演员
演员或女演员是描绘作品中角色的人。演员在剧院的传统媒介或电影，广播和电视等现代媒体中表演“肉体”。类似的希腊术语是ὑποκριτής （ hupokritḗs ），实际上是“回答的人”。演员对角色的解释（表演艺术）都确定了扮演的角色，无论是基于真实的人还是虚构人物。这也可以被视为“演员的角色”，这被称为剧院中的卷轴。即使演员“扮演自己”即使在某些形式的实验表演艺术中也会发生解释。
以前是在古希腊和中世纪世界，在威廉·莎士比亚时代的英国，只有男人才能成为演员，而女性角色通常是由男人或男孩扮演的。虽然古罗马确实允许女性舞台表演者，但只有少数人被赋予了讲话的部分。然而，意大利的Commedia dell'arte允许职业女性提早表演。卢克雷齐亚·迪·锡耶纳（Lucrezia Di Siena）的名字是1564年10月10日的演员合同，被称为第一位以名字叫的意大利女演员， Vincenza Armani和Barbara Flaminia被称为第一位Primadonnas，是意大利的第一位备受纪录的女演员（在欧洲）。 1660年英国恢复后，妇女开始在英格兰出现在舞台上。在现代，尤其是在哑剧和某些歌剧中，女性偶尔扮演男孩或年轻人的角色。
历史
当希腊表演者Thespis登上剧院狄俄尼索斯（Dionysus）成为第一个说话的人时，表演者的第一个记录案件发生在公元前534年（尽管这些年来的日历上的更改都很难确切确定）单词是戏剧或故事中的角色。在Thespis的行为之前，希腊故事仅以歌曲，舞蹈和第三人称叙述来表达。为了纪念Thespis，演员通常被称为Thespians 。古希腊剧院的独家男演员演出了三种戏剧：悲剧，喜剧和《萨特》戏剧。这在罗马人的领导下发展和扩展。古罗马剧院是一种蓬勃发展的艺术形式，从街头剧院的节日表演，裸体舞和杂技表演到情境喜剧的演出，再到高级，口头上详尽的悲剧。
随着西罗马帝国在4世纪和5世纪的衰落中，罗马力量的所在地向东移至君士坦丁堡。记录显示，来自悲剧，喜剧，舞蹈和其他娱乐活动的哑剧，哑剧，场景或朗诵非常受欢迎。从5世纪开始，西欧陷入了一般疾病时期。在整个时期，小型演员的游牧乐队在欧洲各地旅行，无论他们在任何地方都能找到观众。没有证据表明他们除了粗糙的场景外都没有生产任何东西。传统上，演员的身份不高。因此，在中世纪早期，经常会以不信任观察行进的行为。中世纪早期的演员在黑暗时代被教会谴责，因为他们被视为危险，不道德和异教徒。在欧洲许多地方，该地区和时间的传统信仰意味着演员无法接受基督教葬礼。
在中世纪早期，欧洲的教堂开始刊登戏剧化的圣经活动版本。到11世纪中叶，礼仪戏剧已从俄罗斯传播到斯堪的纳维亚半岛，再到意大利。傻瓜的盛宴鼓励了喜剧的发展。在中世纪后期，在127个城镇制作了戏剧。这些白话的神秘戏剧通常包含喜剧，演员扮演魔鬼，恶棍和小丑。这些戏剧中的大多数参与者都是从当地居民中汲取的。英格兰的业余表演者完全是男性，但其他国家有女性表演。
中世纪有几场世俗的戏剧，最早的是亚当·德拉·哈雷（Adam de La Halle）在1276年的《格林伍德》（Greenwood）的作品。它包含讽刺场景和民间材料，例如仙灵和其他超自然事件。 13世纪之后，闹剧也普及了。在中世纪后期结束时，专业演员开始出现在英格兰和欧洲。理查德三世（Richard III）和亨利七世（Henry VII）都维持小型专业演员公司。从16世纪中叶开始， Commedia Dell'Arte剧团在欧洲整个欧洲都表演了活泼的即兴游戏。 Commedia Dell'Arte是一个以演员为中心的剧院，几乎没有风景，几乎没有道具。戏剧是宽松的框架，提供了情况，并发症和行动的结果，演员围绕着演员即兴创作。播放使用的库存字符。一个小组通常由13至14名成员组成。大多数演员的利润中的一部分大致相当于其角色的大小。
文艺复兴时期的剧院来自几个中世纪剧院传统，例如神秘戏剧，“道德戏剧”和试图重现雅典悲剧的“大学戏剧”。意大利的Commedia Dell'Arte的传统以及经常在法庭上呈现的精心构造的地毯，也为公共剧院的塑造做出了贡献。从伊丽莎白一世统治之前，球员公司就隶属于领先的贵族家庭，并在各个地方进行季节性表演。这些成为在伊丽莎白女王舞台上表演的专业球员的基础。
当清教徒反对舞台时，剧院的发展和演戏的机会停止了伦敦境内所有戏剧的表现。清教徒将剧院视为不道德的。 1660年的剧院重新开放标志着英语戏剧的复兴。在1660年至1710年的修复期间写和演奏的英语喜剧统称为“恢复喜剧”。恢复喜剧以其性露骨而臭名昭著。在这一点上，妇女首次被允许出现在英语舞台上，专门扮演女性角色。这一时期看到了第一位职业演员的引入和第一位名人演员的崛起。
19世纪
在19世纪，演员的负面声誉在很大程度上扭转了，表演成为一种荣誉，流行的职业和艺术。演员作为名人的崛起提供了过渡，观众涌向他们最喜欢的“星星”。演员经理出现了一个新的角色，他们成立了自己的公司并控制了演员，制作和融资。成功后，他们建立了一个永久的客户，涌向他们的作品。他们可以通过在全国各地巡回演出，表演著名戏剧的曲目，例如莎士比亚的剧本来扩大观众。报纸，私人俱乐部，酒吧和咖啡店响起了活泼的辩论，评估了星星和制作的相对优点。亨利·欧文（Henry Irving ）（1838–1905）是英国演员经理中最成功的。欧文（Irving）以莎士比亚的角色以及诸如宣布户外灯光的创新而闻名，以便将注意力集中在舞台上，而不是观众。他的公司在英国以及欧洲和美国巡回演出，展示了明星演员的力量，并庆祝了吸引热情观众的角色。他在1895年的骑士表明，他对英国社会的更高圈子充分接受。
20世纪
到20世纪初，大规模作品的经济学取代了演员经理模型。很难找到在表演和管理方面结合了天才的人，因此专业化将作为舞台经理的角色和后来的剧院主管划分了。从财务上讲，在主要城市中运营需要更大的资本。解决方案是剧院连锁店的公司所有权，例如剧院集团，爱德华·劳利拉德（Edward Laurillard），尤其是舒伯特（Shubert）组织。通过迎合游客，大城市的剧院越来越喜欢长期流行的戏剧，尤其是音乐剧。大牌明星变得更加必不可少。
技术
- 古典表演是一种表演的哲学，它整合了身体，声音，想像力，个性化，即兴创作，外部刺激和脚本分析的表达。它基于精选的古典演员和董事的理论和系统，包括Konstantin Stanislavski和Michel Saint-Denis 。
- 在斯坦尼斯拉夫斯基的系统（也称为斯坦尼斯拉夫斯基的方法）中，演员们藉鉴了自己的感受和经验来传达他们所描绘的角色的“真理”。演员将自己置于角色的思维方式中，找到了共同的事物，以使角色更真实地描绘。
- 方法代理是基于训练参与者的一系列技术，以更好地表征其扮演的角色，如李·斯特拉斯伯格（Lee Strasberg）所制定的。 Strasberg的方法基于这样的观念，即要对其角色产生情感和认知的理解，演员应该利用自己的经验来与他们的角色认同。它基于stanislavski系统的各个方面。其他表演技术也基于斯坦尼斯拉夫斯基的思想，例如斯特拉·阿德勒（Stella Adler）和桑福德·梅斯纳（Sanford Meisner）的思想，但这些思想不被视为“方法” 。
- Meisner Technique要求演员完全专注于另一个演员，好像他们是真实的，并且仅在那一刻存在。这是一种使现场演员对观众更加真实的方法。基于这样的原则，代理在人们对他人和环境的反应中发现了它的表达。是基于斯坦尼斯拉夫斯基的系统。
作为相反的性别
以前，在某些社会中，只有男人才能成为演员。在古希腊和古罗马和中世纪世界中，一个女人上台被认为是可耻的。尽管如此，妇女确实在古罗马演出，并在16世纪再次进入意大利的Commedia dell'arte舞台。 Lucrezia Di Siena成为自古罗马以来的第一位职业女演员。法国和西班牙在16世纪也有女演员。然而，在威廉·莎士比亚的英格兰，女性角色通常是由男人或男孩扮演的。
1660年英国恢复后，解除了18年的清教徒禁止戏剧性的禁令时，妇女开始出现在英格兰的舞台上。玛格丽特·休斯（Margaret Hughes）经常被认为是英语舞台上的第一位职业女演员。此前，一位来访的意大利Commedia Dell'arte公司的成员当归Martinelli早在1578年就在英格兰演出，但这种外国客人的露面是极少数例外，在英格兰没有专业的英国女演员。这一禁令在查尔斯二世统治期间结束，部分原因是他喜欢在舞台上观看女演员。特别是，查尔斯二世（Charles II）向托马斯·基里格鲁（Thomas Killigrew）和威廉·达文曼（William Davenant）颁发了专利，授予他们组建两家伦敦剧院公司表演“严肃”戏剧的垄断权，并在1662年重新发行了《信》专利，并进行了修订，允许女演员首次表演。 。
根据OED的说法，女演员一词的首次出现是1608年，归因于Middleton 。在19世纪，许多女性经常是妓女，并且与滥交有关。尽管有这些偏见，但19世纪也看到了第一个女性表演“星星”，最著名的是莎拉·伯纳特（Sarah Bernhardt） 。
在日本，奥纳加塔（Onnagata ）或扮演女性角色的男性在江户时期被禁止在舞台上表演时在卡布基剧院使用；该公约继续。在某些形式的中国戏剧（例如北京歌剧）中，男人在传统上扮演了所有角色，包括女性角色，而在Shaoxing Opera妇女中经常扮演所有角色，包括男性角色。
在现代，妇女偶尔扮演男孩或年轻男子的角色。例如，彼得·潘（Peter Pan）的舞台角色传统上是由女性扮演的，而英国哑剧中的大多数主要男孩也是如此。歌剧传统上有几个“马裤角色”，通常是女性，通常是女高音。例子是Hänsel和Gretel的Hansel，在Der Rosenkavalier的Figaro和Octavian结婚中的Cherubino 。
扮演男性角色的女性在电影中并不常见，但例外。 1982年，斯蒂娜·埃克布拉德（Stina Ekblad）在范妮（Fanny）和亚历山大（Alexander）扮演神秘的伊斯梅尔·雷丁斯基（Ismael Retzinsky），琳达·亨特（ Linda Hunt）因在危险的生活年度扮演比利·夸（Billy Kwan）而获得奥斯卡最佳女演员奖。 2007年，凯特·布兰切特（Cate Blanchett）因扮演裘德·奎因（Jude Quinn）而获得奥斯卡最佳女演员奖提名，这是鲍勃·迪伦（Bob Dylan）在1960年代的虚构代表，在我不在那里。
在2000年代，在现场戏剧中扮演男性的女性在较旧剧的演讲中尤为普遍，例如莎士比亚与大量男性角色一起工作，在性别无关紧要的角色中。
在漫画剧院和电影中，以演员的连衣裙为漫画效果的异性也是长期的传统。莎士比亚的大多数喜剧都包括公开穿衣的实例，例如仲夏夜之梦中的弗朗西斯长笛。这部电影是一件有趣的事情，在论坛的途中出现了杰克·吉尔福德（Jack Gilford）的年轻新娘。托尼·柯蒂斯（Tony Curtis）和杰克·莱蒙（Jack Lemmon）以女性为众所周知，是在比利·怀尔德（ Billy Wilder）的电影中逃脱黑帮的人。漫画效果的横切是大多数摄影术中经常使用的设备。达斯汀·霍夫曼（Dustin Hoffman）和罗宾·威廉姆斯（Robin Williams ）分别出现在一部热门喜剧电影（ Tootsie and Wistainfire夫人）中，他们在其中演奏了大多数穿着女人的场景。
有时，这个问题更加复杂，例如，一个扮演男人的女人的女人 - 然后假装自己是一个女人，例如维克多/维多利亚的朱莉·安德鲁斯，或恋爱中莎士比亚的格温妮丝·帕特洛。在《帕特：电影：电影》中，电影中从未学到雌雄同体的主要角色帕特和克里斯（由朱莉娅·斯威尼（Julia Sweeney）和戴夫·弗利（Dave Foley ）饰演）。同样，在菲加罗婚姻的前面例子中，有一个场景，切鲁比诺（一个女人描绘的男性角色）打扮得像女人一样。场景中的其他角色意识到一个单一的性别角色混淆，而观众知道两个级别。
异性成员扮演一些现代角色，以强调角色的性别流动性。埃德娜·特恩布拉德（Edna Turnblad）在发胶中的埃德娜（ Edna Turnblad）在1988年的原始电影《百老汇音乐剧中的哈维·菲尔斯坦》（Harvey Fierstein）和2007年电影音乐剧中的约翰·特拉沃尔塔（John Travolta ）中饰演。埃迪·雷德梅恩（Eddie Redmayne）在2015年的丹麦女孩（The Danish Girl ）中扮演莉莉·埃尔伯（Lili Elbe）（一名跨性别女子）的奥斯卡金像奖提名。
女演员一词
与古希腊剧院相比，古罗马剧院确实允许女性表演者。尽管他们中的大多数人很少受雇于演讲，而是为了跳舞，但罗马的女演员少数女演员在讲话中受雇，还有那些因其艺术而获得财富，名望和认可的人，例如Eucharis ，Eucharis， Dionysia ，Galeria， Galeria Copiola和Fabia Arete ，他们还成立了自己的代理协会Sociae Mimae ，这显然很富有。该行业似乎在古代后期消失了。
虽然妇女直到17世纪下半叶才开始在英格兰上舞台上表演，但她们从16世纪后期就出现在意大利，西班牙和法国。卢克雷齐亚·迪·锡耶纳（Lucrezia Di Siena）的名字是1564年10月10日在罗马的一份代理合同，被称为第一位以名字称呼的意大利女演员，其中Vincenza Armani和Barbara Flaminia是第一位Primadonnas ，也是第一位意大利的Italy Italy Possenty女演员（和欧洲）。
1660年在英格兰，妇女刚开始出现在舞台上时，演员或女演员最初是在女性表演中互换使用的，但后来受到法国actrice的影响，女演员成为戏剧和电影中女性常用的术语。词源是从添加-ess的Actor的简单派生。当指出两性表演者群体时，演员是首选。
在该行业中，中立术语的重新补习可以追溯到1950年和60年代战后时期，当时妇女对文化生活的贡献一般都在审查中。当观察者和监护人在2010年发表新的联合风格指南时，它说“使用[演员']对男性和女性演员都不使用；除非以奖项的名义，例如奥斯卡最佳女演员，否则请不要使用女演员。该向导的作者说，“女演员与作家，喜剧演员，经理，'女医生'，“男护士”和类似过时的术语属于同一类别，这是从专业的时代起到一种性行为（通常是男人）的保存而来的。 。” （将男性视为常态。 ）“正如Whoopi Goldberg在对论文采访中所说的那样：'女演员只能扮演一个女人。我是演员 - 我可以扮演任何事情。 ' ”使用“演员”或“女演员”的政策。股票发言人说，工会不认为这一问题达成共识，并指出“……主题将职业分开”。 2009年，《洛杉矶时报》（Los Angeles Times）表示，“女演员”仍然是授予女性接受者的主要表演奖中常见的任期（例如，奥斯卡最佳女演员奖）。
关于美国的电影院，性别中立的术语“玩家”在寂静电影时代和电影制作代码的早期在电影中很常见，但是在2000年代，在电影背景下，它通常是被视为古老。但是，“玩家”仍在剧院中使用，通常被合并到剧院团体或公司的名称中，例如美国球员，东西部玩家等。另外，即兴剧院的演员也可以称为“玩家”。
赔偿
性别工资差距
2015年， 《福布斯》报导说：“ ... 2014年的100部票房最高的电影中，只有21个具有女主角或共同领导者，而在100部票房上的100部电影中只有28.1％的角色是女性……”。 “在美国，在各个规模的薪水中都有一个行业范围的[差距]。平均而言，白人妇女的每一美元赚取78美分，而白人妇女赚取的每一美元，而西班牙裔妇女的赚钱为56美分，白人男性的美元，黑人妇女64美分和美洲原住民妇女的收入为59美分。 2013年，2013年确定“ ...福布斯（Forbes）当年最高薪水演员名单 2 + 1 / 2的钱是最高薪水女演员的数量。这意味着，好莱坞最富有补偿的女演员的每一美元只能赚取最合理的男人的赚钱。”
类型
在戏剧，电影，电视和广播中工作的演员必须学习特定的技能。一种在一种表演中很好地工作的技术在另一种表演中可能无法很好地工作。
在剧院
要在舞台上行事，演员需要学习出现在剧本中的舞台方向，例如“舞台左”和“舞台右”。这些方向是基于演员的观点，因为它们站在观众面对的舞台上。演员还必须学习舞台方向“上舞台”（远离观众）和“舞台”（向观众）的含义。剧院演员需要学习阻止，这是“ ...演员在戏剧中的舞台上以及如何在舞台上移动”。大多数脚本指定了一些阻止。董事还提供有关阻止的说明，例如越过舞台或拾起并使用道具。
一些戏剧演员需要学习舞台战斗，这是在舞台上进行模拟战斗。演员可能不得不模拟手头战斗或打剑。演员由战斗导演指导，他们帮助他们学习了精心策划的战斗动作序列。
在电影中
无声电影
从1894年到1920年代后期，电影是无声电影。无声的电影演员强调了肢体语言和面部表情，以便观众可以更好地了解演员在屏幕上的感觉和刻画。许多无声的电影表演易于使现代观众视为简单或野营。戏剧性的表演风格在某些情况下是从以前的舞台经历中转移出来的习惯演员。对于许多美国无声电影演员来说，杂技演员剧院是一个特别受欢迎的起源。舞台演员在电影中的普遍存在是导演马歇尔·尼兰（Marshall Neilan）在1917年爆发的原因：“舞台上的舞台人越早出现，对图片的越好”。在其他情况下，约翰·格里菲斯·雷（John Griffith Wray）等董事要求其演员提供比生命更大的表达方式以进行重点。早在1914年，美国观众就开始知道他们对屏幕上更自然的偏爱。
到1910年代初期，欧洲和美国的开创性电影导演认识到了舞台和屏幕媒介的不同局限性和自由。随着舞台和屏幕之间的差异显而易见，在1910年代中期，无声电影变得越来越少。由于诸如DW Griffith之类的导演的工作，摄影变得较少，而当时的革命性特写镜头则使其具有微妙而自然主义的表演。在美国，DW Griffith的公司传记工作室以其创新的方向和表演而闻名，以适合电影院而不是舞台。格里菲斯（Griffith）意识到戏剧表演在电影上看起来不好，因此他的演员和女演员需要进行数周的电影表演训练。
莉莲·吉什（Lillian Gish）在此期间的作品中被称为电影的“第一位真正女演员”，因为她开创了新电影表演技巧，并认识到舞台和屏幕表演之间的关键差异。阿尔伯特·卡佩拉尼（Albert Capellani）和莫里斯·杜尔尼尔（Maurice Tourneur）等导演开始坚持他们的电影中的自然主义。到1920年代中期，许多美国无声电影采用了更自然的表演风格，尽管并非所有的演员和导演都接受了自然主义的，低调的表演。直到1927年，以表演主义表演风格（例如大都市）为特色的电影仍在发行。
据威斯康星大学的一位无声电影学者安东·卡斯（Anton Kaes）称，美国无声电影开始看到1913年至1921年之间的演戏技术转变，受到德国无声电影中的技术的影响。这主要归因于魏玛共和国的移民涌入，包括电影导演，制片人，摄影师，照明和舞台技术人员以及演员和女演员”。
电影中的声音出现
电影演员必须学会习惯并适应在他们面前的相机。电影演员需要学习找到并留在自己的“标记”上。这是用胶带标记的地板上的位置。该位置是优化灯光和相机焦点的地方。电影演员还需要学习如何做好准备并进行良好的屏幕测试。屏幕测试是脚本部分的拍摄试镜。
与戏剧演员（为重复表演培养角色）不同，电影演员缺乏连续性，迫使他们进入所有场景（有时以最终出现的顺序拍摄）已经具有完全发达的角色。
“由于电影甚至抓住了最小的手势并放大了它……因此，电影院要求演员的身体表现不佳，而不是剧院。” “情感的表现是电影掌握的最困难的方面：……电影演员必须依靠微妙的面部tick虫，颤抖和眉毛的微小升降机来创造一个可信的角色。”一些戏剧明星“ ...已经成功地使剧院到剧院过渡（例如，劳伦斯·奥利维尔，格伦·克洛克和朱莉·安德鲁斯），其他人没有……”
在电视中
“在电视机上，通常有几台摄像机在套装上。演员是新手的屏幕表演，可能会对要看哪种相机的看法感到困惑。”电视演员需要学习使用LAV MIC（ Lavaliere麦克风）。电视演员需要了解“框架”的概念。 “框架一词是指相机镜头正在捕获的区域。”在表演行业中，有四种类型的电视角色可以降落在演出中。每种类型的突出性，外观频率和工资都不同。第一个被称为系列常规- 演出中的主要演员是永久演员的一部分。重复角色的演员在合同中出现在系列的多个情节中。联合主演的角色是通常仅出现在一个情节中的小口语角色。来宾明星比联合主演的角色更大，并且角色通常是情节的核心重点或情节不可或缺的焦点。
在广播中
广播电视剧是一部戏剧性的，纯粹的声学性能，在广播上广播或在音频媒体上发布，例如磁带或CD。无视觉组成部分，无线电戏剧取决于对话，音乐和声音效果，以帮助听众想像角色和故事：“它在物理维度上是听觉的，但作为心理维度的视觉力量同样强大。”
广播电视剧在1920年代最初发展的十年内广泛流行。到1940年代，这是一家领先的国际流行娱乐。然而，随着1950年代电视的出现，广播电视剧失去了一些知名度，在某些国家，从未恢复过大量的观众。但是，OTR（旧广播）的录音今天在收藏家和博物馆的音频档案中以及几个在线站点（例如Internet档案）中生存。
截至2011年，广播电视剧在美国的地面广播中的存在很少。美国广播电视剧的大部分仅限于过去几十年来的重新广播或节目的播客。但是，其他国家仍然具有蓬勃发展的广播戏剧传统。例如，在英国，英国广播公司（BBC）每年在广播3 ，无线电4和Radio 4 Extra Pruience上生产并广播数百部新广播戏剧。播客还提供了制作新的无线电戏剧的方法，除了复古节目的分布。
术语“音频戏剧”或“音频剧院”有时会以“无线电戏剧”为代名词，并具有一个可能的区别：音频戏剧或音频剧院不一定是专门用于在广播中广播的。音频戏剧，无论是新生产的还是OTR经典，都可以在CD ，盒式磁带，播客，网络广播和常规广播广播中找到。
多亏了数字录音和互联网发行的进步，广播电视剧正在复兴。