亚伦科普兰

亚伦·科普兰（Aaron Copland）年轻人的音乐会，1970年signature written in ink in a flowing script

亚伦科普兰（/ˈkoʊplənd/，科普-lənd；[1][2]1900年11月14日至1990年12月2日）是美国作曲家，作曲老师，作家，后来是他自己和其他美国音乐的指挥。科普兰被他的同龄人和批评家称为“美国作曲家的院长“。在他的大部分音乐中，开放，缓慢改变的和声是许多人认为是美国音乐的声音，唤起美国广阔的景观和先驱精神的典型代表。他以1930年代写的作品而闻名1940年代以故意获得的风格通常被称为“民粹主义者”，作曲家将其标记为他的“白话”风格。[3]以这种方式作品包括芭蕾阿巴拉契亚春天，比利的孩子和牛仔竞技表演， 他的赞美普通人和第三交响曲。除了他的芭蕾舞和管弦乐作品外，他还制作了许多其他类型的音乐，包括室内音乐，声乐作品，歌剧和电影分数。

经过一些作曲家的初步研究鲁宾·戈德马克（Rubin Goldmark），科普兰前往巴黎，他第一次学习Isidor Philipp和保罗·维达尔（Paul Vidal），然后注明教育纳迪亚·布兰格（Nadia Boulanger）。他与布兰格（Boulanger）一起学习了三年，他的折衷音乐启发了他自己的广阔品味。在他返回美国的一名专职作曲家之路后，科普兰撰写了讲座，撰写了委托书，并做了一些教学和写作。但是，他发现在现代主义者他在国外留学时采用的风格是一种经济上矛盾的方法，尤其是鉴于大萧条。他在1930年代中期转变为一种更容易获得的音乐风格，这反映了德国的想法Gebrauchsmusik（“使用音乐”），可以提供功利主义和艺术目的的音乐。在大萧条时期，他广泛前往欧洲，非洲和墨西哥，与墨西哥作曲家建立了重要的友谊卡洛斯·查韦斯（CarlosChávez）并开始撰写他的签名作品。

在1940年代后期，科普兰意识到斯特拉文斯基和其他作曲家已经开始学习阿诺德·肖恩伯格（Arnold Schoenberg）使用十二色（串行）技术。在他接触过法国作曲家的作品之后皮埃尔·布莱兹（Pierre Boulez），他将串行技术纳入他的钢琴四重奏（1950），钢琴幻想（1957），内涵乐团（1961）和Inscape乐团（1967）。与Schoenberg不同，科普兰以与他的音调材料几乎相同的语调行（作为旋律和和声的来源），而不是本身就是完整的陈述，除了从结构的角度出发的重要事件。从1960年代开始，科普兰的活动从作曲转变为指挥。他成为美国和英国乐团的常客指挥，并为他的音乐做了一系列录音，主要是哥伦比亚记录.

生活

早些年

亚伦科普兰音乐学院，皇后学院（纽约城市大学）

亚伦·科普兰（Aaron Copland）出生于布鲁克林，纽约，1900年11月14日。[4]他是五个孩子中最小的一个保守的犹太人家庭立陶宛语起源。[5]在从俄罗斯到美国的移民时，科普兰的父亲哈里斯·莫里斯·科普兰（Harris Morris Copland，1864 - 1945年）在苏格兰生活和工作了两到三年，以支付前往美国的乘船票价。科普兰的父亲可能有英语化他的姓氏为“科普兰”，尽管科普兰本人多年来一直认为这种变化是由于埃利斯岛移民官员进入该国时。[4][6]然而，直到他生命的后期，科普兰一直没有意识到，姓氏是卡普兰，他的父母从未告诉过他。[6]在整个童年时代，科普兰和他的家人都生活在父母之上布鲁克林Shop，H。M. Copland's，位于华盛顿大街628号（亚伦后来将其描述为“一种社区梅西百货”），[7][8]在迪恩街和华盛顿大道的拐角处[9]大多数孩子在商店里有所帮助。他的父亲是一个坚定的民主党人。家庭成员活跃于会众贝思以色列的anshei emes，亚伦庆祝他的Bar Mitzvah.[10]这位敏感的年轻人并非特别运动，成为一名狂热的读者，经常阅读Horatio Alger他的前台阶上的故事。[11]

科普兰的父亲没有音乐兴趣。他的母亲Sarah Mittenthal Copland（1865-1942）唱歌，弹钢琴，并为她的孩子们安排了音乐课。[12]科普兰有四个较大的兄弟姐妹：两个哥哥拉尔夫·科普兰（Ralph Copland）（1888-1952）和莱昂·科普兰（Leon Copland）（约1891年 - ？）和两个大姐妹劳琳·科普兰（Laurine Copland）（c。1892-？）和约瑟芬·科普兰（Josephine Copland）（约瑟芬·科普兰（Josephine Copland）（c。1894--？？）。[13][14]在他的兄弟姐妹中，他最大的兄弟拉尔夫（Ralph）在音乐上是最先进的。他精通小提琴。他的姐姐劳琳（Laurine）与亚伦（Aaron）有着最牢固的联系。她给了他他的第一架钢琴课，促进了他的音乐教育，并在他的音乐生涯中为他提供了支持。[12]劳琳（Laurine）在大都会歌剧院（Metropolitan Opera School）和经常观众的学生带回家libretti亚伦学习。[15]科普兰参加了男孩高中夏天去了各个营地。他早期接触音乐的大部分都是在犹太人的婚礼和仪式上以及偶尔举行的家庭音乐剧。[10]

科普兰从八岁半开始写歌。[16]他最早的音乐，大约在11岁时写的大约七个酒吧，是为了创作并称呼歌剧。Zenatello.[16][17]从1913年到1917年，他与利奥波德·沃尔索恩（Leopold Wolfsohn）一起上了钢琴课，后者教他标准的古典票价。[16]科普兰的首次公开音乐表演是Wanamaker's独奏。[18][19]到15岁时，在波兰作曲家钢琴家参加了一场音乐会之后点火Jan Paderewski，科普兰决定成为作曲家。[20]16岁时，科普兰在布鲁克林音乐学院.[21]在试图从一个函授，科普兰在和谐，理论， 和作品从鲁宾·戈德马克（Rubin Goldmark），是美国音乐的著名老师和作曲家乔治·格甚温三课）。科普兰在1917年至1921年之间与他一起学习的戈德马克（Goldmark）为年轻的科普兰提供了坚实的基础，尤其是在日耳曼传统上。[22]正如科普兰后来说的那样：“这对我来说是一个运气。我摆脱了挣扎，许多音乐家通过无能的教学遭受了苦难。”[23]但是科普兰还评论说，大师“对当时的高级音乐习惯很少同情”，他的“批准”作曲家以最终结束理查德·斯特劳斯（Richard Strauss）.[24]

科普兰从戈德马克（Goldmark）学习中的毕业作品是一把三动钢琴奏鸣曲在一个浪漫风格.[25]但是他还撰写了更多原创作品，他没有与老师分享。[26]除了定期参加大都会歌剧和纽约交响乐，在那里他听到了标准的古典曲目，科普兰通过不断扩大的音乐朋友圈来继续他的音乐发展。高中毕业后，科普兰参加了舞蹈乐队。[27]继续他的音乐教育，他从维克多·维特根斯坦（Victor Wittgenstein）那里获得了进一步的钢琴课，他发现他的学生“安静，害羞，精心掌握和亲切地接受批评”。[28]科普兰对俄罗斯革命释放下层阶级的承诺吸引了父亲和叔叔的谴责。[29]尽管如此，在成年后的早期生活中，科普兰仍将与社会主义和共产主义倾向的人建立友谊。[30]

在巴黎学习

纳迪亚·布兰格（Nadia Boulanger）于1925年

科普兰对最新欧洲音乐的热情以及他的朋友亚伦·沙弗（Aaron Schaffer）的发光来信，激发了他前往巴黎进一步学习。[31]一篇文章音乐美国关于美国音乐家的暑期学校计划Fontainebleau音乐学院，由法国政府提供，进一步鼓励科普兰。[32]他的父亲要他上大学，但他母亲在家庭会议上的投票使他可以尝试巴黎。到达法国后，他与钢琴家和教育家一起在Fontainebleau学习Isidor Philipp和作曲家保罗·维达尔（Paul Vidal）。当科普兰发现维达尔（Vidal纳迪亚·布兰格（Nadia Boulanger），然后年龄34岁。[33]他最初的保留是：“据我所知，没有人想到和一个女人一起学习。”[34]她采访了他，后来回忆说：“有人可以立即告诉他的才华。”[35]

Boulanger一次有多达40名学生，并采用了科普兰必须遵循的正式疗法。科普兰发现她的喜好很敏锐，发现她有能力批评作品无可挑剔的能力。Boulanger“总是可以在您怀疑的地方找到弱点……她也可以告诉你为什么这是弱[斜体科普兰]。”[36]他在给他的兄弟拉尔夫的一封信中写道：“这个知识分子亚马逊不仅是教授音乐学院，不仅熟悉从巴赫（Bach）到斯特拉文斯基（Stravinsky）的所有音乐，而且还为不和谐的方式做好了准备。但是毫无疑问……一个更迷人的女性女人从未生活过。”[37]科普兰后来写道：“对我来说，找到一位开放性的老师对我来说真是太好了，而与此同时，她在音乐事务上坚定地说明了对与错的想法。她对我的才华和她对我的信念的信心是至少更讨人喜欢 - 他们在职业生涯的这个时候对我的发展至关重要。”[38]尽管他只计划出国一年，但他与她一起学习了三年，发现她的折衷方法启发了他自己的广泛音乐品味。

科普兰与布兰格一起学习，在法语和历史上上课Sorbonne，参加戏剧并经常莎士比亚和公司，这是英语书店，是美国外籍作家的聚会场所。[39]在1920年代巴黎令人愉悦的文化氛围中的这一群体中有保罗·鲍尔斯，海明威，辛克莱·刘易斯，格特鲁德·斯坦（Gertrude Stein）， 和以斯拉磅，以及喜欢的艺术家巴勃罗毕加索，马克·夏加尔（Marc Chagall）， 和Amedeo Modigliani.[40]法国知识分子也对新音乐的影响很大马塞尔·普鲁斯特（Marcel Proust），保罗·瓦莱（PaulValéry），让·保罗·萨特（Jean-Paul Sartre）， 和安德烈·吉德（AndréGide）;后者被科普兰引用为他的个人最爱，也是最读的。[41]前往意大利，奥地利和德国的旅行汇集了科普兰的音乐教育。在巴黎逗留期间，科普兰开始写音乐批评，第一次加布里埃尔·福雷（GabrielFauré），这有助于在音乐界散布他的名声和身材。[42]

1925年至1935年

Serge Koussevitzky是科普兰的导师和支持者

在巴黎度过了富有成效的逗留后，科普兰回到美国对未来的乐观和热情，决心成为一名全职作曲家。[43]他在纽约市租了一间工作室公寓上西侧在里面帝国酒店， 相近卡内基音乐厅以及其他音乐场所和出版商。他在接下来的30年中一直留在该地区，后来搬到纽约威彻斯特县。科普兰在两次2500美元的帮助下节俭地生活并在财务上幸存下来古根海姆奖学金在1925年和1926年（两个相当于2021年的$ 38,629）。[44]讲座，奖励，任命和小型委员会，以及一些教学，写作和个人贷款，使他在第二次世界大战的后续几年中保持了他的漂浮。[45]同样重要的是，尤其是在大萧条期间，是富裕的顾客，他们承销表演，帮助为出版作品和促进音乐活动和作曲家付出代价。[45]在这些导师中是Serge Koussevitzky，音乐总监波士顿交响乐团并被称为“新音乐”的冠军。库塞维茨基（Koussevitsky）将被证明在科普兰（Copland）的生活中非常有影响力，也许是科普兰职业生涯中第二重要的人物，仅次于布兰格（Boulanger）。[46]以风琴和管弦乐队交响乐（1924年），库塞维茨基（Koussevitzky）将比作曲家的同时代人更多的音乐表演更多的音乐，而其他指挥家只编程了科普兰的一些作品。[47]

返回美国后不久，科普兰接触了摄影师的艺术圈阿尔弗雷德·斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）。尽管科普兰并不关心斯蒂格利茨的霸气态度，但他确实欣赏自己的工作，并衷心坚信美国艺术家应该反映“美国民主的思想”。[48]这个理想不仅影响了作曲家，还影响了一代艺术家和摄影师，包括保罗·斯特兰德（Paul Strand），爱德华·韦斯顿，安塞尔·亚当斯（Ansel Adams），佐治亚州奥基夫， 和沃克·埃文斯（Walker Evans）.[48]埃文斯的照片激发了科普兰歌剧的部分嫩的土地.[49]

为了追求Stieglitz集团“肯定美国”的口号，科普兰只发现了音乐卡尔·鲁格（Carl Ruggles）和查尔斯·艾夫斯绘画。[50]没有科普兰在美国古典作曲家中称为“可用的过去”，他看着爵士乐和流行音乐，这是他在欧洲时已经开始做的。[51]在1920年代，格甚温（Gershwin），贝西·史密斯， 和路易斯·阿姆斯特朗位于美国流行音乐和爵士乐的最前沿。[52]到本十年末，科普兰认为他的音乐朝着一个更抽象的，不太爵士的方向发展。[53]但是，就像大型挥杆乐队一样本尼·古德曼和格伦·米勒（Glenn Miller）科普兰在1930年代变得流行，对该类型引起了人们的重新兴趣。[54]

科普兰钦佩阿尔弗雷德·斯蒂格利茨（Alfred Stieglitz）

受到示例的启发莱斯六在法国，科普兰寻找同时代人罗杰会议，罗伊·哈里斯（Roy Harris），维吉尔·汤姆森（Virgil Thomson）， 和沃尔特活塞，并迅速确立了自己这一代作曲家的发言人。[55]他还帮助了Copland会议音乐会，向新观众展示了这些作曲家的作品。[56]科普兰与这些被称为“突击队单位”的人的关系是支持和竞争的一种，他在将他们保持在一起直到第二次世界大战后发挥了关键作用。[57]他的时间也很慷慨，几乎每位美国年轻作曲家都在他的一生中遇到，后来赢得了“美国音乐院长”的头衔。[58]

鉴于他从巴黎的学习中获得的知识，科普兰作为当代欧洲的讲师和作家的需求。古典音乐.[59]从1927年到1930年以及1935年至1938年，他在新的社会研究学校在纽约市。[59]最终，他的新学校讲座将以两本书的形式出现 - 在音乐中听什么（1937年，修订1957年）和我们的新音乐（1940年，修订1968年，重新开始新音乐：1900–1960）。[59]在此期间，科普兰还定期写信纽约时报，音乐季度和其他许多期刊。这些文章将于1969年出现在这本书科普兰音乐.[59]在新学校期间，科普兰（Copland）活跃于主持人和策展人，以新学校为关键地点，展示来自美国以及全球各地的各种作曲家和艺术家。

科普兰在1920年代初期的作品反映了知识分子中普遍存在的现代主义态度，即只有一个开明的干部才能获得艺术，并且群众会随着时间的流逝而欣赏他们的努力。但是，与交响乐（1929）和短交响曲（1933年）使科普兰重新考虑了这种方法。这在财务上是矛盾的，尤其是在大萧条期间。前卫音乐失去了文化历史学家莫里斯·迪克斯坦（Morris Dickstein）称其为“其浮力实验优势”，而民族情绪已经改变。[60]作为传记作者霍华德·波拉克（Howard Pollack）指出，[61]

科普兰在1930年代观察了作曲家之间的两个趋势：首先是“简化其音乐语言”的持续尝试，其次是与观众尽可能多地与观众“建立联系”的愿望。自1927年以来，他一直在简化或至少削弱他的音乐语言的过程，尽管有时会矛盾地疏远观众和表演者的效果。到1933年...他开始找到方法，使他的个人语言扎根于令人惊讶的大量人。

在许多方面，这种转变反映了德国的观念Gebrauchsmusik（“使用音乐”），因为作曲家试图创建可以提供的音乐功利主义以及艺术目的。这种方法涵盖了两个趋势：首先，学生可以轻松学习的音乐，其次是具有更广泛吸引力的音乐，例如偶然的音乐用於戏剧，电影，广播等。[62]为此，科普兰为此提供了音乐建议和灵感团体剧院，也吸引的公司斯特拉·阿德勒（Stella Adler），Elia Kazan和李·斯特拉斯伯格.[63]从哲学上讲，斯蒂格利茨及其理想的产物，该小组的重点是美国作者与社会相关的戏剧。[64]通过它，后来他在电影中的作品，科普兰遇到了几位美国主要剧作家，包括桑顿·怀尔德，威廉·英格，亚瑟·米勒， 和爱德华·阿尔比（Edward Albee），并考虑了所有这些项目。[65]

1935年至1950年

开放：阿巴拉契亚春天，13个乐器的原始版本
科普兰芭蕾舞团的开场运动样本
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1935年左右，科普兰开始为年轻观众创作音乐作品，这是美国Gebrauchsmusik的第一个目标。[66]这些作品包括钢琴作品（年轻的开拓者）和歌剧（第二次飓风）。[67]在大萧条时期，科普兰广泛前往欧洲，非洲和墨西哥。他与墨西哥作曲家建立了重要的友谊卡洛斯·查韦斯（CarlosChávez）并经常返回墨西哥进行活动假期进行活动。[68]在最初访问墨西哥时，科普兰开始撰写他的第一个签名作品，ElSalónMéxico，他于1936年完成。第二次飓风科普兰以更简单，更容易获得的风格开始“实验”。[69]这个和其他附带的委员会实现了美国Gebrauchsmusik的第二个目标，创造了广泛吸引力的音乐。

卡洛斯·查韦斯（CarlosChávez）于1937年

并发第二次飓风，科普兰（Copland哥伦比亚广播系统.[70]这是他第一批传达美国西部景观的作品之一。[71]这种强调边境的重点向他的芭蕾舞比利的孩子（1938年），ElSalónMéxico成为他的第一个广泛的公众成功。[72][73]科普兰的芭蕾舞音乐使他成为美国音乐的真实作曲家，因为斯特拉文斯基的芭蕾舞成绩将作曲家与俄罗斯音乐联系起来，并在适当的时候来了。[74]他帮助填补了美国编舞的真空吸尘器，以填补他们的舞蹈曲目[75]并从电影的电影中挖掘Busby Berkeley和弗雷德·阿斯特（Fred Astaire）到芭蕾乔治·巴兰奇（George Balanchine）和玛莎·格雷厄姆（Martha Graham），以民主化和美国化舞蹈作为一种艺术形式。[76]1938年，科普兰帮助形成了美国作曲家联盟促进和出版美国当代古典音乐。科普兰从1939年至1945年担任该组织的总裁。[21]1939年，科普兰（Copland）完成了他的前两部好莱坞电影分数老鼠和我们的城市，并根据电台分数“约翰·亨利”（John Henry）为基础民谣.[77]

尽管这些作品和其他像他们这样的作品被大型批评者接受了倾听的公众，但指责科普兰在群众身上倾诉。[78]音乐评论家保罗·罗森菲尔德一方面，1939年警告说，科普兰“站在高地的叉子里，两个分支机构分别带来了流行和艺术的成功。”[79]甚至作曲家的一些朋友，例如作曲家亚瑟·伯杰（Arthur Berger），对科普兰更简单的风格感到困惑。[80]一，作曲家大卫·戴蒙德（David Diamond），甚至在科普兰演讲了。“[81]科普兰的回应是，他的写作像他一样，在许多流派中，他对萧条如何影响社会以及对这些新媒体提供的新媒体和观众的反应。[82]正如他本人所说的那样，“这位作曲家因与大众观众的接触而吓坏了自己的艺术完整性，这不再意识到艺术这个词的含义。”[79]

最初的小号笔记赞美普通人，纪念花园，坦格伍德

1940年代可以说是科普兰最富有成效的时代，他这一时期的一些作品将巩固他的全球名望。他的芭蕾舞得分牛仔竞技表演（1942）和阿巴拉契亚春天（1944年）取得了巨大的成功。他的作品林肯肖像和赞美普通人成为爱国标准。同样重要的是第三交响曲。从1944年到1946年的两年期间，它成为科普兰最著名的交响曲。[83]这单簧管协奏曲（1948年），为独奏单簧管，琴弦，竖琴和钢琴得分，是乐队领导者和单簧管演奏家本尼·古德曼（Benny Goodman）的委员钢琴协奏曲（1926）。[84]他的四个钢琴布鲁斯是具有爵士乐影响的内省作品。[85]科普兰以两个电影成绩完成了1940年代的比赛，一个是威廉·威勒女继承人一个电影改编的约翰·斯坦贝克（John Steinbeck）的小说红马.[86]

1949年，科普兰返回欧洲，在那里他发现法国作曲家皮埃尔·布莱兹（Pierre Boulez）在战后前卫作曲家中占据了主导地位。[87]他还根据阿诺德·肖恩伯格（Arnold Schoenberg）的作品，与十二色技术的支持者会面，发现自己有兴趣将串行方法适应自己的音乐声音。

1950年代和1960年代

亚伦·科普兰（Aaron Copland）于1962年从电视节目中获得

1950年，科普兰收到了美国 - 意大利富布赖特委员会奖学金是在罗马学习，第二年他做了。大约在这个时候，他还制作了他的钢琴四重奏，采用了Schoenberg的十二色作曲方法和老美国歌（1950年），第一组由彼得·皮尔斯（Peter Pears）和本杰明·布里顿（Benjamin Britten），第二威廉·沃菲尔德（William Warfield）.[88]在1951-52学年期间，科普兰在查尔斯·艾略特·诺顿教授职位在哈佛大学。这些讲座是作为书籍发表的音乐和想像力.[89]

因为他的左派观点，其中包括他对美国共产党在1936年总统大选以及他对进步党候选人亨利·华莱士在1948年总统大选期间，科普兰进行了调查联邦调查局在此期间红色恐慌1950年代。他被列入联邦调查局的151名艺术家，被认为有共产主义协会，发现自己黑名单， 和林肯肖像撤回1953年的首席音乐会艾森豪威尔.[90]当年晚些时候，在美国国会大厦在华盛顿特区。，科普兰受到质疑约瑟夫·麦卡锡和罗伊·科恩（Roy Cohn）关于他在国外讲课以及与各种组织和活动的隶属关系。[91]在此过程中，麦卡锡和科恩完全忽略了科普兰的作品，这使美国价值观赋予了美德。[92]受到指控的愤怒，音乐界的许多成员以他的爱国主义的旗帜来表现科普兰的音乐。调查于1955年停止，并于1975年关闭。[93]

麦卡锡调查并没有严重影响科普兰的职业生涯和国际艺术声誉，对他的时间，精力和情感状态征税。[93]然而，从1950年开始，科普兰 - 斯大林对斯大林的迫害感到震惊Shostakovich和其他艺术家 - 贝甘（Began）辞去参与左派团体的辞职。[94]波拉克说，科普兰说：“对艺术家在社会中的作用特别关注”。[95]他谴责苏联缺乏艺术自由，在1954年的诺顿演讲中，他断言苏联共产主义下的自由丧失使艺术家剥夺了艺术家的“艺术家的远古权利是错误的”。他开始对民主党投票，首先为史蒂文森，然后为肯尼迪投票。[94]

科普兰的可能性更大的是艺术口味的一种变化，远离注入了1930年代和40年代作品的民粹主义。[60]从1940年代开始，知识分子袭击了流行的阵线文化，科普兰的音乐与之相连，并用迪克斯坦的话将其标记为“绝望弱智化艺术变成无牙娱乐。”[60]他们经常将他们对民粹主义艺术的鄙视与技术，新媒体和大众观众联系起来，换句话说，电台，电视和电影的领域，科普兰的传播节目或很快就会写音乐以及他受欢迎的芭蕾舞。[60]尽管这些攻击实际上始于1930年代末克莱门特·格林伯格和德怀特·麦克唐纳为了党派评论，他们以反斯大林主义政治为基础，并将在第二次世界大战后的几十年中加速。[60]

尽管他涉嫌共产党的同情可能遇到了任何困难，但科普兰在1950年代和1960年代初广泛旅行，以观察前卫欧洲风格，听到苏联作曲家在西方鲜为人知的作品，并体验新的波兰音乐学校。[96]在日本时，他被带走了tōrutakemitsu并开始了与他的信件，该信件将在未来十年中持续下去。[97]科普兰通过评论他遇到的风格，修改了他的文字“新音乐”。[98]他发现了他听到的乏味和非个人化的大部分内容。[99]电子音乐似乎有“令人沮丧的声音相同”，而剧烈的音乐适合那些“喜欢在混乱边缘摇摇欲坠的人”。[100]当他总结说：“我一生中大部分时间都在尝试在正确的位置获得正确的音符。把它扔给机会似乎与我的自然本能背道而驰。”[100]

1952年，科普兰从作曲家联盟，由理查德·罗杰斯（Richard Rodgers）和奥斯卡·哈默斯坦（Oscar Hammerstein），为电视写一部歌剧。[101]尽管科普兰知道这种类型的潜在陷阱，包括薄弱的天秤座和苛刻的生产价值，但他也一直在考虑自1940年代以来写一部歌剧。[101]他考虑的主题是西奥多·德赖斯（Theodore Dreiser）美国悲剧和弗兰克·诺里斯McTeague[101]他终于安顿下来詹姆斯·艾格（James Agee）现在让我们赞美名人这似乎适合更亲密的电视环境，也可以在“大学贸易”中使用，与第二次世界大战之前的学校相比，学校越来越多。[101]由此产生的歌剧，嫩的土地，以两种行为写成，但后来扩大到三个。正如科普兰所担心的那样，当歌剧在1954年首映时，批评家发现歌词很弱。[102]尽管存在缺陷，但歌剧还是进入了标准曲目的少数美国歌剧之一。[102]

1957年，1958年和1976年，科普兰是音乐总监Ojai音乐节，一个古典和现代音乐节加利福尼亚州Ojai.[103]在大都会艺术博物馆百年纪念博物馆，科普兰组成黄铜合奏的礼仪大张旗鼓伴随展览“五十世纪的杰作”。伦纳德·伯恩斯坦，活塞，威廉·舒曼（William Schuman），汤姆森还为博物馆的百年展览创作了作品。[104]

亚伦科普兰的半身像坦格伍德

晚年

从1960年代开始，科普兰越来越多地转向指挥。尽管没有迷恋前景，但他发现自己没有新的作品想法，他说：“就像有人只是拒绝了水龙头。”[105]他成为美国和英国的常客指挥，并为他的音乐做了一系列录音，主要是哥伦比亚记录。 1960年，RCA Victor与管弦乐队套房的波士顿交响乐团一起发行了科普兰的录音阿巴拉契亚春天和嫩的土地;这些录音后来在CD上重新发行，科普兰的大多数哥伦比亚唱片（索尼）也是如此。

A green wooden house with stone chimney and foundation walls, seen through trees on a sunny winter day.
岩山，科普兰的家纽约的科特兰特庄园，现在国家历史地标

从1960年到他去世，科普兰一直居住在纽约的科特兰特庄园。被称为岩山，他的家被添加到国家历史名录在2003年，进一步指定了国家历史地标在2008。[106]科普兰的健康状况一直在1980年代恶化，他死于阿尔茨海默氏病和呼吸衰竭1990年12月2日在纽约北塔里敦（现在昏昏欲睡）。他去世后，他的骨灰散布在马萨诸塞州莱诺克斯附近的坦格伍德音乐中心上。[107]他的大部分大型遗产都被遗赠给了亚伦科普兰的作曲家基金会，该基金每年向表演团体授予超过60万美元。[108]

个人生活

科普兰从不入选任何政党成员。然而，他从父亲那里继承了对公民和世界事件的极大兴趣。[109]他的观点通常是进步的，他与包括Odets在内的流行阵线中的众多同事和朋友有着牢固的联系。[110]在他一生的早期，科普兰用波拉克的话来说，“对弗兰克·诺里斯（Frank Norris），西奥多·德雷（Theodore Dreiser）和Upton Sinclair，所有小说的社会主义者都充满激情地阐明了资本主义对普通人的身体和情感上的伤害。”[111]即使在麦卡锡听证会之后，他仍然是军国主义和冷战的坚定反对者，他认为这是美国煽动的。[112]他谴责它“对艺术的差距比真实的东西还差。”将艺术家抛弃“心情怀疑，不情愿，恐惧，这代表了冷战态度，他什么也不会创造”。[113]

尽管科普兰与有组织的宗教思想有各种各样的相遇，这影响了他的一些早期作品，但他仍然保持不可知论.[114]在受欢迎的阵线运动中，当它得到左派认可时，他与犹太复国主义相近。Pollack写道：[115]

像许多同时代人一样，科普兰在宗教，文化和种族方面交替考虑犹太教。但是他在犹太遗产的任何方面表现出相对较少的参与。同时，他与基督教有联系，与深刻的基督教作家确定杰拉德·曼利·霍普金斯（Gerard Manley Hopkins）经常与亲密朋友一起在家里度过圣诞节。总的来说，他的音乐似乎像犹太人的颂歌一样唤起新教徒赞美诗。科普兰特征在各种宗教传统之间找到了联系。但是，如果科普兰对他的犹太背景谨慎，他也不会隐藏它。

维克多·卡夫（Victor Kraft），1935年

波拉克说，科普兰是同性恋，作曲家早日接受和理解他的性行为。[116]像当时的许多人一样，科普兰守护了他的隐私，尤其是关于他的同性恋。他提供了有关他的私人生活的几条书面细节，甚至在石墙暴动1969年，没有表现出“出来”的意愿。[117]然而，他是他身材公开并与亲密关系一起旅行的少数作曲家之一。[118]他们倾向于才华横溢，年轻的男人参与艺术，并且随着年龄的增长，他们和作曲家之间的年龄差异扩大。[119]几年后，大多数人成为持久的朋友，用波拉克的话来说，“仍然是陪伴的主要来源”。[117]在科普兰的爱情中，有摄影师维克多·卡夫（Victor Kraft），艺术家Alvin Ross，钢琴家Paul Moor，舞者Erik Johns，作曲家John Brodbin Kennedy，[120]和画家普伦蒂斯·泰勒（Prentiss Taylor）.[121][122]

维克多·卡夫（Victor Kraft）成为科普兰生活的常数，尽管他们的恋情可能到1944年结束。[123]克拉夫（Kraft）最初是一位小提琴神童，当作曲家在1932年与他见面时，他放弃了音乐以从事摄影事业，部分原因是科普兰（Copland）的敦促。[124]卡夫（Kraft）会离开并重新进入科普兰（Copland）的生活，因为他的行为变得越来越不稳定，有时是对抗的，他经常给他带来很大的压力。[125]卡夫（Kraft）父亲是一个孩子，科普兰（Copland）后来通过他的遗产从遗产中提供了财务保障。[126]

音乐

也可以看看：亚伦·科普兰（Aaron Copland）的作品清单

维维安·佩里斯（Vivian Perlis）与科普兰（Copland）合作创作了自传，他写道：“科普兰（Copland）的作曲方法是写下音乐思想的片段。）。”[127]如果这些掘金中的一个或多个看起来很有希望，那么他会写钢琴素描，并最终在键盘上使用它们。[127]佩里斯（Perlis）写道，钢琴写道：“他的作曲是如此不可或缺，以至于它渗透到了他的作曲风格上，不仅是在乐器中的频繁使用，而且以更加微妙和复杂的方式使用”。[127]他转向键盘的习惯往往会让科普兰尴尬，直到他得知斯特拉文斯基也这样做。[127]

科普兰在完成并注明之前不会考虑特定仪器的特定仪器。[127]根据Pollack的说法，他也没有从组成的开始到结尾以线性方式工作。取而代之的是，他倾向于不特别的顺序构成整个部分，并在所有这些部分完成后，都可以推测其最终的顺序，就像组装拼贴画一样。[128]科普兰本人承认：“我不撰写。我组装材料。”[129]很多时候，他包括了几年前写的材料。[129]如果情况决定了，就像他的电影分数一样，科普兰可以迅速工作。否则，他倾向于尽可能缓慢写。[129]即使有了这种审议，科普兰也以他的话说了“情感的产物”，其中包括“自我表达”和“自我发现”。[129]

影响

十几岁的科普兰最早的音乐倾向跑向肖邦，Debussy，威尔第俄罗斯作曲家，科普兰的老师和导师纳迪亚·布兰格（Nadia Boulanger）成为他最重要的影响力。[130]科普兰特别钦佩布兰格对所有古典音乐的全面掌握，并鼓励他尝试和发展“比例的概念和优雅”。遵循她的模型，他研究了古典音乐和所有形式的所有时期，从马德里亚尔到交响曲。视觉广泛导致科普兰为众多场景（Orchestra，Opera，Solo钢琴，小合奏，艺术歌曲，芭蕾舞，戏剧和电影）创作音乐。Boulanger特别强调了“ La Grande Ligne”（长线），“一种向前运动的感觉……不可避免的感觉，创造可以将其视为功能性实体的整个作品”。[130]

在与巴黎的布兰格（Boulanger）学习期间，科普兰（Copland）很高兴能如此接近新的后印象派法国音乐ravel，鲁塞尔， 和萨蒂， 也莱斯六，包括米尔豪德，Poulenc， 和honegger.韦伯恩，伯格， 和巴尔托克也给他留下了深刻的印象。科普兰在寻找最新的欧洲音乐时，无论是在音乐会，读书还是激烈的辩论中都“不满”。这些“现代人”正在丢弃构图的旧定律，并试验了新形式，和声和节奏，包括使用爵士乐和四分之一音调。[131]Milhaud是Copland的一些“爵士乐”作品的灵感。他也接触过Schoenberg并钦佩他早期的顽强作品，想到了肖恩伯格的皮尔罗特·卢纳尔（Pierrot Lunaire）最重要的是。[132]科普兰命名伊戈尔·斯特拉文斯基作为他的“英雄”和他最喜欢的20世纪作曲家。[132]科普兰特别钦佩斯特拉文斯基的“锯齿状和无情的节奏效果”，“大胆使用不和谐”和“坚硬，干燥，脆弱的超声”。[132]

科普兰大部分音乐的另一个灵感是爵士乐。尽管在美国熟悉爵士乐 - 曾听过它并在乐队中演奏，但他在奥地利旅行时充分意识到了它的潜力：“爵士乐的印像在外国得到的印象完全不同，这与此类音乐的印象完全不同。一个人自己的国家...当我听到爵士乐在维也纳踢球时，就像是第一次听到它。”[110]他还发现，与他的祖国的距离帮助他更清楚地看到了美国。从1923年开始，他在古典音乐中采用了“爵士乐元素”，但到1930年代后期，他以更成功的作品进入了拉丁语和美国民间音乐。[133]尽管他早期的爵士乐重点让位于其他影响力，但科普兰继续以更微妙的方式在后来的作品中使用爵士乐。[133]科普兰从1940年代后期开始的工作包括对肖恩伯格的实验十二色系统，产生了两幅主要作品，钢琴四重奏（1950）和钢琴幻想（1957年）。[134]

早期著作

在离开巴黎之前，科普兰的作品主要是钢琴和艺术歌曲，受李斯特和德博西的启发。在其中，他尝试了模棱两可的起点和结局，快速的钥匙变化以及频繁使用Tritones。[35]他的第一个发表的作品，猫和鼠标（1920），是基于钢琴独奏的作品让·德拉·芬丹（Jean de la Fontaine）寓言”老猫和年轻的老鼠”。[135]在三个情绪（1921年），科普兰的最终运动名为“ Jazzy”，他指出的是“基于两个爵士乐旋律，应该让老教授坐起来并注意到”。[136]

这风琴和管弦乐队交响乐将科普兰确立为严肃的现代作曲家。音乐学家盖尔·默奇森（Gayle Murchison）引用了科普兰的使用旋律，谐波和节奏元素在爵士乐中的特有，他也将在他的剧院的音乐和钢琴协奏曲唤起本质上的“美国”声音。[137]他将这些品质与现代主义元素融合在一起，例如八音尺度和全音阶，多节奏的ostinato人物和不和谐的对立面。[137]默金森指出了伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）在作品紧张，驱动节奏及其一些谐波语言中的影响。[137]事后看来，科普兰发现这项工作也“欧洲”，因为他有意识地寻求一种更自觉的习语来唤起他未来的工作。[138]

1926年和1927年访问欧洲的访问使他与那里的最新发展接触，包括韦伯恩（Webern）为乐团提供的五件作品，给他留下了深刻的印象。1927年8月，科普兰在住在科尼格斯坦时写道诗人的歌，通过E. E. Cummings以及他使用Schoenberg的十二音技术的第一组作品。接下来是交响乐（1929）和钢琴变化（1930年），这两者都依赖於单个短图的详尽发展。该过程为科普兰提供了比他较早的音乐更具正式的灵活性和更大的情感范围，类似于Schoenberg的“连续变化”的想法，并且根据科普兰自身的承认，它受到十二音的影响，尽管都没有工作实际上使用了十二色行。[139]

科普兰第一阶段的另一个主要工作是短交响曲（1933）。在其中，音乐评论家和音乐学家迈克尔·斯坦伯格写道，“由爵士乐影响的仪表脱位是1920年代科普兰音乐如此特征的特征，比以往任何时候都更加普遍”。[140]与交响乐，编排要瘦得多，构图本身更加集中。[140]斯坦伯格将现代主义和爵士乐元素的结合和完善，称短交响曲“学识渊博的和白话的显著综合，因此，在其简洁的情况下（作品持续15分钟），这是一种单一的“完全”代表作曲家的代表”。[141]但是，科普兰从这项工作转向更容易获得的作品和民间来源。

民粹主义作品

科普兰写道ElSalónMéxico在1932年至1936年之间，它得到了一个受欢迎的好评，与他以前大多数作品的相对晦涩作用形成了鲜明对比。[142]这项工作的灵感来自科普兰的生动回忆，即参观“墨西哥沙龙”舞厅，在那里他目睹了对墨西哥夜生活的更亲密的看法。[143]科普兰从墨西哥民间音乐的两部收藏，改变音调和不同的节奏中得出了他的旋律材料。[144]在交响环境中设定的变化的民间曲调开始了他在1940年代最成功的作品中重复的一种模式。[145]这也标志着重点从统一的音乐结构转变为音乐可能对观众产生的修辞效果，并显示科普兰完善了一种简化，更容易获得的音乐语言。[146]

埃尔萨隆准备的科普兰写芭蕾舞得分比利的孩子用波拉克的话来说，这成为了“传奇美国西部的典型描述”。[147]基于Walter Noble Burns小说，尤金·洛林（Eugene Loring）编舞，比利是最早展示美国音乐和舞蹈词汇的人之一。[148]科普兰使用六个牛仔民歌来提供时期的氛围并受雇多节律和多哈拉姆当不引用这些曲调以保持作品的整体语气时。[149][150]这样，科普兰的音乐的工作方式与壁画相同托马斯·哈特·本顿，因为它采用了大众观众可以轻松抓住的元素。[76]芭蕾舞团于1939年在纽约首映，科普兰回忆说：“我不记得我的另一项一致接受的作品。”[73]和芭蕾牛仔竞技表演，比利的孩子用音乐学家伊丽莎白·克里斯特（Elizabeth Crist）的话说，“科普兰作为美国作曲家的声誉的基础”，并定义了“美国民族主义的简单形式”。[151]

科普兰在芭蕾舞团中的民族主义品牌与欧洲作曲家（例如贝拉·巴托克（BélaBartók））不同，后者试图保留他们尽可能接近原始的民间音调。[152]科普兰增强了他与当代节奏，质地和结构一起使用的音乐。在看起来矛盾的情况下，他使用复杂的和声和节奏来简化民间旋律，并使他们的听众更容易获得和熟悉。[153]除了摇动曲调阿巴拉契亚春天，科普兰经常晕厥传统的旋律，改变他们的公制模式和注意值。[154]在比利的孩子，他从牛仔曲调本身的隐含谐波结构中得出了许多作品的稀疏和声。[154]

像斯特拉文斯基一样，科普兰掌握了从本质上是基于民间和原始元素的马赛克创建连贯的，集成的构图的能力。[155]从这个意义上讲，科普兰的民粹主义作品，例如比利的孩子，牛仔竞技表演，阿巴拉契亚春天离斯特拉文斯基的芭蕾舞不远了春天的仪式.[156]然而，在该框架内，科普兰通过音乐学家埃利奥特·安托科莱茨（Elliott Antokoletz）称之为“公开唱唱歌声音的保守处理”，保留了这些芭蕾舞团的美国氛围，该芭蕾舞团在音乐中培养了音乐中的“田园质量”。[157]在开放中尤其如此阿巴拉契亚春天，在“透明曲调的旋律”所暗示的“透明和裸露”的地方。[157]与节奏，钥匙，纹理和动力学相反的变化，适合于科普兰并置结构块的组成实践。[157]

电影分数

当好莱坞在1930年代招呼音乐厅作曲家以获得更好的电影和更高的薪水的承诺时，科普兰认为他作为作曲家的能力既有挑战，又是一个机会，可以扩大自己的声誉和听众，以换取他的更严肃的作品。[158]在与当时的其他电影分数背道而驰的情况下，科普兰的作品在很大程度上反映了自己的风格，而不是从后期的浪漫时期借来的。[159]他经常避免整个乐团，他拒绝了使用leitmotif以自己的个人主题来识别角色。相反，他将主题与动作相匹配，同时避免了以夸张的重点对每一个动作的强调。科普兰采用的另一种技术是在私密的屏幕瞬间保持沉默，而只是开始音乐，以确认场景结束的动机。[160]维吉尔·汤姆森（Virgil Thomson）写了那个分数老鼠建立了“美国迄今为止创造的最杰出的民粹音乐风格”。[161]许多为西方电影而得分的作曲家，尤其是在1940年至1960年之间，受到科普兰风格的影响，尽管有些人也遵循了晚期的浪漫主义“ Max Steiner”方法，该方法被认为是更传统和可取的。[159][162]

以后作品

科普兰（Copland）在1940年代后期和1950年代的工作包括使用Schoenberg的十二色系统，这是他认识但并未完全接受的发展。他还相信序列化音乐的荒能反对他吸引广泛观众的愿望。因此，科普兰以一些最初的怀疑态度接近了十二章。在1949年在欧洲，他听到了许多连续作品，但并没有欣赏其中的太多作品，因为“似乎经常牺牲了该方法的个性”。[163]法国作曲家皮埃尔·布莱兹（Pierre Boulez）的音乐表明，科普兰（Copland）表明，该技术可以与他以前与之关联的“旧瓦格纳式”美学分开。随后接触奥地利作曲家安东·韦伯恩（Anton Webern）和瑞士作曲家的十二个色调作品的晚期音乐弗兰克·马丁和意大利作曲家Luigi Dallapiccola加强了这一观点。[164]

科普兰得出的结论是，沿着串行线的组成“只不过是一个视力角度。就像fugal待遇一样，这是一种激发音乐思维的刺激，尤其是当应用于一系列的色调时，可以使自己适应这种治疗。”[165]他于1951年开始了他的第一部连环作品“钢琴幻想”，以履行年轻的演奏家的佣金威廉·卡佩尔（William Kapell）。该作品成为他最具挑战性的作品之一，直到1957年，他一直在努力。[166]在工作的开发过程中，1953年，卡佩尔在飞机撞车事故中去世。[134]批评者最终首映时称其为“幻想”，称这件作品为“他自己的作品和当代钢琴文学”和“巨大成就”。杰伊·罗森菲尔德（Jay Rosenfield）说：“这对我们来说是一个新的科普兰，这是一位艺术家，凭借力量而不是过去。”[167]

连续主义允许科普兰综合串行和非串行实践。音乐学家约瑟夫·施特劳斯（Joseph Straus）说，在他这样做之前，诸如肖恩伯格（Schoenberg）和斯特拉文斯基（Stravinsky）等非音调作曲家之间的哲学和构图差异被认为是宽阔的海湾。[168]科普兰写道，对他而言，序列主义指向两个相反的方向，一个“朝着电子应用的全部组织的极端”，另一个”逐渐吸收到已经成为一个非常非常非常的方向上。自由解释音调[斜体科普兰]”。[169]他说他选择的道路是后者，他说的是他说的。钢琴幻想，使他能够结合“能够与十二色方法相关联的元素以及与音乐进行色调的元素”。[169]这种做法与Schoenberg明显不同，Schoenberg使用他的语调行作为完整的陈述来构成他的作品。[170]科普兰的行与他在音调作品中制作材料的方式没有什么不同。他将自己的行视为旋律和和声的来源，而不是那么完整和独立的实体，除了在音乐结构中决定了一排完整的陈述。[170]

即使在科普兰开始使用12色调的技术之后，他也没有仅仅坚持使用它们，而是在音调和非色调构图之间来回走动。[171]其他后期作品包括：舞蹈板（1959年，芭蕾舞），疯狂的东西（1961年，他的最后一部电影乐谱，其中很多后来都将其纳入他的伟大城市的音乐），内涵（1962年，为新的林肯中心爱乐厅），象征（1964年，对风带），夜间想法（1972年范·克莱本国际钢琴比赛）， 和公告（1982年，他的最后一部作品始于1973年）。[172]

评论家，作家，老师

科普兰不认为自己是专业作家。他将自己的写作称为“我的贸易的副产品”为“当代音乐推销员”。[173]因此，他写了很多关于音乐的文章，包括有关音乐批评分析，音乐趋势和自己的作品的作品。[174]科普兰是一个狂热的讲师和讲师的演讲，最终将其演示笔记收集到三本书中，在音乐中听什么（1939），我们的新音乐（1941），以及音乐和想像力（1952）。[175]在1980年代，他与维维安·佩里斯（Vivian Perlis）合作进行了两卷自传，科普兰：1900年至1942年（1984）和科普兰自1943年以来（1989）。这两本书与作曲家的第一人称叙述一起，结合了Perlis的11个“插曲”以及朋友和同龄人的其他部分。[176]对于第二卷的依赖性，对第一卷的依赖提出了一些争议。然而，由于科普兰的阿尔茨海默氏症和由此产生的记忆丧失的阶段，这是不可避免的。[176]在两本书和其他未出版的资料中的用途，经过专业的研究和组织，使他们成为Pollack术语“无价”。[176]

在他的职业生涯中，科普兰会见并帮助了数百名年轻作曲家，他遇到了他，并因他的持续兴趣和敏锐的兴趣和敏锐的态度吸引了他。[177][178]这种帮助主要出现在一个机构框架之外，比他在伯克希尔音乐中心在坦格伍德（Tanglewood），在新学校进行了十年的教学和策展，在哈佛大学和纽约州立大学布法罗大学的几个学期，科普兰在学术环境之外运作。[179]波拉克写道：“那些实际上与他一起学习的作曲家的数字很小，仅在短时间内做到了；相反，科普兰通过间歇性的建议和援助，更非正式地帮助年轻的作曲家。”[179]该建议包括专注于表达内容，而不是纯粹的技术要点和发展个人风格。[180][181]

科普兰愿意培养人才的意愿扩展到批评他的同龄人向他提出的进展分数。作曲家威廉·舒曼（William Schuman）写道：“作为一名老师，亚伦是非凡的。...科普兰会看你的音乐，并试图了解什么你是在[斜体图]之后。他不想把你变成另一个亚伦科普兰。...当他质疑某事时，这可能会让您想自己质疑它。他说的一切都有助于使年轻作曲家意识到特定作品的潜力。另一方面，亚伦可能非常关键。”[182]

导体

尽管科普兰（Copland）于1921年在巴黎学习，但他基本上仍然是一个具有非常个性化的自学成才的指挥。[183]在伊戈尔·斯特拉文斯基（Igor Stravinsky）的鼓励下，他在墨西哥的努力中掌握了指挥，并可能受到卡洛斯·查韦斯（Carlos Chavez）的努力，他开始在1940年代将自己的作品引导在国际旅行上。[184]到1950年代，他还开展了其他作曲家的作品，在电视转播的外观执导纽约爱乐乐团之后，科普兰的需求量很高。[185]他非常重视自己的计划20世纪的音乐还有鲜为人知的作曲家，直到1970年代，很少有计划的音乐会才能独家演奏音乐。[186]表演者和观众通常会向他的演出露面，作为作曲家预期听到音乐的积极机会。他代表其他作曲家的努力可能会渗透，但也不平坦。[187]

科普兰在讲台上低估了，以其他作曲家/指挥（例如Stravinsky和保罗·欣德米斯（Paul Hindemith）.[188]批评者在管弦乐队之前写道了他的精确和清晰度。[188]观察家指出，他“没有典型的导电虚荣心”。[189]科普兰的朴实魅力受到专业音乐家的赞赏，但有些人批评了他的“不稳定”节拍和“令人兴奋的”诠释。[190]库塞维茨基建议他“待在家里”。[191]科普兰有时会要求向伯恩斯坦提供建议，伯恩斯坦偶尔开玩笑说科普兰可以“更好”。伯恩斯坦还指出，科普兰随着时间的推移有所改善，他认为他比Stravinsky或Hindemith更自然。[192][193]最终，科普兰几乎录制了他与自己一起进行的所有管弦乐作品。[194]

遗产

对于科普兰的著名学生，请参阅教师的音乐学生名单：C到f§AaronCopland.

科普兰总共撰写了大约100件作品，涵盖了各种流派。这些构图中的许多，尤其是管弦乐作品，一直是美国标准曲目的一部分。[195]根据Pollack的说法，科普兰“也许是该国到目前为止产生的最独特和可识别的音乐声音，一种个性……这有助于为许多美国音乐会听起来最具特色的方式定义了许多人，并且对许多人都施加了巨大的影响同时代人和继任者。”[195]他对影响和倾向的综合有助于创造音乐的“美国主义”。[196]作曲家本人指出，总结了他的音乐的美国角色“乐观的基调”，“他对大型画布的热爱”，“表达情感的某种直接性”和“某种歌曲”。[197]

虽然“科普兰的音乐言论已经成为标志性”，并且“充当美国的镜子”，但莱昂·博特斯坦（Leon Botstein）提出作曲家“帮助定义了美国理想，性格和地位感的现代意识。他的音乐不是子公司发挥的观念，而是在民族意识的塑造中扮演的核心角色，使科普兰变得很有趣，对历史学家而言也很有趣作为音乐家。”[198]作曲家内德·罗雷姆（Ned Rorem）国家：“亚伦强调简单：删除，删除，删除不需要的东西。...亚伦向美国带来了瘦身，这在整个[第二次世界大战]中为我们的音乐语言定下了基调。多亏了亚伦，美国音乐才进入它自己的。”[199]

在里面纽约城市大学， 这皇后学院的音乐学校是以亚伦·科普兰的名字命名.

奖项

在流行文化中

亚伦·科普兰（Aaron Copland）的音乐为许多流行的现代音乐作品提供了灵感：

科普兰的音乐在整个过程中均出名Spike Lee1998年的电影，他有比赛.

选集

主要文章：亚伦·科普兰（Aaron Copland）的作品清单

资源：[211]

电影

  • 亚伦·科普兰（Aaron Copland）：自画像（1985）。由艾伦·米勒（Allan Miller）执导。音乐系列中的传记。新泽西州普林斯顿：人文科学。
  • 阿巴拉契亚春天（1996）。由苏格兰电视企业Graham Strong执导。新泽西州普林斯顿：人文科学电影。
  • 科普兰肖像（1975）。由美国信息局特里·桑德斯（Terry Sanders）执导。加利福尼亚州圣莫尼卡：美国电影基金会。
  • 美国大张旗Y：作曲家亚伦·科普兰（Aaron Copland）（2001）。由Andreas Skipis执导。由Hessischer Rundfunk与Reiner Moritz Associates共同制作。新泽西州普林斯顿：人文与科学电影。

书面作品

  • 科普兰，亚伦（1939;修订1957年），在音乐中听什么，纽约：麦格劳 - 希尔（McGraw-Hill）重印了很多次。
  • - （1941年；修订1968），我们的新音乐（新音乐：1900–1960，修订版），纽约：W。W。Norton。
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参考书目

进一步阅读

外部链接

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