演员

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大卫·加里克（David Garrick）在理查德三世在舞台上。

一个演员或者演员是一个描绘一个的人特点在表演中。[1]演员在传统媒介中表现出“肉体”剧院或在现代媒体中，例如电影，收音机， 和电视。类似的希腊语是ὑποκριτής（hupokritḗs），从字面上看一个“答案的人”。[2]演员对角色的解释 - 艺术表演 - 确定了扮演的角色，无论是基于真实的人还是虚构的角色。这也可以被视为“演员的角色”，这是由于滚动被用于剧院。即使演员“扮演自己”即使在某些形式的实验中也会发生解释表演艺术.

以前，在古希腊和中世纪世界，在英国威廉·莎士比亚，只有男人才能成为演员，而女性角色通常由男人或男孩扮演。[3]虽然古罗马确实允许女性舞台表演者，但只有少数人被给出了讲话的部分。这Commedia Dell'arte然而，意大利允许职业女性提早表演；Lucrezia di Siena从1564年10月10日起，他的名字是签订演员的合同，被称为第一位以名字叫的意大利女演员Vincenza Armani和芭芭拉·弗拉米尼亚（Barbara Flaminia）作为第一位Primadonnas和第一位有据可查的女演员意大利（在欧洲）。[4]之后英语修复在1660年，妇女开始在英格兰出现。在现代，尤其是在哑剧和某些歌剧中，妇女偶尔扮演男孩或年轻人的角色。[5]

历史

表演者的第一个记录案例发生在公元前534年（尽管这些年来日历的更改使得很难确切确定）thespis踏上舞台戏剧狄俄尼索斯成为第一个在戏剧或故事中说单词作为角色的人。在Thespis的行为之前，希腊的故事仅在歌曲，跳舞，然后第三人称叙述。为了纪念Thespis，演员通常被称为戏剧家。专门的男演员古希腊剧院以三种类型进行戏剧：悲剧，喜剧，和Satyr Play.[6]这在罗马书。这古罗马剧院是一种繁荣而多样的艺术形式，从节日表演街剧院，裸体舞和杂技，处于情况的阶段喜剧， 至高风格，口头精心制作悲剧.

作为西罗马帝国陷入衰败第四和5世纪，罗马力量的所在地向东移动到君士坦丁堡。记录显示哑剧，哑剧，场景或朗诵悲剧和喜剧，舞蹈，其他娱乐活动非常受欢迎。从5世纪开始西欧被陷入一般疾病时期。在整个时期，小型演员乐队在欧洲旅行，无论他们在哪里都能找到观众。没有证据表明他们除了粗糙的场景外没有任何东西。[7]传统上，演员的身份不高。因此，在中世纪早期，经常不信任地观察行进式演出团。中世纪早期的演员被教会在此期间黑暗时代，正如他们被视为危险，不道德的，并且异教徒。在欧洲许多地方，该地区和时间的传统信仰意味着演员无法接受基督教葬礼。

在里面中世纪早期，欧洲的教堂开始演出圣经活动的戏剧化版本。到11世纪中叶，礼仪戏剧从俄罗斯传播到斯堪的纳维亚半岛去意大利。这傻瓜盛宴鼓励喜剧的发展。在里面中世纪晚期，在127个城镇制作了戏剧。这些白话神秘戏剧经常包含喜剧，演员扮演魔鬼，恶棍， 和小丑.[8]这些戏剧中的大多数参与者都是从当地人口汲取的。英格兰的业余表演者完全是男性，但其他国家有女性表演者。

中世纪有几场世俗的戏剧，其中最早是格林伍德的游戏经过亚当·德拉·哈雷在1276年。它包含讽刺场景，民间材料，例如仙女和其他超自然发生。闹剧在13世纪之后，也很受欢迎。在中世纪晚期，专业演员开始出现在英格兰和欧洲。理查德三世和亨利七世两者都维持小型专业演员。从16世纪中叶开始Commedia Dell'arte数百年来，欧洲整个欧洲的即兴演奏节目都活泼。Commedia Dell'Arte是一个以演员为中心的剧院，几乎没有风景，几乎没有道具。戏剧是宽松的框架，提供了情况，并发症和行动的结果，演员们即兴创作。使用的戏剧股票字符。一个小组通常由13至14名成员组成。大多数演员都被支付了该剧的一部分利润，这大致相当于其角色的大小。

1596年的表演草图推力阶段的天鹅，典型伊丽莎白女王开放式剧场

文艺复兴时期的剧院来自中世纪的几个传统，例如神秘戏剧，”道德发挥作用“和试图重现雅典悲剧的“大学戏剧”。意大利的传统Commedia Dell'arte，以及精致的面漆经常在法庭上呈现，还为公共剧院的塑造做出了贡献。从伊丽莎白一世统治之前玩家公司附属于领先的贵族家庭，并在各个地方进行季节性表演。这些成为在伊丽莎白女王舞台.

剧院的发展和表演机会停止清教徒反对舞台禁止伦敦境内所有戏剧的表现。清教徒将剧院视为不道德的。1660年的剧院重新开放标志着英语戏剧的复兴。英语喜剧在恢复从1660年到1710年的时期被统称为“恢复喜剧”。恢复喜剧以其臭名昭著性显性。在这一点上，妇女首次被允许出现在英语舞台上，专门扮演女性角色。这个时期看到了第一位职业演员的引入和第一位名人演员的崛起。

19世纪

亨利·欧文（Henry Irving）铃铛，1874年

在19世纪，演员的负面声誉在很大程度上扭转了，表演成为一种荣誉，流行的职业和艺术。[9]演员作为名人的崛起提供了过渡，观众涌向他们最喜欢的“星星”。出现了一个新角色演员经理，他们成立了自己的公司并控制了演员，制作和融资。[10]成功后，他们建立了一个永久的客户，涌向他们的作品。他们可以通过在全国各地巡回演出，表演著名戏剧的曲目来扩大观众，例如莎士比亚的戏剧。报纸，私人俱乐部，酒吧和咖啡店响起了活泼的辩论，评估了星星和制作的相对优点。亨利·欧文（1838–1905）是英国演员经理中最成功的。[11]欧文（Irving）以莎士比亚的角色以及诸如宣传房屋灯光之类的创新而闻名。他的公司在英国以及欧洲和美国巡回演出，展示了明星演员的力量，并庆祝了吸引热情观众的角色。他在1895年的骑士表明，对英国社会的更高圈子充分接受。[12]

20世纪

Playbill封面舒伯特剧院约翰·哈德森（John Hudson）妻子的演讲

到20世纪初，大规模作品的经济学取代了演员经理模型。很难找到在表演和管理方面结合天才的人，因此专业化将角色划分为舞台经理然后剧院导演出现了。从财务上讲，在主要城市中运营需要更大的资本。解决方案是剧院连锁店的公司所有权，例如戏剧集团，爱德华·劳利拉德（Edward Laurillard），尤其是舒伯特组织。通过迎合游客，大城市的剧院越来越喜欢长期流行的戏剧，尤其是音乐剧。大牌明星变得更加必不可少。[13]

技术

主要文章：表演技巧清单
  • 古典表演是一种表演的哲学，它整合了身体，声音，想像力，个性化，即兴创作，外部刺激和脚本分析的表达。它基于精选的古典参与者和董事的理论和系统Konstantin Stanislavski和米歇尔·圣丹尼斯.
  • 在Stanislavski的系统，也称为斯坦尼斯拉夫斯基的方法，演员们藉鉴了自己的感受和经验来传达他们所描绘的角色的“真理”。演员将自己置于角色的思维方式中，找到共同的事物，以使角色更真实地刻画。
  • 方法表演是基于培训演员的一系列技术，以实现其扮演角色的更好特征，如李·斯特拉斯伯格。Strasberg的方法基于这样的观念，即要对其角色发展情感和认知的理解，演员应利用自己的经验来与他们的角色认同。它基于斯坦尼斯拉夫斯基系统的各个方面。其他表演技术也基于斯坦尼斯拉夫斯基的思想，例如斯特拉·阿德勒（Stella Adler）和Sanford Meisner，但这些不被视为“方法”。[14]
  • Meisner技术要求演员完全专注于另一个演员，好像他们是真实的，并且仅在那一刻存在。这是一种使现场演员对观众更加真实的方法。基于这样的原则，代理在人们对他人和环境的反应中发现了它的表达。是基于斯坦尼斯拉夫斯基的系统。

作为相反的性别

以前，在某些社会中，只有男人才能成为演员。在古希腊和古罗马[15]和中世纪世界，对于一个女人上台被认为是可耻的。尽管如此，妇女确实在古罗马演出，并再次进入舞台Commedia Dell'arte在16世纪的意大利；Lucrezia di Siena成为自古罗马以来的第一位职业女演员。法国和西班牙在16世纪也有女演员。在威廉·莎士比亚的然而，英格兰的女性角色通常是由男人或男孩扮演的。[3]

十八年清教徒禁止戏剧在英语修复在1660年，妇女开始出现在英格兰的舞台上。玛格丽特·休斯通常被认为是英语舞台上的第一位职业女演员。[16]之前，当归马丁内利，一位来访的意大利Commedia dell'arte公司的成员，早在1578年就在英国演出[17]但是，这样的外国客串露面是极少数例外的，英格兰没有专业的英国女演员。这种禁令在统治期间结束查尔斯二世部分原因是他喜欢在舞台上观看女演员。[18]特别是，查尔斯二世发布字母专利至托马斯·基里格鲁（Thomas Killigrew）和威廉·达文纳特（William Davenant），授予他们垄断有权组建两家伦敦剧院公司来表演“严肃”的戏剧，并在1662年重新发布了《信》专利，并修订了女演员第一次表演。[19]

根据OED，该术语的第一次出现演员在1608年，被归因于米德尔顿。在19世纪，许多女演员经常被视为否定的妇女妓女并与滥交有关。尽管有这些偏见，但19世纪也看到了第一位女性表演“星”，最著名的是莎拉·伯恩哈特（Sarah Bernhardt）.[20]

在日本，Onnagata，或扮演女性角色的男性被使用Kabuki剧院时妇女被禁止在舞台上表演江户期;该公约继续。在某些形式的中国戏剧中京剧，男人传统上扮演了所有角色，包括女性角色，Shaoxing Opera女人经常扮演所有角色，包括男性角色。[21]

在现代，妇女偶尔扮演男孩或年轻男子的角色。例如，舞台角色彼得潘传统上是由女人扮演的，大多数人也是如此主要男孩在英国哑剧.歌剧有几个”马裤角色“传统上是由女性演唱的，通常是Mezzo-Sopranos。例子是汉塞尔Hänsel和Gretel，切鲁比诺在费加罗的婚姻和Octavian InDer Rosenkavalier.

扮演男性角色的女性在电影中并不常见，但例外。1982年斯蒂娜·埃克布拉德（Stina Ekblad）在范妮和亚历山大， 和琳达·亨特收到了奥斯卡最佳女配角奖为了扮演比利·夸危险生活的一年。 2007年，凯特·布兰切特（Cate Blanchett）被提名奥斯卡最佳女配角奖为了扮演裘德·奎因（Jude Quinn）鲍勃·迪伦在1960年代，我不在那里.

在2000年代，在现场戏剧中扮演男性的女性在较旧剧的演讲中尤为普遍，例如莎士比亚与大量男性角色一起工作，在性别无关紧要的角色中。[5]

将演员的连衣裙作为漫画效果的异性也是长期的传统漫画剧院和电影。莎士比亚的大多数喜剧都包括公开的实例穿衣， 如弗朗西斯长笛在仲夏夜之梦。电影一件有趣的事情发生在论坛的途中星星杰克·吉尔福德像年轻的新娘一样着装。托尼·柯蒂斯和杰克·莱蒙（Jack Lemmon）著名的是妇女逃脱黑帮比利·怀尔德电影有些喜欢它很热。在大多数进行电影.达斯汀·霍夫曼（Dustin Hoffman）和罗宾·威廉姆斯每个人都出现在一部热门喜剧电影中（Tootsie和怀疑女士，分别）他们演奏大多数穿着女人的场景。

有时，这个问题更加复杂，例如，一个女人扮演一个男人的女人，然后假装自己是一个女人，例如朱莉·安德鲁斯在维克多/维多利亚， 或者格温妮丝·帕特洛在莎士比亚在爱中。在是拍：电影，电影观看者永远不会学会雌雄同体的主要人物的性别拍和克里斯（由朱莉娅·斯威尼（Julia Sweeney）和戴夫·弗利（Dave Foley））。同样，在上述示例中费加罗的婚姻，在一个场景中，切鲁比诺（一个女人描绘的男性角色）打扮得像女人一样。场景中的其他角色意识到一个单一的性别角色混淆，而观众知道两个级别。

异性成员扮演一些现代角色，以强调角色的性别流动性。埃德娜·特恩布拉德（Edna Turnblad）发胶饰演神在里面1988年原创电影，哈维·菲尔斯坦（Harvey Fierstein）在里面百老汇音乐剧， 和约翰·特拉沃尔塔（John Travolta）在里面2007电影音乐剧.埃迪·雷德梅恩（Eddie Redmayne）被提名学术奖播放Lili Elbe（一个跨性别的女人）2015年丹麦女孩.[22]

女演员一词

Helena Modrzejewska，波兰裔美国女演员，作者Tadeusz Ajdukiewicz，1880年

与古希腊剧院相比，古罗马剧院确实允许女性表演。尽管他们中的大多数人很少受雇于演讲，而是为了跳舞，但罗马的女演员少数女演员从事演讲角色，以及那些因其艺术而获得财富，名望和认可的人，例如安图里斯，狄奥尼西亚，Galeria Copiola和Fabia Arete，他们还组成了自己的表演公会社会Mimae，显然很富有。[23]该行业似乎在古代后期消失了。

虽然妇女直到17世纪下半叶才开始在英格兰上舞台上表演，但她们确实从16世纪后期就出现在意大利，西班牙和法国。Lucrezia di Siena从1564年10月10日起，他的名字是在罗马的一份代理合同，被称为第一位以名字叫的意大利女演员Vincenza Armani和芭芭拉·弗拉米尼亚（Barbara Flaminia）作为第一个Primadonnas以及意大利（和欧洲）的第一位有据可查的女演员。[4]

1660年之后英国，当妇女刚开始出现在舞台上时演员或者演员最初是互换用于女性表演者的，但后来受到法国人的影响actrice，演员成为戏剧和电影中女性常用的术语。这词源是一个简单的派生演员和-ess添加。[24]指的是两性表演者的群体时，演员首选。[25]

在该行业中，中立术语的重新添加到战后1950年和60年代的时期，妇女对一般文化生活的贡献正在审查中。[26]什么时候观察者和守护者它在2010年发布了新的联合风格指南，称男性和女性演员的“使用['演员']；除非以奖项的名义，例如奥斯卡最佳女演员，否则请勿使用女演员。[25]该向导的作者说，“女演员与作家，喜剧演员，经理，'Lady Doctor'，“男护士”和类似的过时术语属于同一类别，这是从职业大部分是一种性行为（通常是男人）的职业的时代。。”（看男性作为常态。） “作为Whoopi Goldberg在接受论文采访时说：“女演员只能扮演一个女人。我是演员 - 我可以玩任何东西。'"[25]英国表演者工会公平没有关于使用“演员”或“女演员”的政策。股票发言人说，工会不认为此事达成共识，并说“……主题分裂了专业”。[25]在2009年，洛杉矶时报指出“女演员”仍然是专业中使用的常见术语表演授予女性接受者的奖项[27]（例如。，奥斯卡最佳女演员奖）。

关于美国电影院，性别中立的术语“玩家”在电影中很常见无声电影时代和早期电影制作代码，但是在2000年代，在电影背景下，它通常被认为是古老。但是，“玩家”仍在使用剧院，通常被合并到剧院团体或公司的名称中，例如美国球员， 这东西方玩家等等，还有演员即兴剧院可以称为“玩家”。[28]

女演员凯特·温斯莱特

支付权益

2015年福布斯报导说：“ ... 2014年的100部票房最高的电影中，只有21部拥有女主角或共同领导，而在100部票房上的100部电影中只有28.1％的角色是女性……”。[29]“在美国，在各个规模的薪水中都有一个行业范围的[差距]。平均而言，白人妇女的每一美元赚取78美分，而西班牙裔妇女的赚钱为56美分，白人男性的美元，黑人妇女64美分，而美国原住民妇女仅为59美分。”[29]福布斯的分析2013年美国代理薪水的分析确定，“ ...福布斯的男人在那一年的最高薪酬演员名单2+1/2与最高薪水女演员一样多的钱。这意味着，好莱坞最富裕的女演员的每一美元只赚40美分。”[30][31][32]

类型

演员参加剧院，电影，电视， 和收音机必须学习特定的技能。一种在一种表演中很好地工作的技术在另一种表演中可能无法很好地工作。

在剧院

要在舞台上行事，演员需要学习出现在剧本中的舞台方向，例如“阶段左”和“舞台右”。这些方向是基于演员的观点，因为它们站在观众面对的舞台上。演员还必须学习舞台方向“上舞台”（远离观众）和“下舞台”（对观众）的含义。[33]剧院演员需要学习阻止，这是“ ...演员在戏剧中何地以及如何在舞台上移动”。大多数脚本指定一些阻止。董事还提供有关阻止的说明，例如越过舞台或拾起并使用道具。[33]

一些戏剧演员需要学习舞台战斗，这是在舞台上进行的模拟战斗。演员可能不得不模拟手头战斗或剑术。演员由战斗导演，谁帮助他们学习编排序列战斗行动。[33]

在电影中

无声电影

从1894年到1920年代后期，电影是无声电影。无声电影演员强调身体语言，暗示和表情，以便观众可以更好地理解演员在屏幕上的感觉和刻画。许多无声的电影表演很容易使现代观众变得简单或坎皮。戏剧性的表演风格在某些情况下是习惯演员从以前的舞台经历中转移的。沃德维尔对于许多美国沉默电影演员来说，剧院是一个特别受欢迎的起源。[34]遍布的存在舞台演员在电影中是导演爆发的原因马歇尔·尼兰（Marshall Neilan）在1917年：“进入照片的人越早越来越多，图片越好。”在其他情况下，约翰·格里菲斯·雷（John Griffith Wray）等董事要求其演员提供比生命更大的表达方式以进行重点。早在1914年，美国观众就开始知道他们在屏幕上更加自然的偏爱。[35]

到1910年代初期，欧洲和美国的开创性电影导演认识到了舞台和屏幕媒介的不同局限性和自由。在1910年代中期，随着舞台和屏幕之间的差异显而易见，无声电影在1910年代中期变得越来越少。由于董事的工作D W Griffith，摄影变得较少舞台，当时革命性的特写镜头允许微妙而自然主义的表演。在美国，D.W。格里菲斯公司传记工作室，以其创新的方向和表演而闻名，是为了适合电影院而不是舞台。格里菲斯（Griffith）意识到，戏剧表演在电影上看起来不好，因此他的演员和女演员都需要进行数周的电影表演训练。[36]

莉莲·吉什（Lillian Gish）在此期间，她开创了新电影表演技巧，因此被称为电影的作品“第一位真正的女演员”，并认识到舞台和屏幕表演之间的关键差异。董事如阿尔伯特·卡皮拉尼（Albert Capellani）和莫里斯·托尔尼尔（Maurice Tourneur）开始在电影中坚持自然主义。到1920年代中期，许多美国无声电影采用了更自然的表演风格，尽管并非所有演员和导演都接受了自然主义的，低调的表演。直到1927年，都有表现主义表演风格的电影，例如都会，仍在被释放。[35]

根据威斯康星大学的一名无声电影学者安东·卡斯（Anton Kaes）的说法，美国寂静电影开始看到1913年至1921年之间的演戏技术转变，受到德国无声电影中的技术的影响。这主要归因于移民的涌入魏玛共和国，“包括电影导演，制片人，摄影师，照明和舞台技术人员以及演员”。[37]

电影的出现

电影演员必须学会习惯并适应在他们面前的相机。[38]电影演员需要学习找到并保持“标记”。这是用胶带标记的地板上的位置。该位置是优化灯光和相机焦点的位置。电影演员还需要学习如何做好准备和表现良好 - 屏幕测试。屏幕测试是对脚本的一部分拍摄的试镜。

与剧院演员（为重复表演培养角色）不同，电影演员缺乏连续性，迫使他们进入所有场景（有时以最终出现的顺序拍摄）已经具有完全发达的角色。[36]

“由于电影甚至捕捉了最小的手势并放大了……因此，电影院要求演员的身体表现不佳，而不是剧院。”“情感的表现是电影掌握的最困难的方面：……电影演员必须依靠微妙的面部tick虫，颤抖和眉毛的微小升降机来创造一个可信的角色。”[36]一些剧院明星“……使剧院到剧院的过渡非常成功（劳伦斯·奥利维尔（Laurence Olivier），格伦·克洛斯（Glenn Close）， 和朱莉·安德鲁斯，例如），其他人没有……”[36]

在电视中

“在电视机上，通常有几台摄像机在套装上。演员是新手的屏幕表演，可能会对要看哪种相机的看法感到困惑。”[33]电视演员需要学习使用LAV MIC（Lavaliere麦克风）。[33]电视演员需要理解“框架”的概念。“术语框架是指相机镜头正在捕获的区域。”[33]在表演行业中，有四种类型的电视角色可以降落在演出中。每种类型的突出性，外观频率和薪水都不同。第一个被称为系列常规 - 节目中的主要演员作为永久演员的一部分。演员在再次发生的角色是在系列的多个情节中出现的合同。一种配角角色是通常仅出现在一个情节中的小口语角色。一种特邀明星比一个更大的角色配角角色，角色通常是情节或情节不可或缺的焦点。

在广播中

在荷兰录制广播电台（1949年；Spaarnestad照片）

无线电戏剧是一部戏剧性的，纯粹的声学表现，广播收音机或在音频媒体上发布，例如磁带或CD。没有视觉组件，无线电戏剧取决于对话，音乐和声音效果，以帮助听众想像角色和故事：“它在物理维度上是听觉的，但同样强大，就像心理维度中的视觉力量一样强大。”[39]

广播电视剧在1920年代最初发展的十年内广泛流行。到1940年代，这是一家领先的国际流行娱乐。然而，随着1950年代电视的出现，广播电视剧失去了一些知名度，在某些国家，从未恢复过大量的观众。但是，OTR的录音（旧广播）今天在收藏家和博物馆的音频档案中生存，以及几个在线网站，例如互联网档案.

截至2011年，无线电戏剧在美国的地面广播中的存在很少。美国广播电视剧的大部分仅限于重新广播或播客过去几十年的计划。但是，其他国家仍然具有蓬勃发展的广播戏剧传统。例如，在英国，英国广播公司每年生产和广播数百部新广播电台电台3，广播4， 和广播4额外。播客还提供了制作新的无线电戏剧的方法，此外还提供了复古节目的分发。

术语“音频戏”[40]或“音频剧院”有时以“无线电戏剧”的代名词使用，并具有一个可能的区别：音频戏剧或音频剧院不一定是专门用于在广播中广播的。可以在CD，盒式磁带，播客，网络广播和常规广播广播。

多亏了数字录制和互联网发行的进步，广播电视剧正在复兴。[41]

也可以看看

参考

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来源

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