐如何刺激听众的感情和灵魂。长期以来，音乐一直被用来帮助人们处理自己的情绪。在17世纪，学者罗伯特·伯顿（Robert Burton）的《忧郁的解剖结构》认为，音乐和舞蹈对于治疗精神疾病，尤其是忧郁症至关重要。他指出，音乐具有“出色的力量……驱逐许多其他疾病”，他称其为“对绝望和忧郁的主权补救措施”。他指出，在上古时，罗迪安·提琴手卡努斯（Canus）用音乐来“让一个忧郁的人快乐，……一个情人更迷恋，一个虔诚的人更加虔诚”。在奥斯曼帝国中，精神疾病接受了音乐治疗。 2006年11月，迈克尔·克劳福德（Michael J. Crawford）和他的同事们还发现音乐疗法有助于精神分裂症患者。