艺术史

艺术史
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这艺术史专注于人类为任何数量的精神，叙事，哲学，象征，概念，纪录片，装饰，甚至功能和其他目的而制造的物体，但主要重点是审美的视觉形式。视觉艺术可以分类多样化的方式，例如分开精美艺术从应用艺术;包容着专注于人类的创造力；或专注于不同的媒体，例如建筑学，雕塑，绘画，电影，摄影， 和图形艺术。近年来，技术进步已导致视频艺术，计算机艺术，表演艺术，动画，电视， 和视频游戏.

艺术的历史经常被告知是杰作在每个过程中创建文明。因此，它可以作为一个故事高文化，由世界奇观。另一方面，白话艺术表达也可以融入艺术历史叙事中，称为民间艺术或者工艺。艺术历史学家越接近这些后一种形式的低文化，他们越有可能将自己的工作确定为检查视觉文化或者物质文化，或为与艺术史有关的领域做出贡献，例如人类学或者考古学。在后一种情况下，艺术对象可能被称为考古文物.

史前

主要文章：史前艺术

史前艺术包括画家和雕塑家的广泛艺术，包括文盲，包括一些最早的人类文物。最初的艺术物品包括装饰文物中石器时代非洲。[1][2][3]该时期的集装箱也已经在南非发现，可能已被用来持有约100，000年前的涂料。[4]

世界各地发现的一种史前艺术形式，尤其是在欧洲，被称为史前小雕像金星小雕像用夸张的乳房和腹部制成，最著名的是霍尔·费尔斯的金星和威伦多夫的金星， 在发现德国和奥地利。大多数人的头部小，宽阔的臀部和腿部逐渐变细。手臂和脚通常不存在，头部通常很小且不露面。霍尔·费尔斯（Hohle Fels）的金星是发现的众多物体之一瓦拉的洞穴和冰河时代艺术联合国教科文组织世界遗产，在迄今以雕刻的动物和人形雕像的形式发现了最古老的人类艺术中最古老的非统一作品，除了到目前为止最古老的乐器外，其文物的历史可追溯到公元前43.000至35.000。[5][6][7][8]

最著名的史前艺术品是大型旧石器时代洞穴壁画描绘了欧洲大陆的动物，尤其是拉斯卡克斯在里面多多顿法国地区。已知几百个装饰的洞穴，跨越上旧石器时代时期 （c.公元前38,000–12,000。有例子乌克兰，意大利和大不列颠，但大多数都在法国和西班牙。已经提出了许多关于艺术目的的理论，最公认的是它是宗教仪式的一部分，可能唤起狩猎成功。

古代

主要文章：古代艺术

古老的近东

主要文章：美索不达米亚艺术

古老的近东从火鸡以及西方的地中海沿岸伊朗和阿拉伯半岛在东方。随着时间的流逝，这里出现，生活和消失了多种文明。关键区域之一是美索不达米亚在公元前四千年中见证了第一个城市的出现和最早的写作形式。古代美索不达米亚涵盖了当今的伊拉克，叙利亚和火鸡。它的北半部构成了所谓的一部分肥沃的新月，重要的地方新石器时代早期农业和建立永久性村庄定居点之类的发展首先出现。因为该地区位于Tigris – Euphrates河三角洲，许多文明生活在这里，特别是苏美尔，阿卡德，亚述和巴比伦.美索不达米亚建筑以使用砖块，lintels， 和锥体马赛克。显著的例子是Ziggurats， 大的寺庙以阶梯金字塔.

苏美尔人的政治，经济，艺术和建筑传统导致了西方文明。Sumer中首次出现了多件事：第一个市，州（乌鲁克），由国王统治吉尔伽美甚;第一个有组织的宗教，基于神，人民和仪式的等级结构；第一个已知的写作，楔形文字;第一个灌溉系统和带轮的第一辆车。气缸密封也出现在这里，刻有很少的铭文和插图。这里发展的另一个文明是阿卡德帝国，世界上第一个伟大的帝国。

在公元前1千年的初期，在阿卡迪亚人之后，一个帝国叫亚述来统治整个中东，从波斯湾到地中海。它的城市充满了令人印象深刻的建筑和艺术。亚述艺术以其详尽的石材浮雕而闻名，描绘了法庭生活，宗教实践，狩猎和史诗般的战斗的场景。这些浮雕最初以鲜艳的色彩绘制，并放在宫殿中。除了他们的美丽外，他们还向我们展示了亚述人的生活和世界的景色，包括亚述服装和家具。

后来，巴比伦人征服了亚述帝国。在公元前6世纪，巴比伦成为世界上最大的城市。进入巴比伦后，访客受到了令人印象深刻的欢迎伊斯塔尔门，其墙壁上覆盖着生动的蓝色釉面砖和浮雕，展示了龙，公牛和狮子。这扇门以伊斯塔尔，战争与爱的女神。

在公元前6世纪中叶，经过一系列军事运动，巴比伦帝国落入了阿契美尼德帝国，由国王统治赛勒斯II，遍布中东和中亚，从埃及到印度河谷。它的艺术结合了整个帝国的元素，庆祝其财富和权力。波斯波利斯（伊朗）是帝国的首都，里面充满了令人印象深刻的雕塑，展示了宗教形象和帝国的人民。这里还有宫殿的废墟，有一个大型观众大厅，可供客人接待。

除美索不达米亚和伊朗外，还有古老的文明在其他地区也生产艺术和建筑。在安纳托利亚（今天火鸡）， 这赫梯帝国出现。在古代期间南阿拉伯在芳香剂的生产和贸易中很重要，为该地区的王国带来了财富。在大约公元前4000年之前，阿拉伯的气候比今天湿润。在西南，出现了几个王国，例如萨巴’。基于矩形的形状，南阿拉伯人的人物通常是风格化的，但细节很好。[11][12][13]

埃及

主要文章：古埃及艺术

第一个伟大的文明之一是埃及这是由专业艺术家和手工艺人制作的精心制作的复杂艺术品。埃及的艺术是宗教和象征性的。鉴于该文化具有高度集中的权力结构和等级制度，因此创造了大量艺术来纪念法老，包括伟大的纪念碑。埃及艺术和文化强调了永生的宗教概念。后来的埃及艺术包括科普特和拜占庭艺术。

这建筑学以巨大的结构为特征列。包括葬礼mastaba，矩形形式的坟墓；金字塔，其中包括步骤金字塔（Saqqarah）或光滑的金字塔（吉萨）；和矮人，地下坟墓（国王谷）。其他伟大的建筑物是寺庙，这往往是纪念性建筑群之前的狮身人面像和方尖碑。寺庙使用塔和梯形墙壁hypaethros和phypostyle大厅和神社。寺庙卡纳克，卢克索，Philae和EDFU是一个很好的例子。另一种寺庙是岩庙，以矮人， 在发现阿布·辛贝尔（Abu Simbel）和Deir El-Bahari.

埃及时代的绘画使用了重叠飞机的并置。这些图像在层次上表示，即法老比他身边描绘的普通主题或敌人大。埃及人在轮廓上画了头和四肢的轮廓，而躯干，手和眼睛则从前面绘制。应用艺术是在埃及开发的，尤其是木制品和金工。有很多极好的例子，例如雪松家具镶嵌和乌木和象牙可以在坟墓中看到埃及博物馆。其他示例包括在图坦汉的坟墓，具有巨大的艺术价值。[23]

印度河谷文明

主要文章：印度河谷文明§Arts_and_crafts

在1922年的美索不达米亚和埃及文化很久以后，印度河谷文明，又名哈拉潘文明（Harappan文明）c.现在，公元前2400 - 1900年）被认为与这些培养物在某些方面相当，可以与众不同。它的站点跨越了今天的东北地区阿富汗，通过大部分巴基斯坦，进入西部和西北印度。文化的主要城市包括哈拉帕和Mohenjo-daro，分别位于旁遮普邦并在信德巴基斯坦北部和港口城市Lothal，处于古吉拉特邦（印度）。最多的手工艺品是正方形和矩形印章密封和印章印象，包括动物，通常是公牛，很短Harappan文字。在哈拉潘（Harappan）的遗址中，还发现了许多风格化的陶土雕像，还有一些石头和青铜雕塑，比陶瓷更自然。[28]

中国

主要文章：中国艺术§青铜铸件，中国仪式青铜， 和Sanxingdui
更多信息：商朝和周朝
战士陶师军；c.公元前214年;红陶;身高（普通士兵）：c.1.8 m；林东区（xi'an，shaanxi，中国）[30]

在中国生产的第一个金属物体是在大约4000年前制造的夏王朝（c.公元前2100 - 1700年）。在此期间中国青铜时代（这香和周王朝）法院的讲话和与精神世界的交流是由萨满（可能是国王本人）进行的。在里面商朝（c.公元前1600 - 1050年），至尊神是香格，但是贵族家庭宁愿与祖先的精神联系。他们为他们准备了精美的食物和饮料宴会，加热并送入青铜仪式容器。这些青铜船具有多种形状，具体取决于它们的目的：用于酒，水，谷物或肉类，其中一些标有可读性的特征，这显示了写作的发展。在山谷中发现了这种具有很高质量和复杂性的船只黄河在里面亨南省，像Erlitou，anyang或者郑州。他们在宗教仪式中被用来巩固王的权威，当商首都倒下时，公元前1050年，其征服者，周（c.公元前1050 - 156年，继续在宗教仪式中使用这些容器，但主要用于食物而不是饮料。上法庭被指控过度醉酒，周堡，促进帝国天（“天堂”）是主要的精神力量，而不是祖先，在宗教仪式中有限的葡萄酒有限，支持食物。仪式青铜的使用持续到早期汉（公元前206年至220年）。

最常用的主题之一是taotie，风格化的脸部将鼻子，眼睛，眉毛，下巴，脸颊和喇叭的两半片分成两个几乎是镜像的一半，周围环绕着切割的图案。无论taotie代表真实的，神话或完全虚构的生物。

神秘的青铜Sanxingdui， 靠近古汉（在四川）是一个与其他地方不同的神秘牺牲宗教制度的证据古代中国并且与同时代的艺术完全不同anyang。自1986年以来在Sanxingdui发掘青铜，玉和金子。有一个人人物的铜像雕像，该雕像站在一个装饰有抽象像头的底座上。除了站立的身材外，前两个凹坑还包含50多个青铜头，有些戴着头饰，三个饰有额头盖金叶子。这里也发现了小树枝的管状青铜碎片，可能代表树木，以及青铜叶，水果和鸟类。1986年在Sanxingdui发现了4000多个物体。

成功的商王朝周（公元前1050 - 221年）统治比中国历史上的任何其他人都多。它的最后几个世纪以暴力为特征，这个时代被称为交战状态期。在这段令人不安的时期，一些哲学运动出现了：儒，道教和法治.

交战状态期结束了Qinshi Huangdi，在公元前221年联合中国。他订购了一个巨大的坟墓，陶师军。另一个巨大的项目是长城，由于拒绝北部的掠夺部落而竖立。皇帝去世后，他的王朝，秦（公元前221 - 206年），仅持续了三年。Qinshi Huangdi紧随其后汉（202 BC-220 AD），在此期间丝绸之路开发了很大的发展，在中国带来了新的文化影响。[31][32]

希腊语

主要文章：古希腊艺术
与我们今天大多数人都看到他们的方式不同，所有人都埃及人，希腊语和罗马雕塑和寺庙最初是鲜艳的。由于基督徒在中世纪早期，他们将他们视为“异教”，并认为他们促进了偶像崇拜。[35]对我们来说，它们看起来很奇怪，尽管它们在古代都很丰富多彩

通过和谐的比例和对美学的关注，古希腊和罗马艺术成为了所有西方艺术的基础和灵感，这是大多数欧洲艺术家渴望直到19世纪的标准。[36]拉丁诗人贺拉斯，在年龄的年龄罗马皇帝奥古斯都（公元前1世纪至公元1世纪），著名地说，尽管在战场上被征服了，但“俘虏的希腊克服了其野蛮的征服者，并将艺术带到了乡村罗马。”希腊艺术的力量在于它代表人类的人物及其对人类和拟人化神作为主要主题的关注。希腊人的艺术品旨在装饰寺庙和公共建筑，庆祝战斗胜利和非凡的人物，并纪念死者。他们也被作为众神的奉献。

尽管没有明确的过渡，但这种艺术通常在风格上分为几何，古老，古典和希腊化的四个时期。在此期间古典时期（公元前5和4世纪），现实主义和唯心主义是微妙的平衡。相比之下，早期几何（公元前9到8世纪）和古代（公元前7至6世纪）的作品似乎似乎是原始的，但是这些艺术家的目标不同：自然主义的代表不一定是他们的目标。希腊语艺术家建立在埃及的艺术基础上，进一步发展雕塑，绘画，建筑和陶瓷的艺术。他们完善的技术包括雕刻和铸造雕塑的方法，壁画绘画和建造宏伟的建筑。

罗马艺术恋人收集了古希腊原件，希腊艺术的罗马复制品，或以各种希腊风格制作的新创作的绘画和雕塑，从而保留了否则会丢失的后代艺术品。墙壁和面板绘画，雕塑和马赛克装饰了公共空间和私人房屋。希腊图像也出现在罗马珠宝，黄金，银色，青铜和陶师，甚至武器和商业重量上。在早期重新发现再生，古希腊的艺术，通过罗马帝国直到19世纪，一直是西方艺术的基础。[37]

自从古典时代在雅典，在公元前5世纪，古典建筑方式已被深深地编织成西方对建筑及其文明本身的理解。[38]从大约公元前850年至公元300年，古希腊文化蓬勃发展希腊大陆，在伯罗奔尼撒，在爱琴海岛屿。五个世界奇观是希腊人：阿尔emis庙在以弗所， 这奥林匹亚宙斯雕像， 这Halicarnassus的陵墓， 这罗德的巨像，和亚历山大的灯塔。但是，古希腊建筑最著名它的寺庙，其中许多是在整个地区发现的Parthenon是一个很好的例子。后来，他们将作为灵感新古典建筑师在18世纪后期和19世纪。最著名的神庙是Parthenon和erechtheion，都在雅典雅典。另一类重要的古希腊建筑是剧院。寺庙和剧院都使用了错觉和平衡比率的复杂组合。

看着古代建筑的考古遗迹，很容易将它们视为石灰石和混凝土，并以灰色的灰褐色的色调，并假设古代建筑是单色的。但是，建筑是多重在古代世界中。最具标志性的古老建筑之一，Parthenon（c.公元前447 - 432年）雅典，有充满活力的红色，蓝色和蔬菜的细节。除了古老的寺庙外，中世纪的大教堂从来都不是完全白色的。大多数有彩色的亮点首都和列.[39]早期文艺复兴时期，这种着色建筑和艺术品的做法被放弃了。这是因为莱昂纳多·达芬奇以及其他文艺复兴时期的艺术家，包括米开朗基罗，推广了一个受古老的希腊罗马废墟启发的调色板，由于中世纪的疏忽和持续的腐烂，尽管最初是色彩鲜艳，但由于中世纪的疏忽和持续的腐烂。古代世界中使用的颜料很细腻，尤其容易受到风化。没有必要的护理，随着时间的流逝，暴露于雨，雪，污垢和其他因素的颜色消失了，这对古老的建筑物和艺术品变成了白色，就像今天和文艺复兴时期一样。[40]

罗马

主要文章：罗马艺术
Prima Porta的奥古斯都（在左边：它最初的外观；在右边：现在的外观）；c.公元前20年；大理石;身高：2.06 m;梵蒂冈博物馆（梵蒂冈城）。[48]就像古希腊人和埃及人一样，罗马人也以鲜艳的色彩绘制了所有雕塑和建筑物

没有文明对西方艺术的持久和强大的影响罗马帝国。古罗马的遗产很明显中世纪和现代早期，在传统主义和后现代艺术品。[49]有时它被视为源自希腊先例，但也具有其自身的特征，其中一些是从伊特鲁里亚艺术。罗马雕塑通常比希腊先例不那么理想化，非常现实。罗马建筑经常使用具体的，以及诸如巡回赛之类的功能拱和圆顶被发明了。豪华物体金工，宝石雕刻，象牙雕刻， 和玻璃有时以现代术语被认为是罗马艺术的次要形式，[50]尽管这不一定是同时代人。罗马开发玻璃吹玻璃使创新成为可能客串玻璃。首先创建了一个白色的“外壳”，然后将彩色玻璃吹入，以产生内部衬里。然后切掉白色外壳，以在深色背景下创建白色的浮雕图案。他们也做了马赛克，这种方式生产带有切石立方体的耐用绘画艺术（Tesserae）和/或彩色陶土和玻璃的碎片。一些富裕的罗马人的别墅覆盖着墙壁壁画，针对令人眼花and乱的客人。幸存的大部分罗马墙壁绘画来自海湾周围的地点那不勒斯， 尤其是庞贝和赫尔克拉尼姆，在山上保存在火山碎片下的蓬勃发展的城镇维苏威公元79年爆发。结果，经常通过四种“庞贝风格”讨论罗马墙壁绘画。[51]

罗马人受到所有方面的深刻影响希腊文化。在建筑中，就像其他艺术媒体，他们从本质上采用了古典语言，并将其改编为新的情况和用途。罗马人也有自己的创新带给古典建筑。他们使用了多立克，离子和科林斯人订单比希腊人更加自由，创造了自己的多立克版本，并更频繁地使用科林斯人。他们还向曲目添加了两个新订单：托斯卡纳，一个更简单，更大的版本的Doric衍生伊特鲁里亚建筑;和合成的，类似卷轴的组合志愿带有科林斯人的离子acanthus树叶。其他重要的创新包括拱，和圆顶。使用拱门，他们建造了渡槽和纪念性凯旋拱门。罗马皇帝为他们的征服而感到自豪，并通过凯旋拱门在家里和被征服的领土上纪念他们，这是一个很好的例子君士坦丁拱门在罗马。公元前30至15年，建筑师，民事和军事工程师Marcus Vitruvius Pollio出版了一篇Majore论文，de Architectura，几个世纪以来影响了世界各地的建筑师。[52][53]

之后中世纪，与再生那开始佛罗伦萨（意大利），对古罗马的兴趣日益开始。在此期间，这是第一次古典古代，艺术变得令人信服。文艺复兴时期还引起了对古希腊和罗马文学的兴趣，而不仅仅是对艺术和建筑。[54]

伊斯兰

主要文章：伊斯兰艺术

伊斯兰艺术是众所周知的，因为中世纪的使用几何模式，五颜六色的瓷砖，风格化的天然图案和详细的书法。刻字很少对应用艺术和建筑产生深远的影响。伊斯兰出现在西方阿拉伯在公元7世纪，通过传递给先知的启示穆罕默德在麦加。穆罕默德去世的一个世纪内，伊斯兰帝国控制了中东，西班牙以及亚洲和非洲的一部分。因此，类似罗马艺术，伊斯兰艺术和建筑具有区域版本。随着伊斯兰世界延伸到后期古董文化的中心，它被哲学和智力运动所丰富。早期的哈里发人鼓励希腊作品翻译成阿拉伯语和数学和科学的进步。这与现代的看法形成鲜明对比，认为伊斯兰艺术是教条和不变的。人类和动物的代表并不罕见。仅一定时期限制了它（类似于拜占庭偶像大质）。[58]

美洲

主要文章：前哥伦比亚艺术

中美洲

主要文章：古代玛雅艺术和阿兹台克斯§艺术和文化制作

美洲的一些最早的文明发展中美洲（意思是“中美洲”），最著名的是玛雅人和阿兹台克人.

这Olmecs（c.公元前1400 - 400年）是墨西哥现代的第一个主要文明。中美洲文明的许多要素，例如建造金字塔的实践，复杂的日历，神灵的万神殿和象形文字的写作起源于Olmec文化。他们制作了玉和陶瓷雕像，巨大的头和金字塔带有寺庙的顶部，全部没有金属工具的优势。对他们来说，翡翠是一块比黄金更珍贵的石头，象征着神圣的力量和生育能力。17Olmec巨头已经发现，每个都重几吨。每个头部都带有扁平的鼻子和厚实的嘴唇，都戴着头盔，与官方球比赛中穿着的头盔相似，可能代表了官员的国王。

这玛雅文明开始于公元前1800年左右，直到1500年代西班牙殖民者到来。他们占领了墨西哥东南部，危地马拉，伯利兹，以及洪都拉斯和萨尔瓦多。玛雅人正在与城市进行交易，Teotihuacán，但也有许多中美洲文明，例如Zapotecs或来自墨西哥中部或沿海地区的其他群体，以及不居住在中美洲领土的人口，例如taíno来自加勒比海。他们制作了令人印象深刻的国王肖像，多色陶瓷船，陶器人物，木制雕塑，Stelas，并用金字塔建造复杂的城市。在贵族的坟墓中发现了大多数保存完好的多色陶瓷容器。

阿兹台克人以谦虚的开端作为一个游牧团体，创造了中美洲历史上最大的帝国，持续时间从1427年到1521年。他们并没有称自己为“阿兹台克人”，而是墨西哥人。阿兹台克人一词是由历史学家分配的。他们改变了帝国的首都，Tenochtitlan，进入中美洲艺术家为新大师创造了令人印象深刻的艺术品。如今墨西哥城建于阿兹台克人首都Tenochtitlan。[63][64][65]

哥伦比亚

更多信息：Muisca艺术

与中美洲类似哥伦比亚是在西班牙殖民者到来之前发展多种文化的地区。在这里，生产了金色的配件，许多金色的配件，但也制作了许多其他由其他饰品制成的Tumbaga，一个非特异性合金的金子和铜由西班牙语给予征服者对于由这些元素组成的金属，在广泛使用中发现前哥伦比亚人中美洲在北美和南美洲.

  • Animal-headed figure pendant (Yotoco); 1st–7th century; gold; height: 6.35 cm; Metropolitan Museum of Art (New York City)

    动物头的人物吊坠（Yotoco）；1-7世纪；金子;身高：6.35厘米；大都会艺术博物馆（纽约市）

  • Lime container (Quimbaya); 5th–9th century; gold; height: 23 cm; Metropolitan Museum of Art

    石灰容器（Quimbaya）；5至9世纪；金子;身高：23厘米；大都会艺术博物馆

  • Male figure/tunjo (Muisca); 10th–mid-16th century; gold; height: 14.9 cm; Metropolitan Museum of Art

    男性形象/Tunjo（muisca）；16世纪的10至16世纪；金子;身高：14.9厘米；大都会艺术博物馆

  • Pendant (Tairona); 10th–16th century; gold; height: 14 cm; Metropolitan Museum of Art

    吊坠（泰罗纳）；十至16世纪；金子;身高：14厘米；大都会艺术博物馆

安第斯山脉地区

更多信息：Chavín文化§艺术，帕拉卡斯文化，纳斯卡文化，摩切文化§物质文化，SICAN文化§艺术和意识形态，Tiwanaku§结构， 和印加帝国§艺术与技术
地幔（帕拉卡斯）；公元50–100；刺绣羊毛；身高：1.01 m;美术博物馆（波士顿， 美国）[71]

古代文明秘鲁和玻利维亚培养独特的艺术传统，包括世界上最美观的纤维艺术传统之一。这片土地的第一个重要文化中有两个是查文和帕拉卡斯文化.

秘鲁南海岸的帕拉卡斯文化以其复杂的图案纺织品，尤其是壁炉架而闻名。这摩切控制了北海岸的河谷，而纳斯卡南部秘鲁沿着沿海沙漠和连续的山脉举行。纳斯卡以著名而闻名纳斯卡线， 一群地理素在秘鲁南部的沙漠中。他们还生产了受Paracas影响的多色陶瓷和纺织品，并使用了至少10种颜色的调色板进行陶器。两种文化都大约在公元100–800年蓬勃发展。摩切陶器是世界上最多样化的陶器。在北部，瓦里（或Huari）帝国因其石材建筑和雕塑成就而闻名。

Chimú之前是一种简单的陶瓷风格Sicán（公元700–900）。Chimú用金属制作了出色的肖像和装饰作品，尤其是黄金，尤其是银色。后来，印加帝国（1100–1533）遍布安第斯山脉。他们制作了珍贵的金属雕像，就像来自同一地区的其他文明一样，复杂的纺织品。骆驼是重要的动物，因为它们的羊毛和载荷。[72][73][74]

亚洲

主要文章：东部艺术史

东方文明广泛包括亚洲，还包括复杂的艺术创作传统。一种方法东部艺术史将领域划分为国家，重点是印度艺术，中国艺术， 和日本艺术。由于大陆的规模，可以清楚地看到东亚和南亚之间的区别。在大多数亚洲，陶器是一种流行的艺术形式。陶器通常以动物，人或植物的几何图案或抽象表示装饰。其他非常普遍的艺术形式是，而且是雕塑和绘画。

中亚

主要文章：中亚艺术

中亚艺术发展中亚，在与现代相对应的地区吉尔吉斯斯坦，哈萨克斯坦，乌兹别克斯坦，土库曼斯坦，阿塞拜疆，塔吉克斯坦，阿富汗，巴基斯坦，以及现代蒙古，中国和俄罗斯的部分地区。[78][79]古代和中世纪中亚的艺术反映了这个广阔地区的悠久历史，是各种各样的民族，宗教和生活方式的所在地。该地区的艺术遗迹表现出了极大的影响，体现了中亚社会的多元文化本质。这丝绸之路的艺术传播，Scythian艺术，Greco-Buddhist Art，Serindian艺术最近波斯人文化，都是这一复杂历史的一部分。中亚一直是文化交流的十字路口，即所谓的枢纽丝绸之路 - 从中国到地中海延伸的复杂贸易路线系统。已经在青铜时代（公元前3和第二千年），越来越多的定居点构成了将中亚与中亚联系到的广泛贸易网络的一部分印度河山谷，美索不达米亚和埃及。[80]

印度人

主要文章：印度艺术

早期的佛教徒在印度开发了与佛。佛教艺术的主要生存始于之后莫里亚人，在印度北部库山艺术， 这Greco-Buddhist Art的甘达拉最后是“经典”时期古普塔艺术。此外，还有安得拉学校（Andhra School）出现在甘达拉学校（Gandhara School）之前，位于印度南部。[85]大量雕塑从某些关键站点（例如桑奇，巴胡特和阿马拉瓦蒂，其中一些仍然存在原位，与其他人一起在印度或世界各地的博物馆中。佛塔被仪式围栏包围，有四个大量雕刻托拉纳斯或面向基本方向的观赏门户。这些是石头的，尽管清楚地采用了木材中发展的形式。他们和佛塔本身的墙壁可以用浮雕装饰，主要是说明佛陀的生活。逐渐雕刻了真人大小的人物，最初是深深的浮雕，但随后是独立的。[86]Mathura艺术是这一发展中最重要的中心，它适用于印度教和Ja那教艺术以及佛教徒。[87]岩石切割的外墙和内饰Chaitya祈祷大厅和修道院维哈拉斯比其他地方的类似独立的结构要好，这些结构长期以来一直在木头上。洞穴在Ajanta，卡尔，Bhaja在其他地方包含早期雕塑，通常被后来的作品（例如佛陀标志性人物）所少的雕塑和菩萨，至少在100个公元之前找不到。

中国人

主要文章：中国艺术

在东亚，绘画源自书法实践，肖像和风景是用丝布绘制的。大多数绘画代表着风景或肖像。最壮观的雕塑是仪式青铜和来自Sanxingdui。中国艺术的一个非常著名的例子是陶师军，描绘军队秦黄，中国的第一任皇帝。这是一种形式葬礼公元前210 - 209年与皇帝埋葬，其目的是保护他来世的皇帝。

中国艺术是世界上最古老的连续传统艺术之一，并以这种传统的内在和意识中的不寻常的连续性和意识为标志，缺乏等同于西方崩溃和逐步恢复古典风格。自从以来通常在西方分类的媒体再生作为装饰艺术在中国艺术中极为重要，而且最出色的作品是由本质上不知名的艺术家在大型研讨会或工厂中制作的，尤其是在中国陶瓷。装饰中国宫殿和家庭及其居民的商品的范围和质量令人眼花azz乱。材料来自中国，超越：黄金和银色，珍珠母，象牙和犀牛角，木头和漆，玉和肥皂石，丝绸和纸。

日本人

主要文章：日本艺术

日本艺术涵盖各种艺术风格和媒体，包括古代陶器，雕塑，墨水绘画和书法在丝绸和纸上，ukiyo-e绘画和木刻印花，陶瓷，折纸，最近漫画 - 现代日本卡通和漫画 - 以及无数其他类型的漫画。

日本的第一批定居者，jōmon人（公元前11,000–300年）。他们制作了装饰精美的陶器存储容器，粘土小雕像称为dogū。日本一直在突然入侵新想法，随后与外界的长期接触很长一段时间。随着时间的流逝，日本人发展了吸收，模仿并最终吸收互补其审美偏好的外国文化元素的能力。日本最早的复杂艺术是在7世纪和8世纪生产的佛教。在9世纪，随着日本人开始偏离中国并发展土着表达形式，世俗艺术变得越来越重要。直到15世纪后期，宗教和世俗艺术都蓬勃发展。之后兑战争（1467–1477），日本进入了一个多个世纪以来的政治，社会和经济破坏时期。在国家领导下出现的状态Tokugawa Shogunate，有组织的宗教在人们的生活中起着重要的重要作用，而幸存的艺术主要是世俗的。

撒哈拉以南非洲

主要文章：非洲艺术
更多信息：伊博艺术，约鲁巴艺术，贝宁艺术，库巴艺术， 和卢巴艺术

撒哈拉以南非洲艺术包括雕塑，以黄铜铸件为代表贝宁人，Igbo UKWU和王国ifẹ和陶Djenne-Jeno，ife和更古老的诺文化， 也民间艺术。与欧洲中世纪的同时，在十一世纪，一个建立了宏伟的建筑，金色雕塑和复杂珠宝的国家。伟大的津巴布韦。令人印象深刻的雕塑同时被黄铜铸造约鲁巴人现在是尼日利亚。在里面贝宁王国，也是尼日利亚南部的，大约在同一时间开始，创建了优雅的祭坛象牙，黄铜头，黄铜斑块和富丽堂皇的建筑。贝宁王国于1897年由英国人结束，现在几乎没有这种文化的艺术在尼日利亚。如今，非洲最重要的艺术场所是约翰内斯堡双年展.

撒哈拉以南非洲的特征是高密度的培养物。值得注意的是多贡人从马里；江户，约鲁巴，伊博人和诺克文明从尼日利亚；库巴和卢巴人从中非；阿散蒂人从加纳；祖鲁人从非洲南部;和方人从赤道几内亚（85％），喀麦隆和加蓬；这Sao文明乍得的人；kwele人来自东部加蓬，刚果共和国和喀麦隆。

非洲艺术的无数形式是世界上一些最充满活力和响应的艺术传统的组成部分，并且是非洲人民生活不可或缺的组成部分。出于特定目的而创建的艺术品可以通过增强其外观和效力的物理转变来揭示其持续的重要性。许多传统的非洲艺术形式都是作为对精神世界的管道创建的，并随着材料的添加而改变外观，以增强其美丽和效力。使用和祝福的作品越多，牺牲物质的积聚和原始细节的磨损就越抽象。

大洋洲

主要文章：大洋洲的艺术

大洋洲的艺术包括麦克罗尼西亚，波利尼西亚，澳大利亚，新西兰和黑色素。一种方法以主题为主题的区域，重点是祖先，战争，身体，性别，贸易，宗教和旅游。不幸的是，很少的古代艺术从大洋洲生存。学者认为，这可能是因为艺术家使用了在热带气候中无法生存的木材和羽毛等易腐烂材料，也没有历史记录可以参考大多数材料。因此，对大洋洲艺术文化的理解始于西方人的文献，例如上尉詹姆斯·库克，在18世纪。在20世纪初，法国艺术家保罗·高加（Paul Gauguin）在大溪地花费了大量时间，与当地人生活在一起并制作现代艺术 - 这一事实已经与大溪地的视觉文化交织在一起。土着澳大利亚艺术通常看起来像抽象的现代艺术，但它在当地文化中具有深厚的渊源。

艺术大洋洲是世界上最受世界赞赏的最后一个伟大的艺术传统。尽管它是世界上最长的艺术传统之一，它的历史可以追溯到至少五十千年，但直到20世纪下半叶，它仍然相对未知。

澳大利亚原住民艺术的短暂材料经常使确定当今大多数艺术形式的古代。最耐用的形式是整个大陆上发现的众多岩石版画和岩石绘画。在Arnhem的土地悬崖上，有证据表明绘画是在五万年前制作的阿尔塔米拉&拉斯卡克斯在欧洲。

欧洲的

主要文章：欧洲艺术

中世纪

主要文章：中世纪艺术

随着衰落罗马帝国在c.公元300年，中世纪时代开始持续大约一千年，直到开始再生在c.1400。早期的基督教艺术开始时期，其次是拜占庭艺术，盎格鲁撒克逊艺术，维京艺术，奥托尼亚艺术，罗马式艺术和哥特式艺术， 和伊斯兰艺术主导地中海东部。中世纪的艺术是从罗马帝国和拜占庭的艺术遗产中发展出来的，与北欧的“野蛮”艺术文化混合在一起。[114]

在拜占庭和哥特艺术中世纪，教会的主导地位导致了大量的宗教艺术。在绘画中广泛使用了黄金，这些绘画以简化的形式呈现了数字。

拜占庭

主要文章：拜占庭艺术
这圣索菲亚大教堂（伊斯坦布尔，火鸡），c.公元前532 - 537年，tralles的anthemius和米利特斯的伊西多尔[115]

拜占庭艺术是指基督教希腊艺术产品的身体东罗马（拜占庭）帝国，[116][117]以及从帝国继承的国家和国家。尽管帝国本身从罗马的衰落中脱颖而出，一直持续到君士坦丁堡的堕落1453年，[118]拜占庭时期的开始日期在艺术史上与政治史相比，即使仍然不精确。许多东东正教东欧的各州以及一定程度穆斯林东方状态地中海之后，几个世纪以来，保存了帝国文化和艺术的许多方面。

幸存的拜占庭艺术主要是宗教的，在某些时期外，除了例外，这是高度传统的，遵循将精心控制的教会神学转化为艺术术语的传统模型。绘画壁画，发光的手稿在木板上，尤其是在早期时期马赛克是主要媒体，象征性的雕塑非常罕见，除了小雕刻的象牙。手稿绘画保存到了最终的一些古典现实主义传统，这些传统在大型作品中缺少。[119]拜占庭的艺术在西欧方面具有高度享有盛名和受人尊敬的人，在那里它对中世纪艺术直到周期结束。在意大利尤其如此，拜占庭风格在整个12世纪一直以修改形式持续，并成为对意大利文艺复兴艺术。但是，很少有进来影响拜占庭风格。随着东正教教堂的扩大，拜占庭形式和风格遍布整个东正教世界及其他地区。[120]拜占庭建筑，特别是在宗教建筑中的影响，可以在从埃及和阿拉伯到俄罗斯和罗马尼亚的各个地区找到。

拜占庭建筑的使用是臭名昭著的圆顶。它也经常配有大理石柱，包含天花板和豪华的装饰，包括广泛使用马赛克具有金色背景。拜占庭建筑师使用的建筑材料不再是大理石，这受到古希腊人的赞赏。他们主要使用石头和砖块，也稀薄雪花石膏窗户的床单。镶嵌物用于覆盖砖墙，以及其他任何表面壁画不会抗拒。原始拜占庭时代的马赛克的好例子Hagios Demetrios在塞萨洛尼基（希腊），Sant'apollinare Nuovo的大教堂和圣维塔尔大教堂， 同时在拉文纳（意大利），以及圣索菲亚大教堂在伊斯坦布尔。希腊罗马神庙和拜占庭教堂在其外观和内部方面有很大差异。在古代，外部是圣殿中最重要的部分，因为在内部，建造了圣殿的神灵雕像，只有牧师才能使用。这里举行的仪式，信徒们看到的是圣殿的外墙，由柱子组成，纳入和两个踏板。同时，基督教礼仪在教堂的内部举行，外部通常几乎没有装饰。[121][122]

奥托尼亚人

主要文章：奥托尼亚艺术
这埃森十字架与大搪瓷带宝石和大Senkschmelz搪瓷，c。1000.奥托II，由格雷戈里大师。奥托三世的神化，liuthar福音。亨利二世被基督加冕亨利二世圣礼.

奥托尼亚艺术是风格在前罗马风格德国艺术，还涵盖了一些低地国家，意大利北部和法国东部。它由艺术史学家命名休伯特·贾尼茨克（Hubert Janitschek）之后奥托尼亚王朝在国王下统治了919年至1024年之间的德国和意大利北部亨利一世，奥托一世，奥托II，奥托三世和亨利二世.[127]和奥托尼亚建筑，它是奥托尼亚文艺复兴时期（大约951–1024）。但是，这种风格既不是开始也不结束与王朝统治相吻合的。它已经进入了数十年的统治，并将奥斯托尼亚皇帝坚持不懈地进入了早期的统治萨利安王朝，它缺乏自己的艺术“风格标签”。[128]在传统的艺术史计划中，奥托尼亚艺术跟随卡罗来裔艺术并先于罗马式艺术，尽管该时期两端的过渡是逐渐而不是突然的。像前者一样，与后者不同，它在很大程度上是一种时期的一些小城市的风格，很重要修道院以及皇帝及其领导的法院圈子附庸.

衰落之后卡罗来尼帝国， 这神圣罗马帝国在撒克逊人奥托尼亚王朝。从此出现了对帝国和改革教会的想法的重新信仰，创造了一个更加浓厚的文化和艺术热情的时期。正是在这种氛围中，杰作创造了杰作，融合了奥斯托尼亚艺术家从中获得灵感的传统：已故的古董，颂歌和拜占庭起源的模型。幸存的奥托尼亚艺术在很大程度上是宗教的，以发光的手稿和金属制品，并在少数数量的中心为帝国法院圈子的狭窄顾客以及教堂的重要人物制作。但是，其中大部分是为向更广泛的公众展示的，尤其是朝圣者。[129]

这种风格通常是宏伟而又沉重的，有时比carolingian等价物的精致，最初不那么复杂，而直接影响较小拜占庭艺术对其经典模型的了解较少，但是在许多作品中大约有1000种引人注目的强度和表现力，因为“庄严的纪念性与充满活力的内向性结合在一起，一种不肯定的，有远见的质量，尖锐的关注，对现实，流动线的表面模式和流动线的表面模式和丰富的鲜艳色彩充满激情的情感”。[130]

罗马式

主要文章：罗马式艺术

这罗马式是第一个泛欧的风格罗马帝国，跨越十三世纪中叶。这段时期看到了具有复杂结构程序的巨大石材结构。

罗马式教堂的特征是僵化的关节和几何清晰度，并纳入统一的体积整体中。该建筑很朴素，但由于首都和门户的装饰性雕刻以及壁画的内饰而活跃。几何和叶状模式使越来越多的三维形象雕塑取代。

从十三世纪中叶到十三世纪初，罗马式的绘画是二维的，由大胆的线性大纲和几何形状定义，尤其是在窗帘的处理中。强调对称性和额叶。几乎所有西方教堂都被画了，但可能只有几个墙画家是僧侣。取而代之的是，巡回艺术家进行了大部分工作。基本阻塞是在湿的石膏带有地球颜色。有限的调色板以白色，红色，黄色的Ochres和Azure为主，以最大程度的视觉效果，密集的着色形成了乐队的背景，这种做法起源于后期古典艺术，以区分地球和天空。

在十一世纪和十二世纪后期，西方修道院的伟大时代，欧洲经历了前所未有的经济，社会和政治变革，从而导致包括修道院在内的土地所有者之间的财富蓬勃发展。对书籍的需求不断增加，经济财富使许多手稿变得丰富照亮.

该年龄的杰出人工制品之一是长70 mBayeux挂毯.[131][132][133]它描绘了导致的事件英格兰的诺曼征服与主角威廉，诺曼底公爵， 和哈罗德，韦塞克斯伯爵，后来的英格兰国王，并在黑斯廷斯之战。人们认为这始于11世纪。它从征服诺曼人的角度讲述了这个故事，但现在同意在英格兰制作的女性，尽管设计师未知。它被安置在法国.

哥特

主要文章：哥特式艺术

哥特式艺术在公元12世纪从罗马式的北部开发，并由同时发展哥特式建筑。它蔓延到所有西欧，大部分南方和欧洲中部，从来没有在意大利散发出更多古典风格。在14世纪后期，是复杂的法庭风格国际哥特式开发，一直在发展直到15世纪后期。

富有雕塑节目和彩色玻璃窗的气势宏伟的哥特式大教堂代表了哥特式风格。[138]它与罗马式的肋骨不同保险库，以及使用Ogives。哥特式建筑物稀薄而高，而不是厚实的罗马式墙壁。塔楼中的螺旋楼梯是哥特式建筑的特殊性。[139]

哥特式绘画，其中大部分执行蛋后来，面板上的油以及壁画以及次要颜色越来越宽的调色板通常被认为比罗马式更“自然”。宗教叙事的人性被强调，角色个性化的情感状态。[140]中世纪经济的城市化日益增加以及文书和外行顾客的兴起，艺术市场的性质发生了变化，这在哥特式的发展中可以看到手稿照明。研讨会雇用了页面不同元素的专家，例如数字或边缘葡萄藤图案。[141]

再生

主要文章：文艺复兴时期的艺术

复兴一词涵盖了早期，北方和高级文艺复兴时期，描述了欧洲的“重生”，这是一种新的利益古典古代。自上古以来，艺术变得令人信服。除了古老的过去，文艺复兴时期的艺术家还研究了自然，了解人体，动物，植物，空间，视角和光的品质。最常见的主题是宗教主题，但也制作了神话故事的描述。另外，没有统一的文艺复兴时期的风格。每个艺术家都开发了自己独特的视觉语言，受到他们的前辈和同时代人的影响。

早期的复兴是一个伟大的创造性和智力活动时期，艺术家完全摆脱了参数拜占庭艺术。普遍认为它开始佛罗伦萨如今意大利在15世纪初。它的特征是对古典文学，哲学和艺术，商业的发展，新大陆的发现以及新发明。对艺术和文学的兴趣复兴了古罗马和研究古希腊和拉丁文字煽动个人主义和理性的概念，被称为人道主义。人文主义者认为现在的生活，并强调了个人思想的重要性，这影响了艺术家的方法。

尽管与意大利高度相关，尤其是与佛罗伦萨，罗马和威尼斯的联系，但西欧其他地区也参加了文艺复兴时期。[145]北部复兴发生在欧洲阿尔卑斯山从15世纪初开始，在北部和南部被称为“国际哥特式”之间的艺术交叉侵占之后。北部和意大利文艺复兴时期之间有很大的区别。北方艺术家并没有像意大利人一样寻求恢复古希腊和罗马的价值观，而在南意大利的艺术家和顾客对自然和人类社会的经验研究以及北方艺术家可以实现的深色感到惊讶在新开发的媒介中油漆。这新教改革增加了对世俗绘画的北部兴趣，例如肖像或风景。两个关键的北方艺术家是Hieronymus Bosch，以他的超现实绘画而闻名尘世的花园， 和阿尔布雷希特·杜勒，他将新版画艺术提升到了新的水平。

高文艺复兴时期发生在15-16世纪后期，受到这样一个事实的影响：罗马的教皇权力稳定下来，几位教皇委托艺术和建筑，决心重现这座城市的前荣耀。拉斐尔和米开朗基罗为教皇制作了庞大而宏伟的项目。文艺复兴时期最著名的艺术品可能是西斯廷教堂.

举止摆脱了和谐的高文艺复兴理想和一种理性的艺术方法，采用夸张的形式，伸长的比例和更加鲜艳的色彩。它在1510年至1520年之间在意大利发展，在最重要的独创性的艺术家中。这个运动的名称来自意大利语马尼拉，意思是“样式或“方式”。这个词的目的是描述在高文艺复兴时期达到的卓越标准，现在所有艺术都应该遵守，但实际上，它导致了风格化和艺术“展示艺术”，有时取得了巨大的成功，一个例子是拉斐尔的学生朱利奥·罗曼诺（Giulio Romano）。举止主义也更普遍地描述了文艺复兴时期和巴洛克式之前的时期。[146]

巴洛克式

主要文章：巴洛克式
也可以看看：风格路易十四
这凡尔赛宫（凡尔赛，法国），最具标志性的巴洛克式建筑之一，c.1660年 - 1715年，作者路易斯·勒沃（Louis Le Vau）和Jules Hardouin-Mansart
大理石法院
这沙龙D'Hercule
皇家教堂
这镜子大厅
花园

17世纪是通过科学，发明和发展（例如望远镜或者显微镜，在宗教上，随着天主教反改革的质疑，使新教信仰的普及。之后新教改革这天主教会与反改革，要求艺术应以热情的宗教主题激发观众。

成功举止，并且由于整个欧洲的宗教紧张局势而发展，巴洛克艺术在16世纪后期出现。该名称可能来自“ Barocco”，葡萄牙语刻薄的珍珠的词描述了情感，活力和戏剧性强大的色彩，现实主义和强烈的色调对比的艺术。在1545年至1563年之间特伦特理事会，决定宗教艺术必须鼓励虔诚，现实主义和准确性，并通过吸引观众的关注和同理心，荣耀天主教会并加强天主教的形象。在下个世纪，巴洛克式艺术的激进新风格都采用和开发了高级文艺复兴时期的模型，并在宗教艺术和新型世俗艺术方面都打破了新的地面 - 尤其是所有风景。巴洛克及其后期变体洛可可是艺术中的第一个真正的全球风格，在欧洲，拉丁美洲以及大约1580年至1750年以外的欧洲，拉丁美洲和超越的艺术和建筑中占主导地位。出生于博洛尼亚和罗马在1580年代和1590年代，以及17世纪第二和第三十年的罗马雕塑和建筑工作室中，巴洛克式迅速传播意大利，西班牙和葡萄牙，法兰德斯，法国，荷兰，英格兰，斯堪的纳维亚半岛和俄罗斯，以及中欧和东欧中心慕尼黑（德国）维尔纽斯（立陶宛）。这葡萄牙语，西班牙语和法语帝国和荷兰踏步网络在将两种风格传播到美洲和殖民地非洲和亚洲方面发挥了领导作用，利马，莫桑比克，果阿和菲律宾.

就像绘画和雕塑一样，巴洛克式的大教堂和宫殿也具有幻觉和戏剧性的特征。他们还经常使用浅色和阴影的戏剧性效果，并具有丰富的，高度装饰的内饰，这些内饰模糊了建筑，绘画和雕塑之间的边界。巴洛克式建筑的另一个重要特征是通过曲线进行动态的存在，所罗门柱和椭圆形。在法国，巴洛克是统治的代名词路易十四在1643年至1715年之间，由于在巴黎，凡尔赛宫和法国其他地区建造了多座纪念性建筑，例如凡尔赛宫， 这马森城堡， 这城堡， 这卢浮宫柱廊或DômeDes Invalides。除了建筑物本身，放置的空间也有角色。巴洛克式建筑物试图抓住观众的注意并统治周围环境，无论是小规模的San Carlo Alle Quattro Fontane在罗马，或者在大型上，例如圣地亚哥柱，旨在高耸于城市。在此期间，应用艺术也蓬勃发展。巴洛克家具可能像打算装饰的房间一样具有轰动性，并且对其图案和技术进行了仔细的校准，以与建筑师的整体装饰计划进行协调。最负盛名的家具制造商之一是安德烈·查尔斯·布尔（AndréCharlesBoulle），以他的马奎特技术，由龟片和黄铜一起切割以形成设计。他的作品还装饰着镀金的青铜座。复杂的戈贝林挂毯的特色场景灵感来自古典古代，和Savonnerie制造业为卢浮宫生产了高度详细的地毯。这些带有黑色或黄色背景的地毯具有中央图案或奖章.中国瓷器，Delftware和捏造的镜子圣哥哥（法国）在法国的所有王子宫殿和贵族住宅中迅速传播。在路易十四统治期间，大镜子被放在上面壁炉壁炉架，这种趋势将在巴洛克时期持续很长时间。[161]

洛可可

主要文章：洛可可
也可以看看：风格路易XV
Coiffure - l'IndépendanceOu Le le triomphe de laliberté，1778年，描绘了一位时尚的贵族女人正在为她的厕所应用最后的触摸[170]

起源于c.1720巴黎，罗科科的特征是天然图案，柔软的色彩，弯曲线条，不对称性和主题，包括爱情，自然和轻松的娱乐。它的理想是美味，良心，年轻性和性感。

从法国开始，作为对沉重的巴洛克式宏伟的反应路易十四在凡尔赛宫，洛可可运动特别与强大的De Pompadour夫人（1721–1764），新国王的情妇路易十五（1710–1774）。因此，这种风格也被称为“蓬松”。运动的名称源自法国的“ rocaille”，即卵石，是指装饰洞穴内饰的石头和贝壳，因为相似的壳形形式成为罗科科设计中的共同特征。它始于设计和装饰艺术风格，其特征是优雅的流动形状。随后进行了建筑，然后绘画和雕塑。与洛可可最常关联的法国绘制的法国人是让·安托恩·沃托（Jean-Antoine Watteau），其田园场景或fêtesgalantes，主导着18世纪初期。

尽管有这种风格有一些重要的巴伐利亚教堂威斯基尔奇，洛可可岛通常与世俗建筑，主要是伟大的宫殿和沙龙有关，受过教育的精英将见面以讨论文学和哲学思想。在巴黎，它的受欢迎程度与沙龙的出现相吻合，作为一种新型的社交聚会，这些场所通常以洛可可风格装饰。最具特色优雅和精致的例子之一是沙龙椭圆形的公主hôtelde soubise，最美丽的18世纪之一豪宅在巴黎。罗科科（Rococo）对精英家具引入了巨大的变化，因为它偏爱较小，尖锐的框架和更精致，通常不对称的装饰的较小碎片，通常包括Chinoiserie。味道远东物体（主要是中国）导致使用中国涂漆和漆面板进行家具。

该运动在整个欧洲迅速传播奥斯曼土耳其和中国多亏了特色的装饰书手推车，阿拉伯式和外壳工作，以及墙板和壁炉的设计。最受欢迎的是由Just-aurèleMeissonnier（1695–1750），雅克 - 弗朗索瓦金发女郎（1705–1774），Pierre-EdméBabel（1720–1775）和FrançoisDeCuvilliés（1695–1768）。[171]

新古典主义

主要文章：新古典主义
宣誓;经过雅克·路易斯·戴维（Jacques-Louis David）; 1784年;在画布上油； 3.3 x 4.27 m;卢浮宫[174]

受到发掘的启发古罗马城市庞贝和赫尔克拉尼姆从1748年开始，对古代艺术产生了新的兴趣。新古典主义在18世纪中叶至1830年代后期主导着西方艺术。拥抱秩序和约束，它是为了反应可感知的轻浮性，享乐主义洛可可和de废并体现了对'的理性思维启蒙时代'（又称“理性时代”）。最初，该运动不是由艺术家而是由启蒙哲学家开发的。他们要求用一种道德和奉献精神的理性艺术风格代替洛可可。[175]这很好地符合对古典艺术作为现实主义，约束和秩序的体现。受到启发古希腊和罗马艺术，法国艺术家的古典历史绘画尼古拉斯·普辛（Nicolas Poussin）（1594–1665）和德国作家的想法安东·拉斐尔·孟斯（Anton Raphael Mengs）（1728–1779）和考古学家和艺术史学家约阿希姆·温克尔曼（Johann Joachim Winckelmann）（1717–1768），新古典主义始于罗马，但很快遍布整个欧洲。罗马已成为大巡回演出到18世纪中叶，贵族旅行者去那里寻找古典愿景，以重现其国家的庄园，从而在欧洲，尤其是在英格兰和法国散布这种风格。这次旅行也是收集古典古物的机会。新古典绘画倾向于用像古典雕像或浮雕一样摆姿势的人物，设置在充满考古细节的地方。这种风格偏爱希腊艺术而不是罗马的艺术，考虑到它更纯净，更真实地古典。

1789年，法国处于它的第一次革命新古典主义试图表达他们的爱国感。在此期间，政治和艺术紧密联系。他们认为艺术应该是认真的，并且在绘画上方有珍贵的图纸。光滑的轮廓和油漆没有明显的笔触是最终的目标。绘画和雕塑都施加了平静和克制，并专注于英雄主题，表达了自我牺牲和民族主义等崇高的观念。

这个运动为浪漫主义，当革命的理想主义消失时，拿破仑时期的理想主义在19世纪初就结束了。但是，新古典主义不应被视为浪漫主义的对立面，而应在某些方面的早期体现。[176][177]

1770年以后的西方艺术

跳蚤的幽灵;经过威廉·布莱克（William Blake）;1819年;面板上的金蛋彩（21.4×16.2厘米）;泰特英国，伦敦

许多艺术史学家在18世纪后期将现代艺术的起源定为19世纪中叶。艺术史学家H.哈佛阿纳森指出：“在一百年的时间里发生了逐渐的变形。”[184]例如启蒙时代，革命和民主国家美国和法国，和工业革命西方文化的影响很大。人们，商品，思想和信息可以以前所未有的速度之间在国家和大陆之间旅行，这些变化在艺术中反映了。1830年代摄影的发明进一步改变了艺术的某些方面，尤其是绘画。到19世纪的曙光到19世纪的曙光，从哥特式的哥特式的转变已经完成，当时艺术家被视为教会和君主制服务的工匠，到为艺术的宗旨，艺术的想法，在这里，在这里的思想和愿景这位个人艺术家受到了高度重视，受到了越来越有识字，富裕和城市中层和上层阶级人口的赞助，这些人已经出现了200年（尤其是在巴黎和伦敦）。二分法始于18世纪后期，新古典主义和浪漫主义之间的细分并继续贯穿现代艺术中的几乎所有新运动：“像波浪一样传播，这些“ ISMS”无视民族，种族和年代界限；从来没有占主导地位；，他们以无休止的变化模式互相竞争或合并。”[185]

现代艺术一直朝着国际影响力和交流发展，从异国情调的好奇心东方主义，更深的影响japonisme，向大洋洲，非洲和美洲的艺术。相反，现代艺术越来越多地扩展到西欧。在俄罗斯和美国，艺术发展到了19世纪末与欧洲领先国家相媲美的程度。许多主要运动也出现在拉丁美洲，澳大利亚和亚洲，而每年十年的地理和国籍变得越来越微不足道。到20世纪，重要和有影响力的艺术家在世界各地浮出水面：例如福吉塔（日本），Arshile Gorky（亚美尼亚），迭戈·里维拉（Diego Rivera）和弗里达·卡罗（墨西哥），Wifredo Lam（古巴），埃德瓦德·蒙克（Edvard Munch）（挪威），罗伯托·马塔（Roberto Matta）（智利），马克·罗斯科（立陶宛裔美国人），Fernando Botero Angulo（哥伦比亚），康斯坦丁·布劳克i和维克多·布劳纳（Victor Brauner）（罗马尼亚）。[186][187][188][189][190]

19世纪

浪漫主义（约1790- 1880年）

主要文章：浪漫主义§视觉艺术
英国风景花园Stourhead（英国），1740年代，作者：亨利·霍尔（Henry Hoare）[191]

浪漫主义出现在18世纪后期，并在19世纪上半叶蓬勃发展，并在音乐，文学和建筑以及视觉艺术方面具有重要的国际表现。它源于对18世纪启蒙运动的理性主义的幻想。尽管经常被视为新古典主义的对立面，但两种动作都有一些风格重叠，许多浪漫主义的艺术家对古典主义感到兴奋。该运动的重点是强烈的情绪，想像力和令人印象深刻的自然力量，比其中一个人具有更大，更强大的力量，具有灾难的潜力。“新古典主义是古典古代的新复兴……而浪漫主义不是一种特定的风格，而是一种可能以多种方式揭示自己的心态。”[192]

最早的浪漫主义表达之一是英国风景花园，经过精心设计，与当时的正式花园形成鲜明对比，以表现出自然的状态。在接下来的几十年中，整个欧洲和美国都采用了“自然”的英国花园的概念。在建筑中，浪漫主义者经常转向新古典主义者钦佩的希腊和罗马例子以外的其他来源。浪漫的建筑经常复兴哥特形式和其他样式，例如异国情调的东部模型。这威斯敏斯特宫（议会大厦），伦敦是浪漫建筑的一个例子，也称为哥特式复兴.[192]在绘画中，浪漫主义的绘画体现了弗朗西斯科·戈亚（Francisco Goya）在西班牙，EugèneDelacroix和ThéodoreGéricault在法国，威廉·布莱克（William Blake），亨利·富塞利（Henry Fuseli），塞缪尔·帕尔默， 和威廉·特纳在英国，卡斯帕·戴维·弗里德里希（Caspar David Friedrich）和Philipp Otto Runge在德国，弗朗切斯科·海耶斯（Francesco Hayez）在意大利，约翰·克里斯蒂安·克劳森·达尔在挪威，托马斯·科尔在美国。浪漫时期雕塑家的例子包括Antoine-Louis Barye，让·巴蒂斯特（Jean-Baptiste Carpeaux），奥古斯特·普雷（AugustePréault）， 和弗朗索瓦粗鲁。随着浪漫主义的发展，该运动的某些方面演变成像征主义。[193][194][189][195][196]

学术主义

主要文章：学术艺术

学术主义是将艺术化为艺术学院可以学到的规则的编纂。它促进了美丽和艺术完美的古典理想。还有一个非常严格的主题等级。在顶部，有描绘历史事件的绘画，包括圣经和古典一个，然后是肖像和景观。在层次结构的底部是静物和流派绘画.尼古拉斯·普辛（Nicolas Poussin）是艺术家的作品和理论在学术发展中发挥最重要的作用。学术洞位于启示发现艺术的基本原理和理想的项目。

在18世纪，在整个欧洲，建立了许多学院，后来将主导19世纪的艺术。为了在艺术学院学习，年轻的艺术家不得不参加入学考试，在被录取后，他们将在那里学习多年。19世纪的大部分法国艺术运动都是外部甚至反对学术主义的价值观。

法国学院最重要的艺术家是威廉·布格罗（William Bouguereau）（1825-1905），Jean-LéonGérôme（1824-1904），亚历山大舞会（1823-1889）和Thomas Couture（1815- 1879年）。学术艺术与Beaux-Arts建筑，它在同一地点开发，并具有类似的古典理想。Beaux-Arts风格从écoledes Beaux-Arts在巴黎，它的发展以及该风格的许多主要指数所研究的地方。[202][203]

复兴主义和折衷主义

在建筑和应用艺术方面，19世纪最著名的是复兴。最著名的复兴主义风格之一是哥特式复兴或Neo Gothic，最初于18世纪中叶出现在几所房屋中英国， 像草莓山之家在伦敦。但是，这些房屋是孤立的案件，因为19世纪初是由新古典主义。后来，在1830年至1840年之间，在浪漫主义的影响下发展了从中世纪到18世纪的过去风格的品味和怀旧。在第一次世界大战之前，过去的重新统治着建筑和应用艺术世界。样式与建筑类型之间的关联出现，例如：埃及人对于监狱，哥特对于教堂或文艺复兴时期的复兴用于银行和交流。这些选择是其他关联的结果：法老和死亡和永恒， 这中世纪和基督教， 或者美第奇家族随着银行和现代商业的兴起。有时，这些风格也以民族主义的方式看到，这是建筑可能代表一个国家的荣耀的想法。其中一些被视为“民族风格”，例如英国和德国州或德国的哥特式复兴罗马尼亚复兴在罗马尼亚。奥古斯都普金称为哥特式风格是“绝对职责”[207]在英国建筑师中，尽管风格是法国起源的事实。这样，建筑和应用艺术被用来授予高度理想化的光荣过去的光环。一些建筑师和设计师将历史风格（尤其是中世纪风格）与理想化的幻想有机生活相关联，与时代的现实相比。[208]

尽管复兴主义如此普遍，但这并不意味着这些作品没有独创性。建筑师，Ébénistes其他工匠，尤其是在19世纪下半叶，通过提取和解释特定于某些时代和地区的元素来创造风格的混合。这种做法被称为折衷主义。这种风格发展发生在世界博览会竞争激励许多国家发明新的工业创造方法的时期。

现实主义（c。1830–1890）

主要文章：现实主义（艺术运动）

现实主义出现在19世纪中叶，c。1840年，并在雕塑，文学和戏剧方面有对应物，通常被称为自然主义在文学中。在19世纪的绘画中，现实主义一词更多地指描绘的主题，而不是风格或技术。现实主义的绘画通常代表普通的地方和从事日常活动的人们，而不是宏伟的，理想化的景观，神话般的神，圣经主题以及历史人物和事件，这些人物和事件经常在西方文化中占据主导地位。库尔特说：“我不能为天使绘画，因为我从未见过一个天使”。[192]

现实主义也部分是对经常引人入胜，充满情感和情感浪漫主义的作品的反应。现实主义一词是针对新古典主义和浪漫主义的浪漫主义图像的理想化图像的应用。艺术家，例如让·巴蒂斯特 - 卡米尔·科罗特（Jean-Baptiste-Camille Corot）和HonoréDaumier与现实主义有松散的联系，就像巴比州学校， 特别Jean-François小米，但也许是古斯塔夫·库尔特（Gustave Courbet）谁是运动中的核心人物，自我识别为现实主义者，倡导现实主义，并影响了年轻艺术家，例如ÉdouardManet。现实主义的一个重要方面是绘画风景的做法en plein空气以及随后对印象派.

除了法国之外，现实主义是由诸如艺术家示例的威廉·莱布（Wilhelm Leibl）在德国，福特Madox Brown在英国，以及温斯洛·荷马在美国。艺术史学家H. H. Arnason写道：“新古典主义，浪漫主义和现实主义的时间顺序序列，当然只是动作或趋势的方便分层，因此与彼此之间无聊的束缚，并且与先前的运动相互束缚，无法确定一个人结束和结束的地方另一个开始”，[209]这变得更加相关和复杂，因为人们遵循所有运动，并在19世纪末和20世纪初“ ISM”。[210][211][212][212][213]

印象派（c。1865–1885）

主要文章：印象派
印象，日出;经过克劳德·莫奈（Claude Monet）; 1872年;在画布上油； 48.1 x 62.8厘米;MuséeMarmottanMonet（巴黎）[216]

在法国出现了印象派，在现实主义， 这巴比州学校， 和en plein空气画家喜欢EugèneBoudin，卡米尔·科罗特（Camille Corot），查尔斯·弗朗索瓦·多比尼（Charles-Francois Daubigny）， 和约翰·巴索德·郑金德（Johan Barthold Jongkind）。从1850年代后期开始，一些印象派人士在巴黎的学生中建立了熟人和友谊，尤其是在自由瑞士学院和查尔斯·格莱尔（Charles Gleyre）的工作室。他们的渐进式工作经常被享有声望的保守陪审团拒绝AcadémieDesBeaux艺术沙龙，一个论坛，许多艺术家转向建立声誉，许多年轻艺术家都被包括在一个高度宣传中，但嘲笑了很多沙龙拒绝1863年。1874年，他们成立了社会匿名艺术家佩恩特雷斯（Des Artistes Peintres），雕刻家，坟墓，独立于学院，并在巴黎举行了几次印象派展览中的第一个，直到1886年，他们的第八次和最后一次展览就举行了。运动中的重要人物包括FrédéricBazille，Gustave Caillebotte，玛丽·卡萨特，保罗·塞桑（PaulCézanne），埃德加·德加（Edgar Degas），Armand Guillaumin，ÉdouardManet，克劳德·莫奈（Claude Monet），Berthe Morisot，卡米尔·皮萨罗（Camille Pissarro），Pierre-Auguste Renoir， 和阿尔弗雷德·西斯利（Alfred Sisley）。尽管印象派主要是画家的运动，但德加和雷诺阿也制作了雕塑，其他人也像奥古斯特·罗丹（Auguste Rodin）和Medardo Rosso有时与印象派有关。到1885年，印象派已经取得了一些突出，但是年轻一代已经将限制推向了印象派之外。艺术家来自俄罗斯，澳大利亚，美国拉丁美洲很快采用了印象派风格。一些最初的印象派继续在1910年代和1920年代开展重要工作。[211][217][218]

尽管不是前所未有的，但使用的许多技术与传统方法相反。绘画通常在数小时或几天内用湿油漆涂在湿油漆上（与干油漆上的湿油漆相反，在数周和几个月内完成）。纯色通常不使用釉料和混合色，而是并排涂抹，不透明，不透明，Impasto中风；从远处观察到观众的眼睛中混合。黑色的使用非常谨慎，或根本不使用，定义线被造成主题，轮廓和形状的颜色细微的笔触代替。艺术史学家H. W. Janson说：“它没有增加真实空间的幻想，而是增强了实际彩绘表面的统一性。”[192]印象派绘画通常描绘了景观，肖像，静物，家庭场景，日常休闲和夜生活，都以现实主义的方式对待。构图通常是基于异常的观点，显得自发和坦率。这些绘画通常没有教学，象征性或隐喻性的含义，很少解决圣经，神话和历史学科，这些主题被学院高度评价或像征主义者所探索的黑暗和心理利益。检查了光，阴影，气氛和表面上颜色的反射的细微差别，有时会在及时强调这些元素的变化。这幅画本身就是这幅画的主题。它是艺术，这个想法已经漂浮了几十年，但它可能在印象派方面达到了新的高度和一致性。[188][211][217][218]

象征主义（c。1860–1915）

主要文章：象征主义（艺术）

象征意义在19世纪的第三季度出现在法国和比利时，并于1870年代在整个欧洲蔓延，后来又在较小程度上延伸到美国。它源于浪漫主义，没有明确或定义的划界点，尽管诗歌，文学尤其是出版查尔斯·鲍德莱尔（Charles Baudelaire）Les Fleurs du mal（邪恶的花）1857年，象征主义的发展很重要。它在诗歌，文学，戏剧和音乐中具有国际表达。在建筑中，应用艺术和装饰艺术的象征意义紧密平行，重叠新艺术。象征主义通常与其他当代艺术运动密不可分后印象主义，Les Nabis， 这decade废的运动， 这Fin-de Siecle，新艺术， 这慕尼黑分裂， 这维也纳分裂，表现主义，甚至拉斐尔前派，它以前形成并影响了象征意义。艺术家像詹姆斯·麦克尼尔·惠斯勒，EugèneCarrière，费迪南德·霍德勒（Ferdinand Hodler），费尔南德·科诺夫（Fernand Khnopff），Giovanni Segantini，LucienLévy-Dhurmer，让·德尔维尔， 和詹姆斯·恩索尔所有这些都与象征意义有不同程度的关联。艺术史学家罗伯特·L·德雷沃伊（Robert L. Delevoy）写道：“象征主义不如一段时期的气氛。”[221]它很快就随着开始的开始而逐渐消失野兽派，立体主义，未来主义并在第一次世界大战的爆发中很大程度上消失了，但是它确实发现了一些持续的发展和相关性形而上学学校，这反过来对超现实主义产生了深远的影响。[221][188][222]

象征主义艺术的主题，主题和含义经常被掩盖和晦涩难懂，但最好仍然能够深刻地引起心理或情感水平的共鸣。主题通常被呈现为隐喻或者寓言，旨在在观众中唤起高度主观，个人，内省的情绪和思想，而无需直接定义或直接解决主题。诗人StéphaneMallarmé写着“不是描绘事物，而是它产生的效果”[223]“要说一个对像是抑制这首诗的四分之三，这一点一点一点地理解了”。[222]英国画家乔治·弗雷德里克·瓦茨（George Frederic Watts）说：“我画创意，而不是东西。”[221][188][222]

后印象主义（c。1885–1910）

主要文章：后印象主义
周日下午在拉格兰德·贾特岛（La Grande Jatte）;经过乔治·苏拉特（Georges Seurat）;1884- 1886年;在画布上油；2.08 x 3.08 m;芝加哥艺术学院[226]

后印象主义是一个相当不精确的术语，适用于多样化的艺术家。从最严格的意义上讲，它与四位高度影响力的艺术家有关：保罗·塞桑（PaulCézanne），[227][228]保罗·高加（Paul Gauguin），[229][230]乔治·苏拉特（Georges Seurat），[231][232]和文森特 - 梵高.[233][234]每个人都经历了一个印象派阶段，但最终以四种非常原始但不同的风格出现。他们的工作共同预期，并且经常直接影响，大部分前卫在第一次世界大战之前出现的艺术，包括野蛮主义，立体主义，表现主义和早期抽象。塞赞（尤其对立体主义的影响力）和梵高相对孤立地工作，远离巴黎，在其职业生涯的关键点，而Seurat和Gaugin则在他们的发展中更加协作地团体工作。该时期的另一个重要艺术家是图卢兹 - 洛特雷克，有影响力的画家和图形艺术家。[235][236]从广义上讲，后印象派包括一代主要是法国和比利时艺术家，他们从事各种风格和团体工作。大多数人在某个时候就受到印象派的影响，但最早在1880年代中期将其工作超越了许多派系，有时是印象派的逻辑发展，有时是对它的反应。后印象派主义者通常描绘了印象派的主题，但是尤其是合成主义的作品通常包含象征主义，灵性主义和喜怒无常的气氛，这些氛围很少出现在印象派中。不自然的颜色，图案，平原，奇特的观点和观点被推到极端，所有人都将现代主义的中心移动了一个步骤，更接近抽象，并具有实验标准。[209][237][238]

新印象主义（分裂主义或者点， C。1884– 1894年）根据科学色彩理论探索了光和颜色，创建了纯色的笔触的镶嵌物，有时以节奏的图案布置，并受到影响的线条。新艺术。领先的艺术家是乔治·苏拉特（Georges Seurat）和保罗·西奇克（Paul Signac），其他包括Henri-Edmond Cross，Maximilien Luce，阿尔伯特·杜波伊斯·皮勒特（Albert Dubois-Pillet），一段时间Pissarro和梵高。它对野蛮主义的影响，这种风格的元素出现在表现主义，立体主义和早期抽像中。合成（克隆式C。1888年至1903年）构思ÉmileBernard并立即采取并开发保罗·高加（Paul Gauguin）和其他人在庞特宣告的艺术家殖民地（法国布列塔尼）。样式类似于克隆森恩搪瓷或者彩色玻璃，带有黑色或深色的平坦大胆颜色。合成主义，体现在高加因和PaulSérusier，稍微更广泛，对黑暗轮廓和土loisonné品质的重视程度较小。其他艺术家包括Cuno Amiet，路易·安奎汀，查尔斯·菲利格（Charles Filiger），雅各布·迈耶·德·哈恩，查尔斯·拉瓦尔（Charles Laval）， 和阿曼德·塞金（Armand Seguin）。他们的作品极大地影响了野蛮主义和表现主义。Les Nabis（c。1890–1905：希伯来语的先知或光明会）是法国和比利时的一个更大的运动，它在合成，新印象主义，象征主义和新月艺术中脱颖而出。也许比艺术更具影响力，是对前卫的众多理论，宣言和传染性的热情，为运动的扩散定下了基调和20世纪第一季度的“ ISM”。La Revue Blanche经常出版Les Nabis和象征主义的内容。的工作ÉdouardVuillard，[239][240]和皮埃尔·波纳德（Pierre Bonnard），[241][242]大约1890 - 1910年是莱斯·纳比斯（Les Nabis）的典范，尽管两者都在其风格中发展，并在1940年代进行了重要的工作。其他艺术家包括莫里斯·丹尼斯（Maurice Denis），Maxime Dethomas，迈耶·德·哈恩（Meyer de Haan），Henri-Gabriel Ibels，乔治·拉科姆（Georges Lacombe），阿里斯蒂·梅洛尔（Aristide Maillol），保罗·兰森，Ker-Xavier Roussel，ArmandSéguin，PaulSérusier，FélixVallotton，Jan Verkade， 和别的。[209][237][238]

20世纪初

也可以看看：20世纪的西方画

历史20世纪艺术是无休止的可能性和寻求新标准的叙述，每个标准都被下一个连续拆除。艺术运动野兽派，表现主义，立体主义，抽象主义，达达主义和超现实主义导致进一步探索新的创意风格和表达方式。增加全球的在此期间的互动中，其他文化对西方艺术产生了同等影响，例如巴勃罗毕加索受到影响伊比利亚雕塑，非洲雕塑和原始主义.japonism和日语木刻（本身受到西方文艺复兴时期的绘图的影响）对印象派和随后的艺术发展产生了巨大影响。由保罗·高加（Paul Gauguin）对海洋艺术以及突然的普及认知在20世纪初亨利·马蒂斯（Henri Matisse），及其许多同事。在20世纪晚些时候流行艺术和抽象表现主义突出。

Nouveau艺术（c。1890–1914）

主要文章：新艺术
Porte DauphineMétro站（巴黎），作者赫克托·吉马德（Hector Guimard），1900[243]

Nouveau Art Nouveau（法语：new art）是一项国际和广泛的艺术和设计运动，在19世纪的最后几十年中出现，直到1914年的第一次世界大战。1900年巴黎的博览会环球。在欧洲和美国的部分地区几乎同时发展，这是一种创造一种独特而现代的表达形式的尝试，唤起了新世纪的精神。它体现在绘画，插图，雕塑，珠宝，金属制品，玻璃，陶瓷，纺织品，图形设计，家具，建筑，服装设计和时尚。新艺术艺术家旨在将手工艺和设计的地位提高到美术.

该运动与潮湿的有机形式高度相关Alphonse Mucha，维克多·霍塔（Victor Horta），赫克托·吉马德（Hector Guimard），安东尼·高迪，雷内·拉利克（RenéLalique）或者ÉmileGallé。新艺术设计和建筑物通常是不对称的。尽管有识别特征，但该风格也显示出许多区域和国家解释。

尽管是短暂的时尚，但它为现代建筑和20世纪的设计。这是第一种没有历史先例的建筑风格，19世纪以一种被称为的实践而臭名昭著历史主义这是视觉风格的使用，这些风格有意识地回应了上一个艺术时代的风格。之间c.1870年和1900年，发生了历史主义的危机，在此期间，历史主义文化受到批评，其中一种声音是弗雷德雷西尼采1874年，他诊断出“恶性历史热情”是由考古学研究和对历史进步定律的信仰负担的现代文化的残酷症状之一。尽管如此，nouveau也受到过去风格的影响很大凯尔特人，哥特和洛可可艺术，也是手工艺运动，审美主义，象征主义特别是日本艺术.[244][245]

野蛮主义（c。1898–1909）

主要文章：野兽派

野蛮主义来自后印象主义，逐渐发展成为20世纪的第一个重大运动。它的起源是在1895年亨利·马蒂斯（Henri Matisse），最古老和中央人物进入了工作室古斯塔夫·莫罗（Gustave Moreau）在Ecole des Beaux-Arts。他在那里遇到Georges Rouault，查尔斯·卡莫因，亨利·曼吉恩（Henri Manguin）， 和阿尔伯特·马奎特（Albert Marquet）。马奎特说：“早在1898年，马蒂斯和我一直在工作，后来被称为“福夫方式”。我相信，我相信，我们唯一以纯音的绘画的展览，回到1901年。”[251]到1902 - 03年，志趣相投的艺术家圈子已经成长为乔治·布拉克（Georges Braque），安德烈·德拉恩（AndréDerain），Raoul Dufy，奥森·弗里斯（Othon Friesz），让·梅辛格（Jean Metzinger），让·普伊，路易·瓦尔塔特（Louis Valtat），Kees Van Dongen， 和莫里斯·德·维拉姆克（Maurice de Vlaminck）。在此期间，在巴黎举行了许多有影响力的回顾展展览：Seurat（1900，1905），Van Gogh（1901，1905），Toulouse-Lautrec（1902），Gauguin（1906），Cézanne（1907）当时的公众。马蒂斯（Matisse）和德赖恩（Derain）收集的非洲雕刻，这是当时的小说但又日益增长的好奇心。马蒂斯在1904年的夏天圣特罗佩与新印象派绘画保罗·西奇克（Paul Signac）和Henri-Edmond Cross随后在1905年由Camoin，Manguin和Marquet。艺术家在沙龙desindepéndants和沙龙D'Automne1903年至1908年和1905年，他们的作品引起了轰动和丑闻。马蒂斯说：“我们在沙龙D'Automne，derain，Manguin，Marquet，Puy和其他一些人都挂在一个较大的画廊中。在这个房间的中心。品牌以意大利风格表现出一个孩子的半身像。Vauxcelles[艺术评论家吉尔·布拉斯]进入房间说，好吧！出色地！多纳特洛在野兽的雾中！[Donatello Chez Les Fauves]。[252]该运动并未被公众视为一个实体，而是曾经发表过该名称。与印象派和他们为接受的长期斗争不同，前卫到1906 - 1907年的观众渴望观众，而野牛主义者则吸引了从美国到俄罗斯的收藏家。然而，随着立体主义的出现，大多数野蛮主义在很大程度上消失了，大多数艺术家开始探索其他风格并朝着不同的方向移动。只有马蒂斯（Matisse）和杜菲（Dufy）继续探索1950年代的野蛮主义。[251][253][254][255][256]

野蛮主义者绘制的景观en plein空气，室内装饰，数字和静物，遵循现实主义，印象派和后印象主义的例子。他们用厚实，不自然的，通常是对比的，鲜艳的颜色，用宽松的笔触涂抹油漆，有时直接从管子上直接从管道上。加林的影响力，探索他对平坦，纯色的表达价值和空间方面的探索，以及他对原始主义与新印象主义一样重要。马蒂斯解释说 - 长期以来，颜色是设计的补充，文艺复兴时期的画家逐行构造了图片，随后添加了本地色 - 写道：“从Delacroix给梵高，主要是通过印象派的方式来到盖格因，他们清理了地面，塞尚（Cézanne）给出了最终的冲动并引入了色彩，我们可以遵循这种对色彩功能的康复，这种恢复的情感力量”[251]野蛮主义是转变的顶点，从绘画和线条作为绘画设计的基本基础到彩色的基础，他们在抽象的边缘描绘了他们的主题。[251][253][254][255][256]

表现主义（c。1905–1930）

主要文章：表现主义
柏林街;经过恩斯特路德维希·基尔奇纳（Ernst Ludwig Kirchner）; 1913年;在画布上油； 1.21 x 0.91 m;现代艺术博物馆（纽约市）[258]

表现主义是绘画，雕塑，图形艺术，诗歌，文学，戏剧，电影和建筑的国际运动。有些人关联第二维也纳学校以及该运动时期的其他音乐。大多数历史学家将1905年的表现主义开始。DieBrücke。然而，几位艺术家正在制作具有表现主义精神的有影响力的作品c。1885– 1905年包括洛维斯·科林斯（Lovis Corinth），詹姆斯·恩索尔，KätheKollwitz，Paula Modersohn-Becker，埃德瓦德·蒙克（Edvard Munch），埃米尔·诺尔德（Emil Nolde）， 和基督教罗尔夫等等。这些艺术家后来展出并与各种表现主义群体相关联。表现主义绘画的特征是松散，自发，经常厚，Impasto笔触。它经常传达艺术家对他们的主题的感觉，反对它的外表，将直觉和直觉的感觉与现实的表述或艺术理论相提并论。表现主义经常充满焦虑或喜悦，以及与当代生活和社会问题的整体互动，这些生活和社会问题经常从野蛮主义对中性主题的设计和颜色的关注中却没有。木刻印刷品表现主义特别值得注意。表现主义有时会重叠并与其他样式和动作进行重叠并集成象征主义，野兽派，立体主义，未来主义，抽象，以及达达。表现主义者的几个小组和派别出现在不同的时间和地方。[209][238][209][259][260]

DieBrücke（桥：1905年-1913）渴望连接“所有革命性和激增的元素”。[259]它是由四个建筑学生创立的恩斯特路德维希·基尔奇纳（Ernst Ludwig Kirchner），埃里希·赫克尔（Erich Heckel），Karl Schmidt-Rottluff， 和弗里茨·布莱尔（Fritz Bleyl）。他们在德累斯顿共享一家工作室，他们制作了绘画，雕刻，印刷品和有组织的展览，并在夏季分开以独立工作。他们的第一个展览是在1905年，后来加入了埃米尔·诺尔德（Emil Nolde）和马克斯·佩奇斯坦1906年，奥托·穆勒（Otto Mueller）1910年。包括影响哥特式艺术，原始主义，新艺术，尤其是巴黎的发展梵高和野兽派。该小组于1911年转移到柏林，后来于1913年解散。Der Blaue Reiter（蓝色骑手：1911–1914），由Wassily Kandinsky和弗朗兹·马克（Franz Marc），是一个相对非正式的群体，他们也是他们自己的艺术展览。这是从慕尼黑艺术学院分裂的一系列越来越进步的团体中的一员，包括1892年的慕尼黑分裂（现实主义者和印象派），1901年的法兰克斯（Phalanx）（后印象派），后Neue Kunstler Vereiningung1909年和1911年的蓝色骑手。与后两个小组相关的艺术家包括伯利克兄弟，Heinrich Campendonk，Alexej von Jawlensky，保罗·克莱（Paul Klee），奥古斯特·麦克（August Macke），GabrieleMünter， 和玛丽安·冯·瓦金（Marianne von Wayfkin）。欣快的年鉴Der Blaue Reiter，一系列有影响力的论文和坎廷斯基的关于艺术的精神凭借他关于非客观艺术的想法，均于1912年出版。蓝色骑手以第一次世界大战的爆发结束，麦克克和马克都去世了。[209][238][261][259][260]

其他艺术家，例如奥斯卡·科科斯卡（Oskar Kokoschka），Egon Schiele， 和理查德·格斯特（Richard Gerstl）在奥地利出现。法国艺术家Georges Rouault和ChaïmSoutine与这一运动有亲和力。雕塑家包括恩斯特·巴拉赫，威廉·莱姆布鲁克（Wilhelm Lehmbruck），格哈德·马克克斯（Gerhard Marcks）， 和威廉·沃尔（William Wauer）。与表现主义相关的建筑师包括Max Berg，赫尔曼·芬斯特林，约翰·弗里德里希·霍格（JohannFriedrichHöger），米歇尔·德克勒克（Michel de Klerk），埃里希·门德尔松（Erich Mendelsohn），汉斯·普尔齐格（Hans Poelzig），汉斯·沙鲁恩（Hans Scharoun），鲁道夫·斯坦纳（Rudolf Steiner）， 和布鲁诺拉特.der sturm（风暴1910-1932）是一本杂志，拥有大量表现主义内容。赫瓦斯·沃尔登（Herwarth Walden），柏林的一家相关画廊于1912年开业，并在1918年开业的戏剧公司和学校。Caligari博士的内阁（罗伯特·维恩（Robert Wiene），1920），Nosferatu（F. W. Murnau，1922年），都会（弗里茨·朗（Fritz Lang），1927年）。[209][238][261][259][260]

第一次世界大战结束后毕加索和斯特拉文斯基的新古典期，de chirico的迟到。这种趋势被称为新客观性（约1919年至1933年）在德国，与其他地方的这项工作的怀旧性相反，它的特点是幻灭和无情的社会批评。新客观的艺术家主要来自表现主义者和达达环境包括奥托·迪克斯（Otto Dix），克里斯蒂安·沙德（Christian Schad），鲁道夫·施利希特（Rudolf Schlichter），乔治·索尔兹（Georg Scholz）， 和珍妮·妈妈.马克斯·贝克曼和乔治·格罗斯（George Grosz）一段时间内也有一些与新客观性相关联。尽管不是本质上表现主义的staatliches包豪斯（建筑学院：1919- 1933年）是一所有影响力的德国学校，合并工艺品，装饰性和美术。从魏玛（Weimar）到戴索（Dessau）到柏林，它随着时间的流逝而改变并演变为重点。董事包括建筑师沃尔特·格罗普斯（Walter Gropius）（1919-1928），汉尼斯·迈耶（Hannes Meyer）（1928-1930），和路德维希·米斯·范德罗（1930–1933）。在各个方面，教师包括约瑟夫·阿尔伯斯，西奥·范·杜堡（Theo Van Doburg），Lyonel Feininger，约翰内斯Itten，保罗·克莱（Paul Klee），Wassily Kandinsky，El Lissitzky，格哈德·马克克斯（Gerhard Marcks），LászlóMoholy-Nagy，奥斯卡·施莱默（Oskar Schlemmer）。包豪斯建筑师极大地影响了国际风格它的特征是简化形式，缺乏装饰，设计和功能的结合，以及大规模生产可以与个人艺术视野兼容的想法。作为纳粹党上台，现代艺术被称为“”堕落的艺术“包豪斯于1933年关闭，在德国制止了现代主义数年。[209][238][261][259][260]

立体主义（c。1907–1914）

主要文章：立体主义

立体主义包括对透视图的拒绝，这导致了一个新的空间组织，其中观点乘以对象的碎片化，从而使形式偏向于表示形式的内容显而易见。巴勃罗毕加索，乔治·布拉克（Georges Braque）和其他立体主义艺术家受到雕塑的启发伊比利亚，非洲和大洋洲展出卢浮宫和民族志博物馆trocadéro，以及在逃离市场和销售室提供的。

评论家和诗人写道：“毕加索以外科医生的方式研究对象。”Guillaume Apollinaire1913年。五年前，巴勃罗毕加索和乔治·布拉克（Georges Braque） - 朋友，同事和竞争对手 - 开始拒绝观点现实主义对于一种艺术尸检的形式：一种完全革命性的绘画风格，在物体周围和周围环绕着，在分析，客观和完全不个人化上呈现它们。[266]

装饰艺术（c。1920–1940）

主要文章：艺术装饰

装饰艺术是在法国出现的，是一种奢侈品和现代性的风格。很快，它在全世界迅速传播，在美国最急剧，变得越来越多精简虽然1930年代。该风格以国际现代装饰和工业艺术展览1925年在巴黎举行。它的旺盛和幻想捕捉了“咆哮20世”的精神，并逃脱了现实大萧条在1930年代。它有过古希腊，罗马，非洲人，阿兹台克和日本人影响，但也未来主义者，立体派和包豪斯那些。有时与埃及复兴风格，由于1922年的发现图坦卡蒙墓和埃及狂它造成了。这两个例子是1919 - 1921年在巴黎的Le Louxor Cinema，henri Zipcy和The埃及剧院在迪卡尔布（伊利诺伊州，美国），1929年至1930年，作者：Elmer F. Behrns。在装饰艺术，使用了体系结构，低浮雕设计以及角模式和形状。主要材料包括铬合金，黄铜，抛光钢和铝，镶嵌的木头，石头和彩色玻璃。

一些最重要的装饰艺术家是巴黎的波兰画家塔玛拉·德·勒米卡（Tamara de Lempicka），乌克兰出生的法国海报艺术家阿道夫·让·玛丽·穆伦（Adolphe Jean-Marie Mouron），被称为卡桑德尔，以及法国家具设计师和室内装饰员émile-jacques ruhlmann.[268][269]

超现实主义（c。1924-1966）

超现实主义成为一个派系达达，正式在1924年正式宣布安德烈·布雷顿超现实主义的宣言.[273]它最初是巴黎的一群文学诗人和作家，很快发展成为一项国际运动，其中包括画家，雕塑家，摄影师和电影制片人。一种第二宣言于1929年出版。[274]超现实主义在应用或装饰艺术，建筑或音乐中没有显著表达，尽管可以确定一些孤立的例子（例如，国际象棋套装，家具和拉斯波扎斯）。小小的生活形而上学学校（c。1910–1921），Giorgio de Chirico作为其主要人物，对超现实主义的影响很大。这位超现实主义者探索了无数创新的技术，有些是在立体主义和达达（Dada）开发的，有些是新的，包括拼贴画，发现的物体，组合，随机机会，射线照相（摄影图），在沙子上绘画，滴水和扑面油漆，十曲，彩色，烟雾和Raclage。两种基本方法占超现实主义艺术。自动主义在早期占据主导地位安德烈·马森（AndréMasson）和琼·米罗。其他艺术家受到乔治·德·奇里科（Giorgio de Chirico）作品的影响萨尔瓦多·达利和雷内·马格里特（RenéMagritte）。重要的艺术家包括让·阿普（Jean Arp），汉斯·贝尔默，维克多·布劳纳（Victor Brauner），路易斯·布尼尔，约瑟夫·康奈尔（Joseph Cornell），ÓscarDomínguez，Max Ernst，Wifredo Lam，Yves Tanguy，男人雷，Alberto Giacometti，MéretOppenheim， 和罗伯托·马塔（Roberto Matta）。其他重要的艺术家非现实主义的非现实主义包括马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp），巴勃罗毕加索， 和弗里达·卡罗。连续的一系列期刊讨论了超现实主义的思想和理论，LaRévolutionSurréaliste（1924-1929），勒超现实主义革命服务（1930–1933），牛头怪（1933-1939），VVV（1942-1944）。安德烈·马森（AndréMasson）和琼·米罗（JoanMiróArshile Gorky对抽象表现主义者在1940年代后期。[275][276][277][278][279][280]

他们认为，达达对传统的政治，宗教和资产阶级文化价值观的无礼和蔑视，他们认为这已带领世界进入了第一次世界大战（布雷顿和其他创始成员是退伍军人）；超现实主义者探索了已开放的可能性西格蒙德·弗洛伊德关於潜意识的思想：“纯粹的心理自动化，人们打算以书面形式或以任何其他方法来表达思想的真实功能。在没有理性的任何控制之外，思想的命令，以及超越任何人美学或道德关注。”[273]超现实主义试图表达纯粹的思想，未经政治，宗教，道德或理性原则未经过滤和未经审查。[275][276][277][278][279][280]

20世纪中叶和后期

主要文章：抽象表现主义，流行艺术，极简主义（视觉艺术）， 和概念艺术

随着欧洲努力从第二次世界大战中恢复，美国进入了政治，经济和文化实力的立场。在1940年代和1950年代，抽象表现主义成为第一个具有国际影响力的美国艺术运动。结果，艺术界的重点从欧洲转移到纽约。抽象表现主义者是一小部分松散相关的艺术家，他们具有相似的前景，但方法不同。他们受到超现实主义的影响，并相信自发性，表达自由和放弃了近几十年来国家艺术的美国生活主题。该运动中最著名的代表之一是杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）以他的绘画而闻名，因为他的绘画是在地面上倒入巨大画布上的巨大画布而闻名的。其他艺术家包括Willem de Kooning，弗朗兹·克莱恩（Franz Kline），罗伯特·马塞韦尔（Robert Motherwell），巴内特·纽曼（Barnett Newman），马克·罗斯科和Clyfford仍然.

第二次世界大战后，消费主义和大众媒体激增，结果流行艺术在伦敦和纽约开发。在1956年的伦敦展览中，“流行”一词用于由理查德·汉密尔顿（1922- 2011年）由美国杂志制成。波普艺术是对抽象表现主义的反应，并解释了流行文化的思想。在庆祝和评论消费主义时，流行艺术家众所周知，根据广告，媒体和购物制作了丰富多彩的图像，以电影明星，漫画，漫画，旗帜，包装和食物为特色 - 每个人，而不是只有几乎没有人的东西，可能与。

期限极简主义并不是什么新鲜事物，但它在1960年代获得了动力，特别描述了一种以独立约束为特征的艺术风格。起源于纽约，这是对抽象表现主义的反应，但也接受了建构主义者应该由现代材料制成艺术的想法。因此，极简主义艺术家（主要是雕塑家）经常使用非传统材料和生产方法，经常采用工业或专业制造商来制作其规格作品。该术语主要用于描述一群美国雕塑家，他们重新评估了周围的空间，旨在以新的方式挑战假设并提出熟悉的物体。他们的艺术品没有任何象征意义或隐藏的意义，因为他们试图使观众能够重新评估形式的艺术和空间。与观众专注于排除其所在房间的雕塑不同，极简主义的艺术变成了它的空间。通过关注背景的影响和观看经验的戏剧性，极简主义对以后的发展产生了间接但强大的影响概念和表演艺术，以及为崛起提供箔后现代主义.

尽管发展了将近50年马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）的想法，概念艺术表明艺术并不总是必须通过美学来判断。它从来都不是一个单一的凝聚力运动，但是现在涵盖了几种艺术的伞，在纽约最初定义的美国和欧洲或多或少地出现了。概念艺术家推广思想或概念的艺术，表明它们在现代世界中比技术技能或美学更有效。无论艺术品的艺术媒体如何，它都被认为是展示该概念的工具。最极端的概念艺术以口头或书面信息传达了这个想法，完全放弃了物理对象。[282][283][284]

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笔记

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参考

进一步阅读

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  • 斯托克斯塔德，玛丽莲（2008）。艺术史（第三版）。新泽西州上萨德尔河：皮尔逊教育。
  • 托马斯，尼古拉斯（1995）。海洋艺术。艺术世界。纽约：泰晤士河和哈德逊。
  • Thuillier，Jacques（2002）。历史艺术。巴黎：Flammarion。ISBN 2-08-012535-4.
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外部链接

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